Бегло вспомним о том, что происходило с Тёмным рыцарем после неудачи «Бэтмена и...

Просто к концу года давайте вспомним, какие сериалы упоминались в этом канале. Читайте, смотрите, любите: Жизнь с самим собой Почему женщины убивают Как стать богом в центральной Флориде Невероятное Марко Поло Утреннее шоу Куколка Больница Никербокер Хранители Хорошие девчонки Побег из тюрьмы Даннемора Страсть к приключениям Новобранец Последний министр Хороший доктор Охотники Корпорация Оставленные Мифический квест: Пир ворона Меломанка Темные начала Дом с прислугой Ради всего человечества Новенькая И повсюду тлеют пожары Видеть Брокмайр Великая Авеню 5 Стамптаун Нормальные люди Водоворот Космические войска Беги Чики Праведные Джемстоуны Загрузка Свежие яйца Дивный новый мир Неортодоксальная Чистота Дикинсон Постановка И никого не стало Родители года Черный понедельник Кемпинг Миссис Америка Белые линии Просто представь, что мы знаем Призраки Сестра Рэтчед Отыграть назад Не с первой попытки Современная любовь Защищая Джейкоба Ход королевы Я ненавижу Сьюзи Тед Лассо Голяк Третий день Перри Мейсон Кайф с доставкой Родословная Противостояние Свидания Бортпроводница Вот как-то так. У меня еще была убойная шутка для конца списка, но так долго проставлял ссылки, что забыл ее. Теперь уж в следующем году.

На День святого Валентина принято рекомендовать традиционные мелодрамы, ну а мы вспомним не самые очевидные картины, в которых любовь выступает двигателем сюжета. «Натали». Недооценённая мелодрама Анн Фонтен, исследующая брачный кризис пресытившихся буржуа через страх супружеской измены. Терзаемая сомнениями главная героиня (Фанни Ардан) нанимает проститутку (Эммануэль Беар), чтобы та, соблазнив её мужа (Жерар Депардье), предоставила ей серию подробнейших отчётов об их встречах. Постепенно интрига нарастает, отношения между женщинами натягиваются, характеры усложняются. Фильм стоит посмотреть хотя бы ради его формального изящества – где вроде бы заявлена эротика, но нет ни одной постельной сцены (отметим, впрочем, что серия откровенных рассказов Беар об её развратной связи легко может лишить сна добрую часть зрителей вне зависимости от их возраста и пола), где каждый из участников любовного треугольника по-своему и коварен, и глубоко несчастен, и где и сам любовный треугольник в финале превращается в совершенно неожиданную геометрическую фигуру. Посмотрите – трогает. «Увёртка». Второй полнометражный фильм Абделатифа Кешиша (одного из крупнейших современных европейских авторов, режиссёра «Жизни Адель»), в фокусе которого – первая подростковая любовь, разгоревшаяся во время репетиций к школьному спектаклю. Это далеко не новый приём – раскрыть конфликт через столкновение бытовой и театральной драматургии – но Кешиш мастерски играет со слоями сюжета, попутно, как это у него часто бывает, добиваясь от молодых исполнителей феноменального погружения в предлагаемые обстоятельства. Блестящая работа, после которой довольно сложно не влюбиться в кешишовский кинематограф. ЧтоПосмотреть

Вспомним тогда уж два не самых очевидных фильма, ключевым двигателем сюжета которых выступают наркотики. «Паника в Ниддл-Парке». Один из самых безжалостных портретов поколений начала 70-х, одно из главных достижений Джерри Шацберга (который позже отметится «Пугалом»), история любви, в которой героин одновременно и отчуждает героев друг от друга, и вновь заключает их в крепкие объятия. На первый взгляд это банальная хроника двух торчков, которые вынашивают мечту начать жизнь с чистого листа, но достаточно быстро она вырастает в большую трагедию деструктивной созависимости, где любовь (именно как навязчивая, болезненная привязанность) рифмуется с наркотиком, от встречи с которым никуда не убежать, нигде не спрятаться. Фильм примечателен ещё и тем, что молодой Пачино здесь впервые сыграл большую драматическую роль, да ещё и вместе с Китти Уинн, которая получила приз за главную женскую роль в Каннах – и этот фильм, поверьте, стоит посмотреть хотя бы ради их дуэта. «Полу-Нельсон». А вот это одна из первых ярких ролей Райана Гослинга – элегическая инди-драма о школьном учителем, страдающем от наркозависимости и сдружившимся со своей нелюдимой ученицей, чей дядя по странному совпадению оказывается влиятельным наркодиллером. Всё это, конечно, встречалось в американском независимом кинематографе и раньше (и то, что учитель вынашивает собственную книгу, и что тема уроков, которые он ведёт, иллюстрирует его персональный жизненный кризис), но кино примечательно, во-первых, тем, что создатели избавляют нас от излишнего проповеднического накала, а во-вторых – ну да, Райаном Гослингом, который играл лучше разве что у Сиенфрэнса в Blue Valentine. Самое забавное, что Анна Боден (сценарист) и Райан Флек (режиссёр) позже забрал под своё крыло Кевин Файги – и они выдали один из самых блеклых фильмов во всей франшизе, «Капитан Марвел». ЧтоПосмотреть https://avatars.mds.yandex.net/get-kinopoisk-image/1704946/a8481ecb-3fee-4743-a9a2-e10ebd622649/orig

Племена Европы / Tribes of Europa фантастика приключения постапокалипсис сериал Пессимистический взгляд немцев на будущее человечества вылился в неказистый, но вовсе небезнадежный сериал о мире после глобального локдауна. Поиски триггера апокалипсиса — история в кинематографе давняя. И понятно решение авторов «Племен» уйти от сверхпопулярной сегодня идеи об обрушении нынешней цивилизации под ударами необратимой пандемии. Казавшийся локальным политическим событием Brexit начинает приобретать мрачные очертания. В этом смысле разделенная на мелкие племена Европа — кошмар, ставящий под угрозу будущее человечества. Первый сезон бегло рисует новую карту Европы, сообщая, что доминировать в новом мире будут вполне определенные племена: прообраз НАТО, «зеленые», жестокие убийцы, сверхтехнологичные антлантийцы и женщины-амазонки — буквальное воплощение матриархата в племени Femen. Условность и несодержательность первого сезона отчасти извиняет введение в сюжет разделенной семьи, члены которой оказываются разнесены в противоборствующие стороны. Неизбежное столкновение и их встреча, пожалуй, единственная интрига, удерживающая интерес к сериалу. Пока ничего нового «Племена» предложить не смогли. При этом бесконечные отсылки к классике жанра, от «Терминатора» до «Звездных войн», не отталкивают, а, скорее, умиляют своей нескрываемой открытостью. Но почему-то верится (большим авансом), что будущий сезон не разочарует. Иногда весенний оптимизм, пришедший после долгой зимы, благостно влияет на восприятие всего окружающего. В том числе и сериалов. 6/10️ Трейлер: https://youtu.be/RmhhW-lUu4o Где смотреть: Netflix

(продолжение, начало в предыдущем посте) Он обычный человек, не гений, не подвижник, у него нет большого ума или таланта, которые предопределили бы его жизнь с ранних лет, и он не собирается идти по торному пути. А потому будущее туманно, неопределённо, и не может быть ничего более естественного в этой ситуации пересменка, праздности, перепутья, неопределённости, молодости и обеспеченности, чем любовь, секс, влечение (тем более, что он девственник!). Потребность плоти, вызов плоти, самый естественный прекрасный вызов, когда есть время, качества и условия на него ответить подобающе. И ещё это проблема. Проблема эта выступает на первый план, её нужно решить, чтобы идти дальше, и проблема героем при попустительстве обстоятельств успешно решается. Решается в русле протеста, своего пути, когда он еретично и смело мутит с чужой женой, да ещё и с женой близкого друга и бизнес-партнёра отца, а затем, естественным порядком, с дочерью того же товарища. В последнем случае ещё больше вызова, тут ещё и преодоление, так как адюльтер открылся, и девушку прячут и тащат к алтарю с другим. Вызов, невольный, а отчасти и вольный, почти сознательный протест завершается в церкви, когда герой запирает дверь крестом. И протест, и страсть! А какой протест без страсти. Какая любовь без порыва и преодоления. Любовь, как вид протеста, любовь как свой путь. Очень хорошо. Опять вспомним, что на носу Вудсток и даже в этот благополучный белый мир долетают идеи детей цветов. И вот герой добился своего, они сбежали, едут в автобусе. Кажется, будто он засомневался (а она смотрит на него с надеждой, как же хорошо), что это не любовь, а с жиру бесятся. Нет, это так и должно быть. Ровно как в жизни: волнительно, нервно, с осознанием, сомнением, опаской, без тупого восторга, что в пьяном угаре пишет на заборе «Маша, спасибо за сына!» или вырезает Лена+Петя=Любовь, без лишённого жизни, оскоплённого голливудского хэппиэнда, который лишает события и отношения и ответственности, и вызова, и неизвестности, и преодоления, а с тихой радостью. Радость и должна быть коротка и мешаться с сомнением, с вопросом, что дальше, как то будет дальше, какие потребуются качества и силы, есть ли нужное во мне, что придётся совершить, буду ли на высоте. Радость всегда должна быть с чем-то смешана, если это подлинная радость, потому что движение не прекращается, а движение и есть жизнь, и что там впереди мы не знаем. Безоглядность – это мерило не силы любви или радости, а масштаб тупости, ограниченности. Есть или нет у них будущее – на это фильм не должен и не может ответить. Он ответственен – успешно закончил колледж, упорен и страстен – добился её. Он показал бойцовские качества. Всё в его руках. В том числе и она. Дальше – опять новое, неизведанная территория. Очень хорошо и правдиво. У него все шансы, чтобы она его полюбила, чтобы её порыв, вызванный его страстью переплавился в любовь. Любовь ещё будет – без гарантий, если повезёт. Пожелаем им удачи. Так мне нравится думать. Минусы. Кроме акваланга и темы с водой, не ясной осталась проблема нравов. Как девушку заставили идти замуж за другого? Воля родителей тогда ещё была в силе? Или у неё были свои мотивы не противиться? Или героиня слишком мягка и податлива по натуре? Для своего времени вопрос этот мог и не стоять. Спустя пятьдесят лет возникает. Это минус. Ещё один маленький минус. Оценка: 11/12

Как урезать свой сценарий. С первого раза кажется, что готовый драфт всегда идеален. Идеальнее только костюмы от Brioni и лысина Вин Дизеля. А продюсер просит сократить десять страниц. WTF??? Не спешите сразу удалять его номер. Всегда можно подрезать сценарий так, что он станет еще лучше. Инфа сотка. Первым под нож идет описание. Продюсеры часто бегло читают ваш скрипт и судят по количеству белого цвета на странице. Возьмите себя в руки и вырезайте все лишние метафоры, прилагательные, шутки (из описания). Единственный способ избавиться от рака - это вырезать опухоль. Пройдитесь по диалогам. Убирайте лишние междометия, предлоги, фразы, дублирующие смысл. Будь скупым на слова. Тем больше веса они будут иметь. Сокращайте пояснительные моменты (parenthetical). Вы же не любите, когда вам указывают как делать вашу работу. Вот и актеры не любят. Они тоже часть команды, им нужен простор для творчества. Сокращайте имена, названия. Не Дмитрий Олегович, а Дима. Не Ламборгини, а Ламба. Объединяйте абзацы, даже если это не этично и объединит два кадра в один. Перед вами стоит задача резать. Все остальные смыслы продюсер (редактор) уже уловил. Помните, что каждая лишняя страница сценария - это деньги. Не ваши деньги.

​​К чёрту на рога (2016) Почему мы смотрим посредственные фильмы? Ведь смотрим? Если исключить навязанное киноиндустрией, то причины этому могут быть такие (не исчерпывающий список). Иногда определить с афиши, с трейлера, что фильм посредственный невозможно, особенно если он принадлежит «перу» приличного режиссёра или вышел из чертогов хорошего кинематографа, например, итальянского. Иногда хочется лёгонького, а весь актуальный репертуар пересмотрен. Иногда смотрим с чужих похвал, а бывает кончаются силы искать и выбирать. Ибо человек слаб. И что любопытно: от этого занятия тоже бывает польза. Например, этнографическая. Иначе говоря, можно получить пусть неполные и отрывочные, но вполне достоверные сведения о нравах местности, к которой принадлежат авторы, сведения часто куда более полезные для правильного представления о мире и, следовательно, своём месте в нём, чем даёт иной шедевр, от которого остаётся только смутное ощущение чего-то такого-этакого, а чаще лишь гордость приобщения, так как чтобы шедевр понять, нужно хотя бы раз его пересмотреть. А у кого на это есть время? (Это, конечно, не значит, что нужно бросить попытки понять). Что касается рассматриваемого фильма, то он относится к категории «итальянская комедия», что раньше было весьма хорошо, и сообщает кое-какие интересные сведения о нравах и обычаях современной Европы, то есть познавателен. Не так, как, например, «Прогулки с динозаврами», но гораздо более, чем «Парк юрского периода». Что и составляет его единственную ценность вместе с парой шуток на тему коррупции и скандинавской склонности к самоубийствам в полярную ночь. Конкретно. Фильм высмеивает нездоровую склонность иных итальянцев к стабильности и гражданским привилегиям, источником коих является госслужба. Не секрет, что в большинстве развитых стран неподкупности чиновников нижнего уровня добиваются пожизненным наймом и прочими гарантиями уверенности в будущем. Так и тут. Сюжет строится на том, что героя, маленького чиновника (вспомним для контраста Акакия Акакиевича) хотят сократить, он пытается остаться на службе, за что его ссылают служить в самые отдалённые места мира, где, естественно, так как жанр лёгкий, фильм посредственный, он находит свою любовь, которая его перековывает в политкорректном ключе и приобщает к идеалистическому обществу. Но что любопытней всего, не одни мы восторгаемся благополучной Европой, но и в самой Европе одни восторгаются другими. В нашем случае «отсталая» Италия «передовой» Норвегией, где граждане сплошь имеют собственные дома, занимаются по всему миру экологией, сексом и толерантностью, а также достигли больших высот в сортировке мусора. Притом, что продолжают бить китов, живут добычей нефти и узаконенными финансовыми махинациями (пенсионный фонд Норвегии один из крупнейших биржевых игроков), о чём авторы скромно умалчивают. И последнее. Можно ли назвать коррупцией подношения на уровне банки маринованных огурцов? Что такое настоящая коррупция и к чему приводят биржевые игры смотрите в документальном фильме «Инсайдеры». Не устану его рекламировать, и ей-ей сделаю о нём пост. Очень познавательный фильм. Оценка: 5/12. https://telegra.ph/file/29173e50b37caa52bb5f5.jpg

​​Страшно сказать, но с момента выхода первого фильма поттерианы «Гарри Поттер и философский камень» прошло целых 20 лет. А казалось, только вчера с ведром попкорна и стаканом колы мы смотрели на мелких Гарри, Рона и Гермиону, и мечтали получить письмо из Хогвартса. По такому поводу вспомним парочку интересных деталей, которые могли ускользнуть от детских глаз: Замечали ли вы среди многочисленных портретов на перемещающихся лестницах портрет Анны Болейн, второй жены английского короля Генриха VIII? А он там есть, присмотритесь. Всё потому, что соблазнительницу Болейн в своё время считали ведьмой. В сцене, где Невилл Долгопупс получает напоминалку от своей бабушки, он единственный ученик без мантии. Вероятно, бабушка хотела напомнить внуку, чтобы он не забыл надеть мантию. В книге у Гарри Поттера зелёные глаза, а в фильме — серо-голубые, всё потому что Дэниел Рэдклифф не смог носить контактные линзы из-за сильной аллергии. Ну и ещё одна новость для таких же преданных фанатов Гарри Поттера, как и мы. В «Азбуке вкуса» в подарок к покупкам выдают коллекционных татаков — это такие фигурки на липучке с изображениями героев поттерианы. Всего в коллекции 24 персонажа: кроме главной троицы преподаватели Хогвартса, Добби и Хагрид, тот самый злодей, имя которого нельзя называть, гербы 4 факультетов и редкие золотые снитчи, за которыми придётся поохотиться. Обладатели снитчей с уникальными серийными номерами смогут выиграть коллекционные наборы «Гарри Поттер» от Lego. Акция проходит в партнёрстве с Warner Brothers и продлится с 8 апреля по 2 июня: https://i.av.ru/so51/ Ещё татаками можно поиграть в специальную настолку от «Азбуки» — «Волшебное путешествие в Хогвартс». За 399 рублей вы получаете альбом для коллекционирования татаков, игровое поле и полные штаны счастья. После стольких лет? Всегда! https://telegra.ph/file/e907b19c3c84555e277d0.jpg

В честь 56-летия Мартина Лоуренса давайте вспомним весьма забавный отрывок из хорошей старой комедии "Нечего терять". Тим Роббинс, паук, упаковка спичек и бессмертный хит Джона Скэтмена прилагаются. ВИДЕОТЕКА MartinLawrence NothingToLose TimRobbins JohnScatman https://youtu.be/j4X7Wv70404 https://youtu.be/j4X7Wv70404

«Оскар» на носу, товарищи! Уже в конце недели мы узнаем имена победителей. А пока по традиции совершим экскурс в историю и вспомним картины, которые были названы киноакадемиками лучшими за последние десять лет. Нетрудно проследить некоторые закономерности: излюбленный жанр – историческая драма, главная тема – инаковость, эстетический образец – старый Голливуд. Посему лично мы пророчим главный приз в этом году «Манку» Дэвида Финчера, а болеем за «Землю кочевников» Хлои Чжао. https://zen.yandex.ru/media/cinemagraphie/10-filmovpobeditelei-oskara-za-poslednie-10-let-607eaa369a4d6026b84dc942

Если вас по-настоящему впечатлила «Гунда», рекомендуем ознакомиться и с другими работами Виктора Косаковского – редкого документалиста, больше 30 лет удерживающего стабильно высокую планку. «Лосев». Начать, как ни странно, рекомендуем с истоков – это скромная нарезка из последнего года жизни Алексея Лосева, час с небольшим длиннющих статичных кадров, в большинстве своём озвученных пространными рассуждениями философа на бытовые, историко-политические и религиозные темы. Мощнее всего Косаковскому удалось передать внутреннее смирение человека на закате его карьеры и жизни; это нужно видеть, даже если вы не знакомы с творчеством Лосева. «Беловы». Пожалуй, самая сильная картина Косаковского на сегодняшний день – и как документ отдельно взятой человеческой жизни, и как слепок эпохи, и как большая, невероятная работа с материалом в плане операторки и монтажа. Отдельно стоит выделить финал, в котором накал страстей цепляет за живое ничуть не хуже, чем драматическая кульминация «Гунды». «Тише!». Здесь режиссёр вышел на совершенно иной уровень художественной аскезы – натурально, позволив зрителю увидеть мир через окно своей квартиры. Причём это не столько формальный вызов (что в художественном кино случалось уже гораздо чаще – вспомним хотя бы Хичкока с Земекисом), сколько умело снятая и чертовски остроумная попытка пропустить абсурд бытовой повседневности через субъективный фильтр, умудрившись при этом сохранить своей авторский бесстрастный темперамент. Очень сильно. «Акварель». Технически самый навороченный и масштабный проект режиссёра – и, конечно, единственный, требующий просмотра на кинотеатральном экране. Здесь Косаковский исследует (фактически в ней растворившись) стихию воды, постепенно наращивая масштаб и захватывая все её агрегатные состояния. Учитывая технику съёмки и метод, при просмотре с телевизора кино навряд ли вызовет столь же сокрушительные эмоции – но они всё-таки останутся сильными. ЧтоПосмотреть https://api.kinoart.ru/storage/post/1092/regular_detail_picture-0b8df48a89b74176a6da84748774df7d.jpg

​​«Инсайдеры», документальный фильм (2010) Прежде всего, при просмотре следует учитывать культурную разницу. То, что у них называется излишне либерализованная сфера экономики, у нас бы называлось коррупция, воровство, мошенничество, и породило бы волну праведного возмущения и сомнения в человечности самой системе. У них не породило. Тем-то мы и отличаемся от цивилизованных народов (слово «мошенничество» в фильме используется, но только в сочетании «подали в суд за мошенничество», так что суд ещё не решил, мошенничество ли). Также следует учесть, что фильм, получивший Оскар и прочие награды, не делался обеспокоенными бессребрениками-конспирологами, как, например, Zeitgeist. Бессребреники не имеют доступа к информации и деньгам. Фильм заказан той частью элиты, которая прохлопала ушами сверхприбыли или потеряла деньги. Понятно, что играли все. Исландия, Дойче банк, английские и нидерландские банки в фильме упомянуты, французы в лице министра финансов обличают (при этом вспомним, как грамотно съехали французы, повесив всех собак на какого-то трейдера, который якобы без ведома руководства делал млрд ставки на бирже). Играли и проиграли безупречные скандинавы. Пенсионный фонд Норвегии потерял 70 млрд. долларов. Действующие лица и роли: Влиятельные круги, заказавшие фильм, в частности белый и пушистый альтруист и доброхот Дж. Сорос, а также министр финансов Франции. – обличают. Президенты США, Клинтон, Буш, Обама. – С первого всё началось, второй «работал» в кризис, третий назначил своими экономическими советниками тех же самых людей, которые устроили кризис и санкционировал помощь заигравшимся в размере 700 млрд. долларов из карманов налогоплательщиков. При том, что 6 млн. домов, купленных по ипотеке, были конфискованы. А. Гринспен, Б. Бернанке – председатели федеральной резервной системы США (их ЦБ) – прямо проталкивали законы, позволявшие финансистам вести мошенническую деятельность. Комиссия по ценным бумагам, министры финансов, Конгресс, аудиторские компании и т. д. – принимали нужные законы, закрывали глаза, не находили нарушений. Крупнейшие инвестиционные банки, финансовые конгломераты и страховые компании мира, как то: Goldman sachs, Morgan stanley, Lehman brothers, Merrill lynch, Citigroup, JP morgan, AIG и другие – обманывали клиентов, рисковали средствами вкладчиков. Цитата из фильма: «Они начали продавать долговые обязательства специально разработанные таким образом, чтобы рост убытков клиентов увеличивал прибыль компании». Ведущие мировые рейтинговые агентства: Moodys, Standart&Poors, Fitch – присваивали высокие (вплоть до высших, что позволяло привлекать пенсионные деньги) рейтинги «мусорным» бумагам. Например, рейтинг акций Lehman brothers перед самым банкротством был АА (стабильно высокий). Журительная сенатская комиссия – журила мошенников. Авторитетные экономисты – «научно» обосновывали нужность и правильность того, что было выгодно мошенникам. О чём? Цитата из фильма: «Мировой экономический кризис 2008 года лишил десятки миллионов людей работы, жилья и сбережений. Вот как это произошло». Иначе говоря, фильм о мировой финансовой пирамиде и мошенничестве в столь крупных размерах, что никому и не снилось. Ещё несколько цитат: «– Почему не ведётся более систематического расследования? – Тогда бы нашли виновных.» «Регулирующие органы не выполнили свою задачу, у них была возможность расследовать все дела, которые я завёл на посту прокурора. Они не захотели.» «Рейтинговые агентства, которым платили инвестбанки, не несли ответственности за неверную оценку рейтинга обязательств». О чудный старый мир! https://telegra.ph/file/7038c138cd14381f4137e.jpg

Практически 70 лет назад вышел «Трамвай «Желание» – вспомним о создании этой великой картины. - Из всех экранизаций Уильямса «Трамвай» запомнился практически полным отсутствием скандалов в процессе производства – несмотря на бушующие в сценарии страсти, на площадке царило абсолютное взаимопонимание, и это несмотря на тот факт, что Казан собрал актёров из совершенно разных социальных кругов и придерживающихся зачастую противоположного подхода к существованию характера на экране. - Забавно, что Казан не хотел снимать «Трамвай», уверяя, что полностью реализовал потенциал пьесы на театральной сцене, и согласился на работу лишь при том условии, что ему разрешат перенести в фильм всех своих актёров. Так, например, в проект попал молодой Марлон Брандо (у которого на тот момент за плечами была лишь одна полнометражка); зато Казану по настоянию студии пришлось заменить Джессику Танди (игравшую Бланш) на Вивьен Ли, для которой эта роль стала венцом всей карьеры. - Съёмки длились 36 дней, и могли бы закончиться ещё раньше, если бы режиссёру не потребовалось снять для вступительного эпизода настоящий трамвай – к тому времени их уже заменили автобусы, так что студии пришлось в спешном порядке договариваться с городскими властями. - Администрация по надзору за соблюдением правил производства (!) потребовала внести в фильм около 70 правок, а католическая церковь потребовала присудить «Трамваю» фатальный рейтинг C – в результате студия без ведома съёмочной группы отрезала от готового фильма пять самых провокационных минут (особенно пострадала знаменитая сцена изнасилования). Восстановленную версию мир увидел лишь спустя 40 лет. - Что особенно забавно, все главные актёры получили по «Оскару» (т. е. три статуэтки из четырёх ушли артистам) – все, кроме великого Марлона Брандо. Историческая несправедливость была восстановлена на следующем совместном фильме Брандо и Казана – когда триумфатором церемонии стал х/ф «В порту». ОткрытыйЗанавес https://regnum.ru/uploads/pictures/news/2017/07/17/regnum_picture_1500277877224914_normal.jpg

В наши кинотеатры влетел «Девятаев» – не столько военный байопик, сколько выступление в классическом жанре «кино про побег». Вспомним несколько выдающихся произведений на эту тему. «Приговорённый к смерти бежал, или Дух веет, где хочет». Шедевр Робера Брессона, один из самых внешне сдержанных и аскетичных фильмов о тюремном побеге, показывающих момент заключения обстоятельством прежде всего внечеловеческим, иррациональным, а сам побег – как победу индивида над системой, торжество свободного духа, сумевшего не раздвинуть даже, а как бы просочиться через тюремные застенки. Также нельзя отдельно не отметить концовку – одну из самых эффектных в истории мирового кинематографа. «Хладнокровный Люк». Возможно, лучший фильм о побеге из тюрьмы. На первый взгляд – это обманчиво простая, а где-то даже и бесхитростная картина, но чем дальше развивается сюжет, тем более противоречивым, острым и объёмным становится то, что мы с вами видим; здесь же свою лучшую роль сыграл Пол Ньюман. «Большой побег». Разумеется, нельзя не вспомнить и о культовом фильме Джона Стёрджеса, который на пару с «Мотыльком» превратил Стива Маккуина в одного из самых известных экранных беглецов на планете. При этом речь идёт действительно о большом, массовом побеге, что как бы уводит действие в приключенческий жанр, и от того, с каким блеском реализована кульминация, по сей день перехватывает дыхание. «Великая иллюзия». Еще одно кино о лётчиках, угодивших в плен и вынашивающих дерзкий план побега, этапная работа в карьере Жана Ренуара. Причём сегодня моментально бросается в глаза элегантная амбивалентность режиссёрской манеры – когда даже в моменты абсолютного триумфа для беглецов размывается и эмоциональный фон, и такие, казалось бы, незыблемые понятия свободы, внутренних и внешних границ, коллективного и индивидуального выбора. Спустя годы Джармуш, вдохновившись «Иллюзией», снял во многом пересекающийся с ним сюжетом «Вне закона» – но об этом мы поговорим как-нибудь в другой раз. ЧтоПосмотреть https://s4.afisha.ru/mediastorage/9b/68/302c3b902f8e4a0b8119f3dd689b.jpg

Практически 70 лет назад вышел «Трамвай «Желание» – вспомним о создании этой великой картины. - Из всех экранизаций Уильямса «Трамвай» запомнился практически полным отсутствием скандалов в процессе производства – несмотря на бушующие в сценарии страсти, на площадке царило абсолютное взаимопонимание, и это несмотря на тот факт, что Казан собрал актёров из совершенно разных социальных кругов и придерживающихся зачастую противоположного подхода к существованию характера на экране. - Забавно, что Казан не хотел снимать «Трамвай», уверяя, что полностью реализовал потенциал пьесы на театральной сцене, и согласился на работу лишь при том условии, что ему разрешат перенести в фильм всех своих актёров. Так, например, в проект попал молодой Марлон Брандо (у которого на тот момент за плечами была лишь одна полнометражка); зато Казану по настоянию студии пришлось заменить Джессику Танди (игравшую Бланш) на Вивьен Ли, для которой эта роль стала венцом всей карьеры. - Съёмки длились 36 дней, и могли бы закончиться ещё раньше, если бы режиссёру не потребовалось снять для вступительного эпизода настоящий трамвай – к тому времени их уже заменили автобусы, так что студии пришлось в спешном порядке договариваться с городскими властями. - Администрация по надзору за соблюдением правил производства (!) потребовала внести в фильм около 70 правок, а католическая церковь потребовала присудить «Трамваю» фатальный рейтинг C – в результате студия без ведома съёмочной группы отрезала от готового фильма пять самых провокационных минут (особенно пострадала знаменитая сцена изнасилования). Восстановленную версию мир увидел лишь спустя 40 лет. - Что особенно забавно, все главные актёры получили по «Оскару» (т. е. три статуэтки из четырёх ушли артистам) – все, кроме великого Марлона Брандо. Историческая несправедливость была восстановлена на следующем совместном фильме Брандо и Казана – когда триумфатором церемонии стал х/ф «В порту». ОткрытыйЗанавес https://regnum.ru/uploads/pictures/news/2017/07/17/regnum_picture_1500277877224914_normal.jpg

Сегодня столетие со дня рождения Сатьяджита Рая, главного режиссёра в истории индийского кинематографа. Вспомним парочку его наиболее значимых достижений. «Песнь дороги» (см. также «Непокорённого» и «Мир Апу»). Всем, чьи знания о кинематографе Индии исчерпываются болливудскими мюзиклами, стоит начать с просмотра данной трилогии. Вообще, в этом смысле Рай подлинный интернационалист, и уже во время просмотра его первого шедевра (именно «Песни дороги») видно, что он соединил итальянские, японские и французские традиции, искусно вписав их в национальный колорит – и это не только мощное социальное высказывание, но и большая поэма о единении человека и природы, едва уловимыми мазками поженившая европейский гуманизм с индуистской мифологией. Именно после этого фильма о Рае заговорили во всём мире, вручив ему сразу два приза Каннского фестиваля. «Чарулота». Пожалуй, это главная работа Сатьяджита Рая (в том числе по его же собственному признанию) – фильм, сфокусировавшийся на принципиально непроговариваемом конфликте: акцент сделан как бы на любовном треугольнике, но его грани то и дело расползаются в стороны под натиском творческих, классовых и политических обстоятельств. Причём здесь Рай уже явно наследует кинематографу Антониони, не растеряв при этом ни фирменной фактуры созерцательного лиризма, ни авторской идентичности – к тому же это редкий пример высокой трагедии, разыгранной в нескольких скупых домашних интерьерах (и то, как, например, оператор играет с пространством – это предмет для отдельного захватывающего разговора). Чистый кинематограф. ЧтоПосмотреть https://www.soyuz.ru/public/uploads/files/6/6963631/20170224104721d941f19440.jpg

Ну вот и прошёл в нашем прокате отреставрированный «Властелин колец». Оставляя скандалы вокруг качества конвертации (хотя на деле это ровно те же отреставрированные копии, которые демонстрировались по всей Европе), хотелось бы поговорить о том, что творение Джексона – редкий пример неустаревающего, а в отдельных аспектах даже постепенно расцветающего блокбастера. Если брать нулевые, то у «Поттерианы» и «Пиратов Карибского моря» имеются не самые удачные части (а о стилистической целостности при смене постановщика можно только мечтать), трилогия Рэйми о «Человеке-пауке» (за исключением сиквела) устарела чисто технически, да что там – даже сам Джексон, пытаясь много лет спустя повторить успех «Властелина», к третьему «Хоббиту» окончательно растерял остатки здравомыслия и хорошего вкуса. Понятно, что «Властелин колец» не является образцом эстетического идеала – взять хоть множество раз спародированную череду финалов из «Возвращения короля» (отмеченную «Оскаром» за лучший монтаж!), или тот факт, что при адаптации сюжета новозеландец предпочёл вынести толкиеновский подтекст глубоко за скобки. Но парадоксальным образом в этом и заключается сила трилогии – потому что Джексон снял чистое, антидискурсивное зрелище. Если «Гладиатор», вышедший за год до «Братства кольца», возрождал пеплум, то здесь переосмысляется понятие народного эпоса, нового модернистского мифа. Философия «Властелина колец» – не в том, о чём говорит автор; главное, идут ли ему эти доспехи и насколько у него острый меч. Сегодня понятие народного эпоса продают такие фильмы, как «Мстители» (вспомним Endgame) – глубоко укоренённые во все социально-политические измы современной Америки, начиная инклюзивным кастингом и заканчивая обязательным внедрением феминистской повестки. И тем поразительнее сейчас пересматривать удивительное девятичасовое полотно Джексона, чей контекст – вневременной, т. е. исключительно кинематографический. За это его любим мы – и, надеемся, ещё полюбят следующие поколения зрителей. ЧтоПосмотреть https://teletype.in/files/a2/1c/a21c0cd3-50f8-43b5-b41d-0cf785098cf1.png

Земля кочевников (2020) «Землю» хоть и увязывают с экономическим кризисом, но никакого отношения к нему фильм не имеет. Сами авторы на связь с кризисом крайне робко пытаются указать трижды. Первый раз заводом, что закрылся, мол виноват кризис. Малоубедительно. Система рыночного хозяйствования предполагает такие закрытия постоянно. Тем более, если это добывающее предприятие, а шахта выработана. Такое происходит и не в кризис, а повсеместно и постоянно. Это нормально. Вспомним Детройт, некогда автомобильную столицу мира, теперь город призрак. А сколько предприятий в Америке закрылись в связи с переносом производства в Китай и прочую юго-восточную Азию с дешёвой рабочей силой? Об этом никто и не чирикнул. Вторая привязка к кризису, пафосное высказывание лидера кочевников о злом долларе. Очень кратко, будто вырезали. Третья – разговор о недвижимости в доме сестры, пара невнятных фраз. Явно для галочки, робко, беспомощно. Пришить актуальность явлению двумя робкими сценками и одним неоднозначным обстоятельством явно не удалось. А взглянуть шире и сказать, что «кочевники» порождены не кризисом, а экономической системой, авторы не осмелились. По сути это фильм о группе кочующих, неприкаянных. Фильм об одном из видов американских бродяг. О других, вольных и невольных, видах можно прочитать, например, «В дороге» или в «Гроздьях гнева». Для Америки тема явно не нова, уже однажды выражена ярче, и, видимо, это одна из причин почему внимание зрителей привлечь не удалось. По форме это документальный фильм с вкраплениями игрового элемента. И это неудачная форма. Документальный фильм, чтобы стать событием, должен опираться на значительную тему, на масштабное яркое актуальное явление. Сила такого фильма не в актёрах, сюжете, сценарии, драматической истории, не в оригинальном глубоком переосмыслении проблемы – а в натуре, теме. Возьмём, увы, хрестоматийные в этом смысле «Триумф воли» или «Обыкновенный фашизм», или не увы – «Инсайдеры», «В мире безмолвия» Кусто, «Форенгейт 9/11», «Прогулки с динозаврами». В рассматриваемом фильме масштабного значимого явления нет. На главном сборе «кочевников» от силы сотня человек. Для сравнения можно вспомнить коммерческий фестиваль «Фаермен» – десятки тысяч благоденствующих айтишников платят большие деньги, чтобы на время отказаться от тягот цивилизованной жизни. Актуальность, как я уже говорил, притянута за уши. Нет и ярких образов человеческих драм. На экране мы видим по большей части быт маргинальной группы, каждый член которой имеет свои, сугубо личные причины жить на колёсах (так по фильму), у кого болезнь, у кого потеря близкого человека. Объединяет «кочевников» цвет кожи, белый, и возраст. В первоисточнике, книге, выражено яснее. Это те, кому неоткуда взять денег на выплату процентов по кредитам, содержание дома и так далее, и «они меняют бетонные коробки на дома на колёсах», то есть те, кто не может больше соответствовать трудовым и потребительским требованиям системы, кто выдавлен из неё, и пытается с достоинством завершить жизненный путь. В фильме нет и этого. Личные обстоятельства «кочевников» туманны и неоднозначны. Например, у героини есть на крайний случай состоятельные родственники, денег занять. У старушки, её подруги, оказывается свой дом, внедорожник, и она за экологию между делом. У старика приветливая, жутко позитивная семья, некислый домина и возможность получать медицинскую помощь. Также о не бедственном положении маргиналов свидетельствуют устройства спутникового слежения, интернет. Не белых среди «кочевников» одна афро-американка. Видимо, не белая часть Америки ещё придерживается старых семейных ценностей, и старики доживают свой век в семьях. (ещё не всё, продолжение в следующем посте)

​40 лет назад, 25 мая 1981 года, в Каннах состоялась премьера культового фильма о разрушении семейных отношений. Да, мы про «Одержимую» Анджея Жулавски. Фильм, который сочетает в себе сразу несколько жанров: драма, мелодрама, триллер, детектив и трагедия на уровне Шекспира. Фильм, в котором половина событий — это какой-то непонятный сюр, но черт возьми, этот сюр показывает реальность, как она есть. Фильм, где, пожалуй, лучшая в истории женская роль в исполнении Изабель Аджани. Давайте вспомним, что за кино «Одержимая», и почему этот шедевр невозможно повторить: https://climax.press/brak-i-dyavol-oderzhimaya-andzheya-zhulavski/ https://telegra.ph/file/d8d3f4a5787be97240836.jpg

Сегодня Клинту Иствуду исполнился 91 год. Вспомним парочку его знаковых ролей вне «Долларовой трилогии» и франшизы о Гарри Каллахане. «Обманутый». Одна из самых эффектных творческих коллабораций Сигела и Иствуда, южноготический триллер с мощным эротическим напряжением – впоследствии о противостоянии мужского-женского в подобном жанре будет снято немало знаковых картин, но именно «Обманутый» был одним из первых, кто переставил тему на глобальные рельсы. Причём Иствуд выступает здесь не совсем в типичном амплуа коварного соблазнителя, лисы, забравшейся не в тот курятник, да и Сигел не совершил практически ни одной ошибки, медленно, но уверенно раскаляя атмосферу и ловко управляясь с фрейдистским подтекстом, явно перекочевавшим сюда из литературного первоисточника. Стоит увидеть. «Побег из Алькатраса». Снова Сигел, но на этот раз – в жанре тюремной драмы. Конечно, это не кино уровня того же «Мотылька», но очень эффектная, напряжённая, а местами и весьма остроумная работа: имеется даже иронически оформленная сцена выяснения отношений в душе. Но что самое примечательное – чем ближе кульминация, тем более сгущается тон повествования, да и финал явно удивит многих поклонников как темы, так и самого режиссёра. Во второй половине действия кому-то может показаться излишне сдержанной, даже суховатой атмосфера – но это часть авторской концепции, благодаря которой «Побег» до сих пор смотрится одним из самых суровых американских фильмов о тюрьме. ЧтоПосмотреть https://yourtop.su/wp-content/uploads/2018/10/pobegizalkatrasa.jpg

«Челюстям» – 46 лет. На тему столкновения человека и всевозможных подводных монстров снято не так уж и много достойных картин – сегодня мы вспомним о некоторых из них. «Глубокое синее море». Ставший культовым в узких кругах фантастический боевик Ренни Харлина, в которых горстка представителей нескольких жанровых типажей (биолог модельной внешности, опытный дайвер, перепуганный инженер, кок с говорящим попугаем и т. д.) вынуждены отбиваться от гигантской акулы со стратегическим интеллектом – вдобавок действие происходит посреди разваливающейся на ходу подводной лаборатории. Это, вероятно, один из лучших представителей темы вообще – свирепое, остроумное, бесконечно изобретательное зрелище, и отдельное удовольствие наблюдать за тем, как Харлин работает с вышеупомянутыми типажами. У «Моря» есть несколько продолжений – но уж лучше встретиться с настоящей акулой. «Старик и море». Анимационная экранизация одноимённой повести Хемингуэя, за которую Петров, к тому времени опытный мастер («Корова», «Сон смешного человека», «Русалка») получил «Оскар». Понятно, что здесь рыба скорее олицетворяет неукротимость природной стихии, а человек – несгибаемость и неистребимую волю к победе, но нужно видеть, конечно, с каким блеском режиссёр наполняет эти 20 минут содержанием полноценного эпоса. «Пираньи 3D». Самый смешной фильм в карьере кровожадного француза Александра Ажи. Здесь все компоненты трэшевого сегмента жанра – глупость будущих жертв, вываливающиеся с экрана женские груди, океан компьютерной крови, – словно рассмотрены под увеличительным стеклом, доведены до почти мультипликационной карикатуры; даже трёхмерный формат в конечном счёте не коммерческая уловка, а осознанный стилистический приём, выжимающий из действия ещё больше хардкора. Увы, ничего из перечисленного не относится к продолжению. «Отмель». Ещё один симпатичный жанровый хит, где есть девушка, застрявшая на туше мёртвого кита (долго рассказывать), и есть плавающий вокруг неё акулий плавник. В фильме полно чрезмерно фантастических обстоятельств (чего стоит сдружившаяся с девушкой компьютерная чайка), что не мешает режиссёру грамотно удерживать саспенс, даром что половину напряжения даёт физическая фактура материала – то есть Блейк Лайвли и её замечательный купальный костюм. «Чёрный плавник». В конце ради разнообразия приведём пример, в котором монстром выступает уже человек. Поначалу кажется, что «Плавник» – типичный эксплуатационный док о кровожадной касатке (фильм начинается с расследования убийства одной из дрессировщиц), но постепенно и авторские, и зрительские симпатии уходят к этим невероятным животным; в психологическом смысле это, несомненно, самый тяжелый фильм из всей подборки. ЧтоПосмотреть https://www.vokrug.tv/pic/product/5/9/2/c/592ce0f624912369bbdc6ff88250da6d.jpeg

Прошло 115 лет со дня рождения Билли Уайлдера – одного из лучших американских режиссёров в истории кинематографа. Вспомним несколько его знаковых фильмов, не упоминая о двух самых популярных («В джазе только девушки» и «Сансет Бульвар»). «Двойная страховка». Первый большой шедевр Уайлдера, хрестоматийная классика нуара, парадоксальным образом один из её самых мрачных и ироничных представителей. Редкий пример фильма, который, с какого бы места ты его не включил, намертво приковывает к экрану. При этом Уайлдер начал экспериментировать уже тогда, совместив визуальные принципы ланговского «М» со светом для документальной хроники тех лет. Много лет спустя он рассказал, что не сразу понял, как закончить «Страховку» – была даже отснята сцена, в которой МакМюррэя ведут в газовую камеру, но впоследствии режиссёр передумал и вырезал её из финального монтажа. «Потерянный уик-энд». И по сей день один из самых бескомпромиссных фильмов о разрушительных последствиях алкоголизма. Сцена с летучей мышью – в золотую сокровищницу кинематографа. Забавно, что продюсеры согласились дать денег на фильм, только если на главную роль возьмут красивого актёра, а сам Уайлдер настолько не верил в «Уик-энд», что, сняв его, ушёл в армию – и вернулся оттуда уже «оскаровским» лауреатом. «Туз в рукаве». В год выхода ленту не очень хорошо приняли, но время всё расставило на свои места – эта социальная сатира и по сей день может кого-нибудь шокировать своим неприкрытым цинизмом. Отдельная песня – Кирк Дуглас; роль в «Тузе» легко можно включить в тройку лучших у актёра. «Квартира». Фильм, который Уайлдер называл своим высшим творческим достижением. «Квартира» была смонтирована за неделю и вдохновлена эпизодом из «Короткой встречи» Дэвида Лина, во время которой мужчина решает уединиться с замужней женщиной в квартире своего друга – и Уайлдер подумал, что было бы хорошо снять кино про этого друга. Так, зародившаяся из чужого проекта и сделанная впопыхах картина до сих пор смотрится свежее, нахальнее и, чего уж там, смешнее большинства современных комедий; а Уайлдер тогда заработал очередной «Оскар». ЧтоПосмотреть https://retromovie.ru/sites/default/files/image/double-indemnity-1944/photo/1khxVUSGSsJ04YqjuDEJZmenRgB.jpg

Пока мы отсчитываем дни до премьер «Титана» и «Прошлой ночью в Сохо», вспомним парочку европейских образцов современного хоррора. «Сырое». Неожиданно чувственный боди-хоррор, один из самых примечательных фильмов новой интеллектуальной волны. Разумеется, Джулия Дюкорно не открывает здесь Америку, сопоставляя подростковый гормональный всплеск с физиологической патологией (из самых ярких примеров можно вспомнить хотя бы «Оборотня» Джона Фоусета), но её интеллектуальная дерзость, художественный креатив и владение ритмом в любом случае производят неизгладимое впечатление. Кое-где она всё ещё захлёбывается в амбициях, а от некоторых подчёркнуто эпатажных сцен исходит типичное для новичков кичливое самодовольство, но её экспрессии и (внезапно) чувства юмора уже хватает на то, чтобы записать Дюкорно в список самых перспективных новичков жанра. Отдельно стоит упомянуть француженку Геранс Марилье – кажется, её звезда так и не взлетела, но по этой роли её, очевидно, надолго запомнят. «Тельма». Ещё один хоррор про девушку и её созревающую сексуальность – такой как бы норвежский ремейк «Кэрри» (Йоакиму Триеру после «Осло, 31-го августа» не привыкать), только с уклоном в ледяную скандинавскую атмосферу. И потом, в центре сюжета – лесбийский роман, но и эта линия решена по современным меркам весьма целомудренно (сцену со змеёй, впрочем, вы не забудете). Триер вообще снимает намеренно скованно, нюансировано и неторопливо: понятно, что это также роман воспитания – или непослушания? – но всю первую половину фильма он строится из полутонов и умолчаний, а во второй режиссёр уходит в символизм и выдаёт ряд жёстких и крайне остроумных эпизодов. Это больше упражнение, конечно, и сложно представить человека, которого «Тельма» смогла бы всерьёз напугать – но вот заворожить, очаровать, а местами и восхитить уже вполне. ЧтоПосмотреть http://uzhasy.net/sites/default/files/gallery/raw-2017/46GikxYW84dRh71sWVY0eRQiHLX.jpg

Вспомним один из главных летних фильмов мирового кинематографа – «Бассейн» Жака Дере. Вообще, у Делона в тот период вышло сразу несколько выдающихся картин в жанре экзистенциального триллера (начиная Рене Клеманом и заканчивая Антониони), однако «Бассейн» среди них стоит несколько особняком. Здесь драматургия полностью завязана на физиологических реакциях – колючих взглядах, натянутых улыбках, скованных позах. И продвигает сюжет не интрига, а раскаляющее атмосферу эротическое напряжение – можно сказать, что Дере уже тогда предвосхитил расцвет этого жанра в Америке (от «Рокового влечения» к «Основному инстинкту» и «Дикости»), причём здесь, в картине 1969 года, гораздо больше внутренней и внешней раскрепощённости, чем в современных – в основном завязанных на механических фрикциях – вечерних триллерах. При этом компанию как и всегда безупречному Делону составили Роми Шнайдер (одна из самых выдающихся актрис своего поколения) и Морис Роне, сумевшие мастерски разыграть конфликт принципиально невыговариваемых противоречий. Между ними постоянно образуется натяжение, и никто из участников размолвки не решается перейти к открытому диалогу – даже самая юная участница этой истории, дочь одного из персонажей, прекрасно всё понимая, до какого-то момента предпочитает сохранять нейтралитет. Но стоит только героям разоткровенничаться друг перед другом – и мы становимся свидетелями убийства. Это разряжает саспенс и как бы образует смычку оптического и смыслового – длинные панорамные кадры постепенно сменяют статические, а в ритм прокрадывается тягучая траурная нота. Это не только демонстрирует нам виртуозное владение формой, но и вытягивает историю на уровень высокой трагедии. Позже многие пытались повторить успех Дери – Озон, отчасти вдохновившись, или вот Гуаданьино, снявший прямой ремейк, – но неизбежно уходили с этой идеей на дно. Разбор https://avatars.mds.yandex.net/get-zen_doc/1550999/pub_5c97705161fcd200b27e3be4_5c9779a3ae3ca000b3d5d19c/scale_1200

В американский День независимости вспомним известную картину Эммериха — один из главных хитов 1996 года (он стал кассовым рекордсменом в год выхода) и чуть ли не лучший фантастический блокбастер о пришельцах, снятый за несколько декад. Секрет фильма, разумеется, не только в залихватском экшне, передовых эффектах и Уилле Смите на пике своей карьеры. Эммерих — не только батальный постановщик, но и умелый постмодернист-деконструктор, грамотно сшивает весь научно-фантастический палп западной культуры — от идиотской кинофантастики 50-х («Оно пришло из открытого космоса» и прочая наивная, но крайне симпатичная лабуда, вдохновившая не одно поколение режиссёров) до Герберта Уэллса с «Войной миров». И сам образ пришельцев — всамделишных и пугающих своими щупальцами, одновременно соблюдает жанровый канон, и в то же время рвёт с ним. Особенно после гуманистической фантастики Спилберга, которую необходимо было встряхнуть и вернуть положение дел на круги своя — показать пришельцев в привычном для нас образе — образе носителей зла и разрухи. Но также мастерство фильма — в лобовой авторской иронии, где США обрастают новыми уфологическими легендами (здесь же и одно из лучших экранных прочтений такого места, как «Зона 51») и вынуждены постоянно сражаться за свою независимость — даже спустя 200 с лишним лет после подписания исторического документа. И этот чудесный, разнообразный и противоречивый мир можно объединить, как ни странно, только в общем акте борьбы против неземной нечисти — вот где посеяны зерна космополитических идеалов. В космополитизме, по иронии, привнесённом силами звездно-полосатой авиации. Разбор https://avatars.mds.yandex.net/get-ott/239697/2a000001612cd8f3d67b29e3ac8c75d9b6c9/678x380

Уже в четверг на экраны выйдет ре-релиз «На игле» – культовой криминальной драмы Дэнни Бойла о буднях эдинбургских наркоманов. Британский режиссёр всегда снимал фильмы, о которых говорили, любовно принимали и ставили образцом – как настоящую и динамичную кинематографию. Вспомним несколько работ Бойла, о которых упоминают не так часто, как они того заслуживают. «Транс» – сумасшедшая головоломка, разыгранная в жанре не то гангстерского триллера, не то нуара, не то эротики. Бойл настолько взвинчивает сюжет, что пошагово следить за канвой становится невозможно. Впрочем, это необязательно, учитывая что «Транс» – чистой воды формальный эксперимент, где Бойл словно проверял не иссякла ли его энергия с годами. Оказалось, что ни на йоту – этот причудливый микс с Макэвоем можно ставить в один ряд с «Неглубокой могилой». И обидно, что многие зрители об этом забывают. «Неглубокая могила» – дебют британского постановщика, почему-то многими воспринимаемый лишь как подготовка к своему магнум опусу («На игле» ). Хотя в целом Бойл как автор сложился уже здесь: он лихо монтирует сцены, перебивает повествование рассказчиком, а также привносит атмосферу хулиганского молодёжного драйва. Безусловно, фильм кажется скромным: здесь действие ограничивается одной квартирой, да и красавчик Юэн Макгрегор не обнажил свой артистизм так, как в образе Марка Рентона. Но цинизм постановщика и интерес к теме наживы, пожалуй, наиболее удачно и полно воплотился именно в дебютной работе. «Миллионер из трущоб» – нашлись зрители, которые недоумевали от засилья наград (у ленты есть также статуэтка за «лучший фильм» в 2009 году) и в целом, сомнительной игры Бойла на территории индийской мелодрамы. Но здесь нельзя обойтись без здорового, что называется, стёба – Бойл разыграл американскую историю о пути к мечте на карте бедной Индии, соединив две кинематографических логики воедино. Законы фильмов Болливуда нужны Бойлу, чтобы потянуть их за нитки и использовать в построении своей, сугубо уникальной истории, где мальчик и девочка обязательно сойдутся, а самые упрямые и смекалистые добьются успеха. Уникальный случай, когда эстетика Болливуда из низкой переквалифицировалась в более-менее высокую. Разбор https://avatars.mds.yandex.net/get-zen_doc/3985649/pub_5f6a1fb4f52b7a18815ec5a6_5f6a22143557c51afdf01e9c/scale_1200

Сегодня вспомним ещё одну картину, за 6 лет до «На игле» препарирующую тему наркотиков через срез маргинальной культуры потерянного поколения. Это «Аптечный ковбой» Гаса Ван Сента, вероятно, самый остроумный, но и безжалостный (хотя казалось бы, после «Дурной ночи» куда уж безжалостней) фильм его раннего периода, открывший миру Мэтта Диллона, сыгравшего Боба, главаря банды торчков, как раз одного из таких «аптечных ковбоев» (так называли тех, кто в поисках кайфа грабил аптеки). Здесь наркотическая зависимость тоже дана как следствие неспособности ответить на вопрос – «Что мне делать со своей жизнью?». Зачем ты употребляешь наркотики? Боб вам ответит: «За тем, чтобы спастись от ежедневного завязывания шнурков на ботинках». Каждая их новая вылазка – от ограбления к новому наркотическому запою – постепенно приобретает черты таинственного мистического ритуала: Боб, осознавая, что любой его следующий шаг может стать последним, топит ощущения тревоги и безысходности во всевозможных суеверных ритуалах, в конце концов предрекая для себя закономерный финал. Причём если у Бойла по форме получился практически манифест, то Ван Сент даёт социальный срез постхиппозного общества начала 70-х – в тот период, когда надежда ушла, оставив за собой длинный наркотический след и извратив понятие личной (не)свободы. Позже режиссёр не раз вернётся к этой теме, закрепившись с «Моим личным штатом Айдахо» и «Умереть во имя» в качестве одного из ведущих независимых авторов 90-х. Разбор https://funart.pro/uploads/posts/2021-01/1610117356_19-p-aptechnii-kovboi-film-76.jpg

Вспомним ещё несколько летних фильмов – но уже те, в которых жара становилась для героев невыносимой. «Жар тела». Блестящий неонуар, дебют в режиссуре Лоуренса Кэздана, который впоследствии так и не снял ничего и близко сопоставимого по размаху. Здесь все основные приметы жанра – роковой ореол вокруг красотки, мотив противостояния фатума и человека, алчность главных героев, – фактически застыли в одном шаге от гротеска: это такая «Двойная страховка» 80-х, но с уклоном в эротический триллер, и с атмосферой, заставляющей кожей прочувствовать раскалённый воздух Флориды. Также здесь сыграла свою первую (и, пожалуй, лучшую) роль неподражаемая Кэтлин Тёрнер. «Делай, как надо». Один из сильнейших фильмов в карьере Спайка Ли, в котором аномальная жара словно вытапливает из людей зверя – и маленькая пиццерия постепенно превращается в трибуну для обсуждения больного для режиссёра афроамериканского дискурса. Причём главное достоинство фильма состоит в том, что за весь просмотр ни разу не возникает ощущения, будто режиссёр ведёт со зрителем дискуссию, взобравшись на табуретку – и если и говорить о социальном неравенстве в Америке, то желательно в подобном формате. «Ветчина, ветчина». Хлёсткая пародия на мексиканские мыльные мелодрамы – причём эмоциональный градус здесь выдержан такой, что наиболее чувствительные зрители рискуют закончить просмотр с парой-тройкой душевных ожогов. Также нельзя не упомянуть дуэт молодых Бардема и Крус – химия между этими двумя уже тогда была настолько мощной, что на их фоне в фильме попросту никого не замечаешь. «Поворот». Один из последних по-настоящему достойных фильмов Оливера Стоуна – ещё один постнуар, который в год выхода за каким-то чёртом номинировали на «Золотую малину» за худшую режиссуру. А уж что что, но режиссура здесь мастерская – есть и ирония над жанром, и подлинный трагизм (с на удивление эффектным дуэтом Шона Пенна и Дженнифер Лопес), и настолько плотный аудиовизуальный фон, что зрительские рубашки начинают липнуть к спине так, словно мы плутаем по этому захолустному городку вместе с героем. ЧтоПосмотреть https://2.bp.blogspot.com/-LSzP4dZGTm0/WLO-xq-I2OI/AAAAAAAAKdk/QXCyhHfSEQQCfSwNBcoDdxCUF6h_peQEgCPcB/s1600/u-turn.jpg

На следующей неделе в прокат выйдет отреставрированная версия «Основного инстинкта» Пола Верхувена. На фоне главного голливудского триллера 90-х вспомним самые будоражащие картины мастера, снятые в Америке: «Звездный десант» – злобная сатира голландца на американский милитаризм и ура-патриотические тенденции. Запредельная жестокость здесь уживается с чёрным юмором, а вся эта военная церемония и спартанские идеалы десантников – борцов с арахнидами и жуками, напоминают худшие изводы тоталитарных режимов ХХ века, о которых метафорически рассказал Верхувен. Странно сегодня даже и думать, что фильм в 1997 приняли с опаской, довольно холодно и он вообще умудрился провалиться в прокате. «Невидимка» – вольная адаптация романа Герберта Уэллса, который Верхувен превратил в двухчасовой сеанс вуайеризма. Вместо травмированного горе-учёного, трагически обреченного быть невидимым – воспользовавшийся своим преимуществом убийца, который преследует своих коллег и постепенно сходит с ума. Верхувен признавал, что это его не лучший фильм. Но даже заход на территорию слэшера не ущемил мастера в его фирменном стиле и сенсационной тематике. «Робокоп» – супергеройская история о новом Христе – распятом бандитами и воскресшем в облике робота. Не только боевик (хотя, конечно, Верхувен до сих пор остается непревзойденным бруталом и мастером экспрессивных экшн-сцен), но и остроумная сатира – о том, как звереет капитализм в руках могущественных корпораций, создающих машины уничтожения. Жестокий фильм во всех смыслах – в аккурат режиссёрскому методу Верхувена, главному социальному критику в большом кинематографе 80-90-х. ЧтоПосмотреть https://avatars.mds.yandex.net/get-kinopoisk-post-img/1345014/01786847449729047f7401dffbe9c982/960x540

Вспомним несколько знаковых эротических триллеров - как никак скоро состоится ре-релиз «Основного инстинкта»: «Связь». Полнометражный дебют на тот момент ещё братьев Вачовски, и по сей день их лучшее кино после «Матрицы»: история убийственной страсти между двумя лесбиянками (блестящий дуэт Джины Гершон и Дженнифер Тилли), задумавших нагреть мафию на преступные миллионы. Великолепный сценарий, отличные актёры и очень выразительный визуальный департамент – словом, с эстетикой нуара ребята обращались не менее ловко, чем с фантастикой. «Дикость». Провалившийся в год выхода, но со временем заработавший культовый статус триллер с самыми красивыми голливудскими звёздами конца 90-х и дюжиной твистов – в какой-то момент режиссёр начинает откровенно издеваться над канонами жанра, вместе с этим мастерски поддерживая напряжение, как через эксплуатацию физической фактуры (кто забудет сцену с Дениз Ричардс и Нив Кэмпбелл в бассейне?), так и эффектные развороты сюжета. Хороший пример неустаревающего «пятничного» кино. «Иствикские ведьмы». Это, вероятно, самый невинный фильм из всей подборки – хотя и здесь хватает эротического напряжения: это как бы мистика, но с историей о том, как дьявол (великолепный Николсон) попытался подчинить волю трёх домохозяек. К тому же Миллер в очень нахальной манере прост... ханжеские нравы одноэтажной Америки, одновременно обострив и углубив конфликт. «Последнее соблазнение». Размеренный неонуар, в котором центральная роль отведена роковой красотке – именно вокруг героини Линды Фиорентино вертятся основные страсти сюжета, и надо сказать, что актриса сыграла одну из самых безжалостных злодеек данного жанра. Это где-то чрезмерно циничное (кое-где даже отталкивающее), депрессивное кино стоит посмотреть хотя бы из-за её игры. ЧтоПосмотреть http://i.mycdn.me/image?id=877972052601&t=50&plc=WEB&tkn=*QxBgirKaykfsZ2wyUSLtB-S88TA&fn=external_8

Кинематограф вдохновляет кинематограф, его же вдохновляет литература, музыка, история и жизнь. Но давайте вспомним фильмы, которые появились на свет благодаря самым неожиданным инсайтам — от коллекционных карточек до смайликов в чатах. «Марс атакует!» — персональная попытка Тима Бёртона приблизиться к эстетике Эда Вуда, сделать свой «План 9 из открытого космоса». Летающие тарелки, кричащие от своей нарочитой дешевизны, компьютерные марсиане от студии ILM — самые грозные захватчики планеты, которые устраивают бойню в пустыне и уничтожают половину Конгресса. Забавно, что этот фильм — дань наивной фантастике 50-х, родился из коллекционных карточек, которыми заинтересовались в Warner Bros. и выкупили права на их экранизацию. «Эмоджи» — мультфильм Тони Леондиса, вдохновлённый текстовыми сообщениями в чате. Смайлы — объекты, поддавшиеся типичному для анимации одушевлению. И главный герой — эмоджи по имени Джин, живущий в цифровом городе, отправляется навстречу приключениям, пытаясь найти себя. Об этом причудливом мультфильме, пусть и не лишенном изобретательности (хотя бы в плане концепта на бумаге), стараются не вспоминать вообще — пару лет назад его, кажется, разгромили решительно все. «Пираты Карибского моря: Проклятие Чёрной жемчужины» — о пиратах в поп-культуре, вероятно, не говорили бы вообще, не появись фильм Гора Вербински. До того как вышел фильм, о флибустерах забыли все, начиная от крупных голливудских студий и заканчивая подростками. Но аттракцион из Disneyland, всегда пользовавшийся спросом, заложил первый камень в фундамент франшизы. Сегодня даже и трудно представить, что такая долгоиграющая морская оперетта появилась благодаря тематическому аттракциону в парке, который оживил поп-культурное существование пиратов. https://avatars.mds.yandex.net/get-zen_doc/237236/pub_5c37ac3a67712a00abd7a148_5c37ae0bfa137100aab51b52/scale_1200

Уже в этот четверг выходит «Отряд самоубийц» – перезапуск, который понравился критикам (и уж наверняка понравится зрителям) сильно больше предыдущего фильма. Вспомним несколько ремейков, которые получились гораздо круче оригиналов. «Муха». Пожалуй, самый показательный пример из всех – если оригинальный фильм (неглупая и по возможности изящно снятая, но всё же изрядно устаревшая фантастика) слегка напрягает, то фильм Кроненберга уже пугает всерьёз. Это не говоря о том, что через него режиссёр транслирует магистральный тезис своего творчества, что это кино высокой визуальной культуры (подчеркнём – особенно в области грима) и что Кроненберг не столько переосмысляет, сколько развивает и дополняет идеи ленты 58 года – уже немалое достижение. «Нечто». Да, это тоже ремейк! Оригинал снимали Хоукс (тот самый) с Кристианом Найби, и у них, в сущности, получился излишне декоративный, а местами и вызывающий комический эффект ужастик – то ли дело подчёркнуто суровый, умный, атмосферный и напряжённый хоррор Джона Карпентера, и по сей день крепко сжимающий руки (клешни?) на зрительском горле. Кому мало – могут ознакомиться с продолжением 2011 года с Мэри Элизабет Уинстед в главной роли; местами у них действительно получилось очень недурно. «Мыс страха». Для разнообразия вспомним две картины, мало в чём друг другу уступающие. Версия 1962 года, с Митчемом и Грегори Пеком, тоньше сыграна и написана, и в ней гораздо острее чувствуется психологическое противостояние характеров; версия 1991 года, с Де Ниро и Нолти и за режиссурой Скорсезе – это уже более китчевое, остроумное и сексуальное кино, где поединок двух сильных мужчин постепенно уходит в телесную плоскость. Редчайший случай, когда от двух фильмов с одним сюжетом получаешь настолько разные (но в любом случае положительные) впечатления. ЧтоПосмотреть https://www.film.ru/sites/default/files/images/1010-03.jpg

Раз уж Жан-Люк Годар придумал свой, совершенно оригинальный и стильный образ Парижа, сделав его полноценным героем «На последнем дыхании», то мы вспомним ещё несколько фильмов, в котором Париж раскрывается с разных сторон: «Амели» – яркая, богатая красками фантазия Жёне о самом романтическом городе мира, где живёт одинокая работница кафе «Две мельницы» (впоследствии место превратилось в своеобразную Мекку для синефилов). Париж здесь намеренно поэтизирован – город утопает в желто-зеленых тонах, а узкие улочки так фактурны, что впору сравнивать с импрессионистскими работами художников. Такой ненастоящий и искусственный, но неизменно очаровывающий – вот что такое сказка в условиях современного города. «Необратимость» – маргинальная прогулка Ноэ на самый край ночи. Париж в оптике режиссёра-провокатора словно соединился с концентрическими кругами дантевского ада –– здесь царит разврат, убийства и низменные животные страсти, которые и отправляют героя Касселя в отчаянное путешествие по ночным клубам. После такого травелога, пожалуй, любая пульсация стробоскоба вызовет нервную реакцию, а спуск в поземный переход –– настоящую панику. «Полночь в Париже» –– ретромания Вуди Аллена, продолжающая его ностальгию по «золотому веку». Оуэн Уиллсон гуляет по вечернему Парижу и скучает о великом прошлом –– о легендарном Монмартре начала ХХ века, собравший в одной точке Дали, Хемингуэя и Фицджеральда. Нельзя не изумиться этому панегирику французской столице, которую Аллен снял с предельной нежностью и любовью. «Любовники с Нового моста» –– Париж в оптике Леоса Каракса, скорее, напоминает бандитскую Россию 90-х. Мрачная фактура с развалившимися мостами и улицами, неблагополучные районы, а также приёмник для люмпенов, который навевает ассоциации с концентрационным лагерем. И в то же время –– это тонкая поэтическая фантазия, где Каракс показывает большой город накануне 200-летия Французской Революции: здесь взрываются фейерверки, а герои-бомжи, изрядно подвыпив, обхаживают известный мост Пон-Нёф. ЧтоПосмотреть https://www.vokrug.tv/pic/product/b/4/b/9/b4b9d7f16877d4f2a82596e81f15fd6e.jpeg

К ре-релизу «Острова проклятых» вспомним другие экранные адаптации Денниса Лихейна: «Таинственная река». Один из лучших фильмов Клинта Иствуда в новом столетии, и, пожалуй, до сих пор самая выразительная экранизация писательских талантов Лихейна – формально это как бы детектив с запутанным расследованием убийства, но чем глубже режиссёр утягивает героев на дно, тем более жёсткой, собранной, умной и дьявольски страшной становится эта картина. Иствуд всегда любил копаться в психологии американского менталитета, но именно здесь обязательный социальный подтекст ложится в фундамент современной античной трагедии – помимо всего прочего, здесь сыграли одни из своих лучших ролей Шон Пенн и Тим Роббинс (получив именно за «Реку» по «Оскару» на нос). «Прощай, детка, прощай». Режиссёрский дебют Бена Аффлека, и сразу большой успех – это тоже как бы детектив, но интрига довольно быстро тонет в бытовых мелочах, в фактуре глубинного разложения американской глубинки, с её похищенными детьми и матерями-алкоголичками, прокуренными кабаками и грязными наркопритонами. Герой Кейси Аффлека (вот уж где оба брата оказались на своём месте) в своих усилиях отыскать пропавшую девочку находит для себя лишь осознание зыбкости, абстрактности понятия истины; пожалуй, что это до сих пор самый мрачный из всех фильмов Бена – забавно, что и впервые провалится он на всё том же материале Лихейна («Закон ночи»). «Общак». Ещё один режиссёрский дебют на основе романа Лихейна – криминальная драма (для триллера здесь всё-таки маловато саспенса) бельгийца Михаэля Р. Роскама, замешенная на тёрках между молчаливым барменом (Харди), его боссом (последняя роль Гандольфини), чеченской мафией и ещё несколькими бруклинскими отморозками. Очень быстро, впрочем, это, казалось бы, бесхитростное упражнение в жанре трансформируется в библейскую притчу об искуплении и воздании – фокус в том, как Роскам в излишне анемичной, быть может, манере сбивает с неё пафос, неожиданно умело расставляя звериные акценты и крайне элегантно обходясь с кинематографическим ритмом. ЧтоПосмотреть https://images.kinorium.com/movie/shot/257725/w1500_49069557.jpg

Вспомним ещё один нетрадиционный мюзикл – «Суини Тодд, демон-парикмахер с Флит-стрит». Его в год выхода приняли пусть и благожелательно, но без восторгов – мол, Бёртон сдулся, стал равен самому себе, от него осталась лишь форма, подменяющая содержание. Однако сейчас стало понятно, что это последний большой фильм постановщика – большой именно в смысле кинематографического стиля, концепта, целостности: сразу после него он выдал чудовищную «Алису в стране чудес» и так не смог реабилитироваться в творческом плане. В «Суини» же собрались все те компоненты, за который Бёртона полюбил зритель – бархатная готическая эстетика кадра, плавно перетекающие друг в друга жанры хоррора, фэнтези (а в этот компьютерный Лондон поверить не проще, чем в россказни героя Альберта Финни из «Крупной рыбы») и социальной сатиры (в данном случае сюда прямиком из пьесы перебрались ленивые пинки городскому истеблишменту), его любимый актёр Джонни Депп и супруга Хелена Бонем Картер. При этом именно относительно работы с ритмом и атмосферой кино выстроено безупречно – и пусть Бёртон именно здесь превращается в бренд, после просмотра из кресла встаёшь даже слегка перенасытившимся: вот пироги из человечины, вот мерзкая ухмылка Тимоти Сполла, вот Депп небрежным движением пускает фонтаны компьютерной крови, вот Рикман и Бонем Картер старательно тянут свои блестяще написанные куплеты (а эти двое – безусловно, главный аттракцион этой картины). В 2007 году казалось, что для гения такого калибра, как Бёртон (каковым он когда-то являлся) это больше упражнение в мастерстве; а сегодня «Суини Тодд» вспоминается как один из самых ярких и самобытных мюзиклов 21 века. Разбор https://images.kinorium.com/movie/shot/313709/w1500_41589576.jpg

В день рождения Вима Вендерса вспомним несколько выдающихся фильмов мастера. «Алиса в городах». Первый большой шедевр Вендерса – меланхоличное роуд-муви, наследующее и развивающее заветы кинематографа Антониони: здесь также идёт речь об отчуждении человека и человечества, трагедии некоммуникабельности, оторванности от стремительно проносящейся за окном жизни. При этом лента Вендерса, конечно, гораздо нежнее и теплее, чем может показаться на первый взгляд, и стержнем фильма выступают не мрачные урбанистические пейзажи, а странные отношения между Филиппом и Алисой в одном из самых ярких актёрских дуэтов в карьере немецкого постановщика. «Ложное движение». Собственно, название этой картины в полной мере выражает объект исследования автора – мотив бегства от свободы – постепенно складываясь в особую философию эскапистского кинематографа Вендерса. Одиссея главного героя – это, прежде всего, путешествие внутрь надломленной души, глубинная рефлексия через бесконечное движение по кругу (см. мастерски снятый длинный кадр прогулки главного героя над Рейном). Этот же фильм, к слову, запустил карьеру пятнадцатилетней Настасьи Кински. «Париж, Техас». Пожалуй, второй лучший (после «Неба над Берлином») фильм Вендерса – намеренно снятый на стыке американской и европейской школы: взяв за основу не самую оригинальную идею (мы, по сути, два с половиной часа наблюдаем за тем, как человек переживает семейную размолвку), режиссёр сумел подняться над материалом – это и его постмодернистское переосмысление «Одиссеи», и большая экзистенциальная трагедия героя, вновь словно застывшего в движении, и яркий пример единства масштаба формы и содержания (взять хоть кульминационную сцену в кабинке пип-шоу). Именно за «Париж, Техас» Вендерс получил в Каннах «Золотую пальмовую ветвь». ЧтоПосмотреть https://images.kinorium.com/movie/shot/80825/w1500_38150508.jpg

​Но Параджанов — художник мирового уровня. За рубежом, особенно во Франции, знали его фильмы: «Тени забытых предков» (во французском прокате — «Огненные кони») и «Цвет граната». Было понятно, что это не просто фильмы, а рождение нового кинематографического языка. О Параджанове пошли передачи по «вражеским» голосам, появились статьи в зарубежных газетах, прошли акции протеста. На родине он был прочно забыт. Годами позже на одном суде в Тбилиси вежливый, пожилой, с виду интеллигентный судья-грузин, выделив чужеземца из толпы, спросил меня: «Кто вы такой? Откуда? Фотограф из Москвы? Зачем? Почему вы здесь?» — «Ну, знаете, все-таки Параджанов — режиссер». — «С чего вы решили, что он режиссер?!» Как карп, вытащенный из воды, я стал разевать рот, глотая воздух от возмущения, не в силах выговорить ни слова. «Ничего не доказывай, — повернувшись ко мне, сказал Параджанов. — Пусть он думает, что я хашник». В его колоритной фигуре не было никакого лоска: заношенный кожаный черный пиджак, мятая рубаха, простые штаны, весь какой-то неухоженный, отекший, толстый, с всклокоченной шевелюрой и седой лохматой бородой, бегло, с прибаутками, с юмором говорящий по-русски и по-грузински, он действительно производил странное впечатление: манерой держаться, жестикуляцией, стремлением даже здесь, в суде, ерничать, актерствовать и режиссировать процесс. Виктор Баженов и Сергей Параджанов: встречи https://telegra.ph/file/03d5b72f40093d4bc94b9.jpg

Продолжим разбирать «Носферату» и вспомним об его ремейке – настолько удачном, что некоторые ценят его даже выше оригинала. Речь о фильме «Носферату»: Призрак ночи» за авторством Вернера Херцога. Разумеется, он отдавал дань уважения шедевру Фридриха Вильгельма Мурнау, но и с успехом развивал магистральный тезис своего творчества – конфликт природы и цивилизации, стихии и человека. Носферату здесь – уже не абсолютное зло, а трагическая фигура, вампир, подыхающий от жажды в подчёркнуто выцветшем, истлевающем мире. То есть даже в линии с Люси (в как обычно блистательном исполнении Изабель Аджани, освоившей курс техники немецкого экспрессионизма) между ней и графом возникает подлинное эротическое напряжение; в сцене, где Носферату наконец припадает к её шее, раскрывается мотив освобождения, избавления – Носферату с первыми лучами солнца прерывает агонию собственно существования, Люси же избавляется от терзающего её ночного кошмара. Вообще, на аудиовизуальном уровне, «Призрак ночи» снят как чей-то двухчасовой ночной кошмар – так Херцог на примере нравственного разложения человечества выстраивает эпическую апокалиптическую фреску. Отсюда и кадры пира во время чумы, и эпизоды с заполонившими город крысами, и финальный образ с несущем смерть всему живому вампиром. Потому что живого, по Херцогу, уже ничего не осталось. Вероятно, это одно из самых страшных и гнетущих высказываний в карьере постановщика – Фридрих Вильгельм Мурнау мог бы гордиться. Носферату https://images.kinorium.com/movie/shot/73559/w1500_12957.jpg

Продолжим разбирать «Носферату» и вспомним об его ремейке – настолько удачном, что некоторые ценят его даже выше оригинала. Речь о фильме «Носферату»: Призрак ночи» за авторством Вернера Херцога. Разумеется, он отдавал дань уважения шедевру Фридриха Вильгельма Мурнау, но и с успехом развивал магистральный тезис своего творчества – конфликт природы и цивилизации, стихии и человека. Носферату здесь – уже не абсолютное зло, а трагическая фигура, вампир, подыхающий от жажды в подчёркнуто выцветшем, истлевающем мире. То есть даже в линии с Люси (в как обычно блистательном исполнении Изабель Аджани, освоившей курс техники немецкого экспрессионизма) между ней и графом возникает подлинное эротическое напряжение; в сцене, где Носферату наконец припадает к её шее, раскрывается мотив освобождения, избавления – Носферату с первыми лучами солнца прерывает агонию собственно существования, Люси же избавляется от терзающего её ночного кошмара. Вообще, на аудиовизуальном уровне, «Призрак ночи» снят как чей-то двухчасовой ночной кошмар – так Херцог на примере нравственного разложения человечества выстраивает эпическую апокалиптическую фреску. Отсюда и кадры пира во время чумы, и эпизоды с заполонившими город крысами, и финальный образ с несущем смерть всему живому вампиром. Потому что живого, по Херцогу, уже ничего не осталось. Вероятно, это одно из самых страшных и гнетущих высказываний в карьере постановщика – Фридрих Вильгельм Мурнау мог бы гордиться. Носферату https://images.kinorium.com/movie/shot/73559/w1500_12957.jpg

​Публикация, посвященная Павлу Клушанцеву, собрала множество положительных реакций, поэтому по многочисленным просьбам сегодня мы вспомним настоящего новатора, талантливого и достаточно скандального первого русского режиссера Василия Гончарова, слава которого несправедливо стерлась из памяти зрителей, но сумевшего открыть новую эпоху в истории русского кинематографа и поставить свыше 30 художественных фильмов за свою короткую карьеру. Для начала стоит кратко рассказать путь Василия Михайловича (упуская множество моментов), который приведет его к постановке первого в России полнометражного фильма «Оборона Севастополя». Большую часть жизни Гончаров прослужил чиновником на железной дороге, вместе с тем увлекался театром и в свободное время писал очерки и пьесы, которые не допускали к постановкам из-за цензуры. Но после переезда в Москву у него все-таки выходит протолкнуть свою пьесу «Понизовая вольница» в театральную постановку, а с помощью Александра Дранкова в результате появляется еще и кинотеатральная версия, вышедшая на экраны 15 октября 1908 года и получившая огромный успех у зрителей, но обладающая множеством недочетов и изъянов, в которых Гончаров обвинил Дранкова и, рассорившись с ним он начинает сотрудничество с Паулем Тиманом, в результате которого выйдет не совсем удачный режиссерский дебют «Смерть Иоанна Грозного» (1909), впоследствии их совместная деятельность закончится. Однако через некоторое время Василий Михайлович в подходящий момент предложит свои услуги в качестве режиссера московскому кинопредпринимателю Александру Ханжонкову, которому надоело заниматься простым показом зарубежных фильмов, а хотелось погрузиться в собственное производство кинокартин. У Гончарова был тяжелый характер, поэтому отношения между ним и Ханжонковым были постоянно напряжены, вследствие чего и произошел разрыв между двумя кинодеятелями, а все из-за того, что Ханжонков предложил актеру Петру Чардынину экранизировать «Власть тьмы», расценив данную ситуацию как оскорбление, Василий Михайлович ушел в другую, конкурирующую с Ханжонковым, фирму братьев Патэ. Но и там он проработал недолго, как и в следующей заграничной компании — «Гомон». Спустя некоторое время Гончарова захватила идея постановки масштабного исторического полотна «Оборона Севастополя», посвященного событиям Крымской войны (1853—1856), из-за чего он снова возвращается к Александру Ханжонкову со своим предложением, но тот отказывается от такой авантюры, но после царской аудиенции и полного содействия властей Ханжонков осознал огромную ответственность, возложенную на них, и начал стремительную подготовку к съемкам. Уже с конца мая 1911 года съемочная группа прибыла в Севастополь, где и стартовали съемки. Все батальные сцены были воссозданы с помощью воинских частей, поступивших в распоряжение режиссера, из-за чего работа выглядит действительно масштабно и убедительно. Особенно этот эффект усиливался при съемках памятников и ветеранов этой войны (прикладываю сюда отрывок отреставрированной 4K-версии), специально приглашенных по случаю съемок фильма уже глубокими стариками, дожившими до 1911 года. В этом же году в Ливадийском дворце для царской семьи Романовых состоялся премьерный показ полнометражного фильма «Оборона Севастополя», в ходе которого картина получила право официальной демонстрации в России. Работа пользовалась большим успехом и стала наивысшим художественным достижением Гончарова, хотя в фильме сразу было замечено множество погрешностей и изъянов из-за чего Николай II по разным причинам будет вспоминать это полотно. Последние дни своей жизни Гончаров находился на административной работе у Ханжонкова, уступив место молодым кинодеятелям. В дальнейших планах Василия Михайловича была постановка повести Николая Карамзина «Бедная Лиза», но внезапная смерть 23 августа 1915 года прервала его очередное начинание. Данную заметку хотелось бы посвятить двум датам: годовщине смерти Василия Гончарова и дню российского кино, который традиционно празднуется 27 августа. Очень буду рад проявленному интересу к данной рубрике и рассчитываю продолжать ее в дальнейшем. https://telegra.ph/file/bc0b693afd2ebf77d4ac5.jpg

​​(продолжение, начало в предыдущем посте) Светские обеды в карательном отряде, в горах, на передовой борьбы с партизанами, которые подрывают поезда, а машинки с высокопоставленными чиновниками-фашистами без охраны пропускают туда и выпускают беспрепятственно обратно. Наверное, рано ложатся спать. Партизаны. Или гранаты кончились. Это твёрдая реальность гражданской войны? Это детский лепет. Утверждается, что очень тщательно создавались декорации, костюмы, бутафория – а бутафорскими вышли партизаны. Да и декорации. Побег принцессы происходит на фоне явного картона и поролона. Лабиринт – один вход и два поворота. Вспомним, лабиринт злодей преодолевает за одну минут. Офицер кричит в лес партизанам, я мол вас, трусы, доберусь. Партизаны по своему обыкновению прячутся тут недалеко (согласно другим эпизодам) и не отвечают хамской фашистской роже, потому что выше этого. В «По ком звонит колокол» есть похожий эпизод, более трагический, более реалистичный. Там подобный крикун поддаётся на уловку и его убивают. Вообще, после прочтения Хэмингуэя (а у меня так случилось) «реалистическая» часть «Фавна» выглядит не убедительно. Зло в виде испанского фашиста мало чем отличается от зла в виде белого шовиниста из «Формы воды». То есть, понятно, наоборот. В фильме Торо выступает как истинно американский, в худшем смысле, режиссёр, каковым по сути и является. Он вольно обращается с мифом, историей (Союзники высадились в Нормандии – надо понимать центральный эпизод Второй мировой, как по-американски, притом, что гражданская война закончилась в 39-м, пять лет назад), со всем, чем угодно, с фактами, со здравым смыслом, с чужими и своими культурными ценностями. Клеймо Голливуда на всём: на манере, на чувстве, на мысли, на мировоззрении, на эстетике. Низведение до уровня массы, опрощение, опошление. Торо, безусловно, один из самых техничных, изобретательных, болезненно чувствующих, изощрённо восприимчивых авторов Голливуда. Скрупулёзность, тщательность, внимание к внешней, декоративной стороне сочетается у него с инфантилизмом и не пережитой болезненной детской жестокостью. Такое чувство, что на экране он получает право высвободить тайное детское вожделение. И потому для «правильного» положительного восприятия фильма требуется нечто подобное. Помните, в «Теории большого взрыва» Пени первый раз приходит в магазин комиксов и разговаривает с его владельцем, Стюартом. Пени. Что бы ты порекомендовал в подарок 13-му мальчику. Стюарт. 13-ю девочку. Но если ты хочешь комикс, возьми вот этот. Пени. Хэллблейзер? О чём он? Стюарт. О морально ущербном самоуверенном человеке, который курит, у которого рак лёгких и которого терзают духи мертвецов. Пени. Ну если это не позволит мне стать любимой тётушкой, то я не знаю, что позволит. Ничего личного, просто цитата. Я люблю гиков, ботанов и всю эту публику. Я считаю, что это лучшие люди из возможных, но в условиях нашего социума, где не любят слишком умных, у них заводится много тараканов в голове. Торо, по духу его тараканов, где-то рядом. И всё распрекрасно, пока он снимает «хеллбоев» и «океанические рубежи», но когда он с тем же набором представлений о творчестве и мире берётся за гражданскую войну и фашистов, то выходит странно. Если у тебя трагическая реальность, а не фантазия, то ты хотел что-то сказать? У тебя была новая мысль, ты разглядел что-то, чего раньше никто не замечал? А не просто воспользовался фильмом, как возможностью удовлетворить свою страсть к изобретению монстров? Вывод. Торо нужно в современное искусство, заняться видеоартом и прочим перформансом. Вопросов будет гораздо меньше. Вопросов вообще не будет. Оценка: 5/12. https://telegra.ph/file/e684567ff194ad19e342e.jpg

Пока в кинотеатрах показывают культовый «Побег из Нью-Йорка» Джона Карпентера, вспомним несколько фильмов мастера, о которых говорят не так часто, как о «Нечто» и «Хэллоуине»: «Туман» – ещё одно удачное упражнение Карпентера в жанре хоррора, где призраки пробираются сквозь туман, чтобы отомстить приморскому городку. Образец стиля – очередное доказательство как сотрудничество с оператором Дином Канди сформировало визуальную эстетику хорроров Карпентера: с широкоформатным изображением на Panavision, буйством цветов и леденящей атмосферой ночи. «Кристина» – выражение любви Карпентера (и Стивена Кинга, поскольку фильм поставлен по роману классика книжных ужасов) к молодёжной культуре 50-х. Ретромобили, заносчивые подростки, романтика с поцелуями на фоне американского драйв-ина – «Кристина» выглядит как «Американское граффити» для тех, кому в жизни необходим адреналин. К слову, энергичный синтезаторный ряд, написанный Карпентером, из самых любимых у автора. «Вампиры». Пусть Карпентера считают плоть от плоти режиссёром 80-ых (на это десятилетие пришлись его главные фильмы), однако и в 90-ые годы мэтр не потерял хватку, взявшись за вампирский хоррор. Его фильм с Джеймсом Вудсом в роли истребителя вампиров – дичайшая смесь христианского хоррора с вестерном, где бравый мачизм времён Джона Уэйна и Клинта Иствуда сочетается с кровопролитием и мрачными прог-роковыми партитурами. Стильное и до невозможности брутальное кино. ЧтоПосмотреть https://www.film.ru/sites/default/files/styles/thumb_1024x450/public/movies/frames/fog-1980-02.jpg

В связи с выходом «Легенды о Зелёном Рыцаре» вспомним ещё несколько интересных переосмыслений рыцарского жанра. «Ланселот Озёрный». Для тех, кто знаком с творчеством Брессона, не станет большим сюрпризом его взгляд на классический конфликт рыцарей круглого стола. Он воплотил историю в точности со своими представлениями о работе с драматургическим материалом – которая заключается в абсолютной бесстрастности актёрского исполнения, – прежде всего сосредоточившись на мотиве грехопадения, материи абсолютного распада, тотального краха. Безусловно, это самый жестокий, во многом непростой для восприятия фильм с данными персонажами и на данную тему. «Маркета Лазарова». Эпическое полотно Франтишека Влачила, которое регулярно всплывает во всевозможных списках как лучший фильм в истории чешского кинематографа. Здесь и рыцари, и разбойники, и апологеты ортодоксального христианства представлены в одном свете – как живые, уязвимые, подверженные простым человеческим порокам люди. Это страшное, буквально вдавливающее своей агрессивной энергетикой кино, которое можно смотреть и как традиционный роман воспитания (а мы видим события от лица юной девушки Маркеты, дочери Лазаря), и как срез безжалостной средневековой культуры. «Монти Пайтон и Священный Грааль». Без преувеличения, главная пародия на рыцарский жанр – нахальное, изобретательное кино с гэгами, вссе полтора часа лупящими в цель без единой осечки. И бесполезно, например, пересказывать эпизод с расчленённым рыцаря – это нужно видеть своим глазами. У творческого коллектива «Монти Пайтона» было много достижений, но не даром самым прославенным из них был и остаётся «Священный Грааль». ЧтоПосмотреть https://prod-images.tcm.com/v5cache/TCM/Images/Dynamic/i454/marketalazarova1967_558852_1024x768_10112017034810.jpg

Гладиатор (2000) Совсем не хотелось критиковать, в смысле ругать и выявлять недостатки, потому что Ридли Скотт и «Чужой» – это святое, классика жанра, а Рассел Кроу и «Игры разума» тоже очень хорошо. Честно, брался, понимая, что блокбастер, что глянцевая история. Ну и что, сказал я себе, развлечения ведь тоже бывают качественные, как тот же «Чужой». Пересмотрел. Н-да, развлечения бывают разные. Сразу оговорюсь, фильм продюсерский, Скотт и Кроу, а также весь актёрский состав ни в чём не виноваты. Что дали сыграть, поставить, то поставили и сыграли. Возможностей было мало. О сценарии я уже говорил, дерьмо сценарий, а большие деньги и есть большие деньги – тоже зло. Поначалу, пока бой в лесу ещё не начался, было на что посмотреть. Костюмы, строй, катапульты и всякое такое, хорошо, пусть и грешит мелкими неточностями. Но вот начинается бой, производится... «артподготовка». Ну, извините, чушь собачья, не было этого и, как вы уже поняли по изображению из предыдущего поста, совершенно неоправданный германский «Вьетнам» второго века н. э. Подтверждая это, римляне на вечеринке после сражения ведут себя, как американские вояки. Далее император, знаменитый Марк Аврелий. Мужик, видать, был умный, но, как хотите, не был он рефлексирующим интеллигентом современного толка, каким показан. Да и мозги мозгами, а нравы нравами. Доверчивый рефлексирующий император не удержался бы у власти, если бы вёл себя так. Кто же в здравом римском уме сообщает тет-а-тет наследнику, жаждущему власти, что мол фиг тебе с маслом, а не бразды правления! Тем более, что и не было этого. Сын был соправителем Марка Аврелия последние девять лет жизни отца. Старик мирно скончался в своей постели в семейном кругу, как было не принято у тогдашних императоров, вспомним знаменитое «И ты, Брут». Вообще, стоит ли говорить, что фильм не исторический, а по мотивам, так сказать, всемирной истории. Вольное переложение. Да Древний Рим был, были, говорят, гладиаторы и Марк Аврелий – а вот остальное надо проверять. Ничего удивительного, что один консультант-историк сбежал со съёмочной площадки, а другой попросил не упоминать его имя всуе... простите, в титрах. С другой стороны, и чёрт бы с ней, с историей, тем более, что пишут её как попало, здесь зрелище, приключения номинально исторических персонажей, историческая фантастика на потребу публики. Или вот диалоги. Что ни диалог, то пафос и несуразица. Взять первый разговор Марка Аврелия с женералем Максимусом. Рим, мол мечта, вот и воюем. Да восставали ранее покорённые германцы, мзду платить не хотели, вот их и усмиряли. Мечтатели римляне! Ничего глупее не слышал. Мечтатели только одну страну создали, которой уже нет. Туман, тень на плетень, о, республика, чушь, пафос не к месту, лишь бы сказать что-нибудь этакое – в общем сценаристов на арену. Римляне не страдали современной моралью. Я уже сказал куда сценаристов? Да, сказал. – Многое меняется. – Многое, но не всё. – Тебе не трудно исполнять свои обязанности, Цицерон? – Иногда я делаю, что хочу, остальное время, что обязан. И в таком роде. Далее, по сюжету. Героя хватают, герой бежит. Смерть родных, рабство, арена. И вот герой прибывает в Рим. Надо полагать, на каком-то летательном аппарате, сквозь-через облака, как небезызвестный персонаж в Нюрнберг, в 1934 году, на съезд небезызвестной партии. А чтобы сомнений не оставалось, что не случайное совпадение, нам показывают орла, в точности того самого, что красовался на заставке «Триумфа воли»... Вспомнился эпизод из «Взвода». Там в концовке прибывает подкрепление. Пересмотрите, на американском демократическом бронетранспортёре развивается флаг – со свастикой. Интересно, правда? И объясняет нежную любовь госдепа США и демократической партии (во всяком случае отсутствие ненависти или брезгливости) в отношении местечковых фашистиков из соседней нам страны. И, кстати, в связи с кадрами Рима из-за облаков – и это спецэффекты, за которые получена премия?! Ребёнок в майнкрафте лучше нашкод... накодит.

9/11 изменил американский кинематограф до неузнаваемости: в большое кино пришла паранойя, мания безопасности, а также супергерои – единственные, кому под силу противостоять глобальному террору. Но мы вспомним первый фильм о 9/11, который вышел, разрушив многие негласные табу на тему – «Потерянный рейс» Пола Гринграсса, где рассказывается история схватки пассажиров рейса 93 с исламскими террористами, направившими борт в сторону Вашингтона. Здесь поражает, в первую очередь, всамделишность происходящего, дерзкий документальный стиль, рассеяность и чувство паники, которое Гринграсс передаёт через дёрганную ручную съёмку. Режиссёр набил руку на документальном материале в «Кровавом воскресенье», дотошно показывая факты североирландской трагедии. Но в «Потерянном рейсе» он вывел режиссуру на ещё более высокий уровень, составив материал из реальных переживаний и даже – реальных авиадиспечеров и пилотов, превращённых в актёров; oни здесь действительно будто бы находятся в обстоятельствах, а не в постановочной реконструкции. Не менее важен здесь темпоритм – как Гринграсс из обычного буднего дня с чинными формальными процедурами в аэропорту, превращает историю в нервозный и клаустрофобный сюжет. И главный драматургический маневр – фильм не оставляет нам никаких надежд, ибо мы знаем судьбу четвертого самолёта, упавшего в Пенсильвании и не оставившего в живых ни одного пассажира. ЧтоПосмотреть https://avatars.mds.yandex.net/get-kino-vod-films-gallery/177294/60ac2af243af5b84497b44bc28004b08/280x178_2

Извиняюсь, вышла накладка. Перезагрузка. Итак, ещё раз: Загадочная история Бенджамина Баттона (2008) Achtung! Внимание! Ядовито! Если вы в восторге от фильма и Д. Финчера, просто не читайте. «Жизнь, не говорите мне о жизни!» Марвин (маниакально-депрессивный робот, «Автостопом по галактике») Унылая история Порочен в творческом плане был уже замысел самого Фицжеральда, жизнь задом наперёд, порочен и в том сатирическом виде, в котором реализован у него. У голливудянина Финчера никакого замысла вообще нет. Взята у Фицжеральда идея жизни задом наперёд и технически средне реализована средствами грима и молодильных программ. Экранное время заполнено банальнейшими, не своими мелодраматическими событиями. Нерво-щипательная история по сути и духу является уныло-слащавой, слезливо-банальной историей умирания, а не жизни. Весь пафос, всё разнообразие человеческой жизни, детские шалости, юношеские мечтания, молодой энтузиазм, зрелость, умудрённость старости, кризисы и взлёты – всё сведено к покорному, рутинному ожиданию смерти. Дом престарелых и сцена, где герой вывозит отца на пристань любоваться закатом, – вот настроение фильма, вот пафос всей жизни героя. Это безнадёжное уныние многими почему-то принимается за глубокомысленную философию жизни. С самого начала включен обратный отсчёт, существование героя приближается к точке схлопывания неумолимо. Над его жизнью висит Дамоклов меч известной даты смерти. К чему пыжиться, и герой ведёт себя как классический смертельно больной раком человек со списком «что я хочу успеть посетить до кончины». Фицжеральд, как писатель добросовестный, это замечает: «Поразительный процесс продолжался. Сомнений не было - теперь он выглядел лет на тридцать. Он ничуть не обрадовался, напротив, ему стало не по себе: он неотвратимо молодел. Прежде у него еще была надежда, что, когда тело его придет в соответствие с его подлинным возрастом, природа исправит ошибку, которую она совершила при его появлении на свет. Он содрогнулся. Будущее представилось ему ужасным, чудовищным». Как это сделано Первая, безнадёжная, задача, которая стояла перед авторами, показать «родился стариком». У Фицжеральда, поскольку сатира, отец, входя в палату для новорождённых видит обычного бородатого старика, у которого ноги свисают из... в чём там лежат младенцы. Поскольку сатира, то вопрос, как полноразмерный взрослый выбрался из материнской утробы (мать в рассказе осталась жива) и всё прочее не играет роли. Не слишком убедительно, но с натяжкой можно принять за отправную точку. Здесь то ли родился маленький Йода (прости Йода), то ли... где-то такой младенец уже был… точно, «Люди в чёрном», роды принимал агент Смит. Вот там точь в точь такой спрутёныш, только обаятельнее, в такси и родился. О том, что наш младенец старик, нам сообщают на словах. Мол артрит. Так же на словах, закадровым голосом, даётся большая часть «философской», сюжетной и психологической информации, будто кто-то просил автора передать на словах, и автор добросовестно передаёт. Очень кинематографический подход, незаурядного, выдающегося литератора... нет, Д. Финчер же режиссёр. По форме данная поделка является не фильмом, а аудиокнигой, иллюстрированной видеорядом. Пустяшных событий много, и автор спешит перебрать их все, будто идёт обратный отсчёт экранного времени, а не только жизни героя. Даже если бы было на что посмотреть, что прочувствовать, над чем задуматься, то беглое перелистывание жизни героя такой возможности не оставило бы. Вся выразительность какая ни есть, всё впечатление от фильма держатся на переборе банальных фактов заурядной жизни. Ни одного интересного персонажа, ни одного захватывающего события, ни красивого кадра. Нет ни мысли, ни чувства, ни вкуса. (ещё не всё, продолжение в следующем посте)

Сейчас все вспоминают триумф группы Nirvana, выпустившей ровно тридцать лет назад легендарный Nevermind - альбом, изменивший ландшафт не только альтернативной, но и всей популярной музыки. В связи с юбилеем мы вспомним «Курт Кобейн: Чёртов монтаж» - документальный фильм о фронтмене группы, рассказывающий о юношестве, музыкальных интересах, а также взаимоотношениях Кобейна с коллегами по сцене, близкими и, в первую очередь, с Кортни Лав. По формату картина напоминает скорее личный дневник, нежели энциклопедию «отца гранжа» — от непоседливого ребёнка до депрессивной звезды, не сумевшей справиться с собственными амбициями, популярностью, а также пагубными пристрастиями. Все это зафиксировано с хроникальной достоверностью, включая множественные видеозаписи и аудиокомментарии (бонусом — очень симпатичные анимированные вставки, визуализирующие рисунки Курта). Режиссёр Бретт Морган не стремится раскрыть подробности оглушительного взлета «Нирваны» (об этом можно прочитать в любой интернет-статье), а скорее создаёт портрет художника в юности — из всех тех атрибутов и событий, ставших непосредственным бэкграундом для Кобейна. Сколько бы слов не сказали о «Нирване» и сколько бы фильмов не вышло, этот, уверяем вас, так и остается наиболее драматичным и тонким анализом жизни и смерти «проклятого поэта эпохи гранжа». ЧтоПосмотреть https://www.kinobusiness.com/upload/iblock/b74/b2b2d8600b6c0308bae3ace9ef7ab345.jpg

«Дюна» Дени Вильнёва подарила один из самых драматичных саундтреков Ханса Циммера за последние годы. Вспомним лучшие саундтреки композитора, которые его всемирно прославили: «Тёмный рыцарь». Нервная и тревожная музыка к второй части супергеройской драмы, по словам Циммера, оказалась одним из самых трудоёмких проектов в его карьере. Сочетание оркестровой и электронной музыки, а также игра смычком по струнам – так рождалась напряжённая, в буквальном смысле царапающая тема к Джокеру. Героические темы, соседствующие с мрачными звучаниями, подчеркивают анархическую атмосферу Готэма. «Пираты Карибского моря: сундук мертвеца». Циммер проделал колоссальную работу, передавая приключенческий дух 18-ого века. Эпические темы, плотно сидящие на батальных сценах, дерзкие и запоминающиеся скрипичные соло, которые раскрывают авантюрные характеры и дополняют сюжет – успех «Пиратов» сегодня кажется невозможным без работы Циммера. «Начало» и «Интерстеллар». Циммер проводит зрителя по лабиринту эмоциональных потрясений Кобба, а также создаёт особенный звуковой ландшафт сновидческого мира. Неспроста его композицию «Time» считают самостоятельным музыкальным шедевром. Не меньшей работой Циммер отличился и в космической опере Нолана – с вдохновенными органными звуками, рождающими почти что религиозный эффект. «Настоящая любовь». Тогда о Циммере ещё не говорили как о гении оркестровой музыки, но опыт с картиной Тони Скотта убеждает в том, что композитору были под силу самые разные музыкальные регистры – в том числе рок-музыка в духе 50-х и 90-х, а также использование синтезаторов и электронных барабанов. «Гладиатор». Неспешная, монументальная как и фильм Ридли Скотта – музыка к эпической истории генерала Максимуса громоподобна и ни с чем не сравнима. Циммер сочинил довольно простую, но завораживающую тему, будь то песня «Elysium» или не менее выразительная «Honor Him». Свой потенциал он также раскрыл в массивных партитурах, сопровождающих боевые действия. «Шерлок Холмс». Циммер заметным образом преобразил представление о викторианском Лондоне, насытив картину Ричи резкими и быстрыми исполнениями на электроскрипке. Хаотический рисунок фильма дополняется звуками цыганских скрипок, банджо и расстроенного пианино – один из самых занятных экспериментов Циммера, отказавшегося от привычной оркестровки. «Король лев». Оглушительный результат творческой синергии Ханса Циммера и Элтона Джона. Традиционное для диснеевских мультфильмов пение сопровождается африканскими мотивами и её вокальными элементами. Именно звук Циммера довёл историю о Симбе до трагических высот, а сама работа композитора ознаменовалась признанием заслуг среди академиков, его первым «Оскаром». Разбор https://s3.wi-fi.ru/cp3o/7BowMdHDwJVvQ89oto3UyurK?response-content-type=image%2Fjpeg

Из сказочной Алисы к пациентке психиатрической клиники — в фильмографии сегодняшней именинницы Мии Васиковской сплошной артхаус. Её последняя на сегодняшний день работа — картина «Загадочный остров Бергмана» о паре американских сценаристов, которая ищет вдохновение на острове Форё, выйдет в российский прокат в декабре.  А пока давайте поднимем за прекрасную Мию бокальчик австралийского шираза и вспомним её лучшие роли cinemagraphie_10films

Он никогда не умирал (2015) ЧТО Фэнтезийный триллер Джейсона Кравчика («Она никогда не умирала») с Генри Роллинзом («Схватка», «Погоня», «Сыны анархии») в главной роли. О ЧЁМ О бессмертном человеке, который устал от жизни. ВАЙБ Тот случай, когда казалось бы проходной малобюджетный треш из лохматого года, оказывается выдающимся авторским творением, которое даже при беглом просмотре въедается в сердечко, а при более глубоком анализе, оказывается довольно проработанной библейской историей с кучей приятных оммажей к поп-культуре. Суровый Генри Роллинз — великолепен, —актер раскрылся для меня заново. Рекомендую озвучку Михаила Чадова. СМОТРЕТЬ • любишь Тарантиновкую манеру повествования; • фанат «Догмы»; • не любишь излишней эмоциональности. НЕ СМОТРЕТЬ • не терпишь, когда библейские мотивы обретают комическую форму; • не фанат излишней жестокости; • пересмотрел фильмов о вечной жизни. | |9/10