Цветовая палитра в 3 сезоне «Американских богов» великолепна. Все сезоны...

Что же, пришло время закрыть тему с номинантами на грядущую премию «Оскар»: «Иуда и чёрный мессия». Название вроде бы задаёт библейский пафос, но на деле, это типичный продукт своего времени. Фильм, ладно снятый, уверенно сыгранный (отдельно выделим Даниела Калую, неожиданно уделавшего Лакита Стенфилда в выигрышней для последнего ситуации), компетентно поставленный – но до зубового скрежета предсказуемый, прямолинейный, а где-то и откровенно реакционный. Авторские симпатии ожидаемо сдвинуты в сторону «Чёрных пантер» (мягко говоря, неоднозначной организации, чей функционер был гораздо интереснее представлен в соседнем по номинации «Суде над чикагской семёркой»), и чем мы ближе к закономерно трагическому финалу, тем более явно выцветает драматургическая палитра сюжета. Даже Спайк Ли в этот раз оказался чуточку поинтереснее. «Минари». Большой хит о маленьких людях, несколько, быть может, тяжеловесная трагикомедия об ассимированных корейцах в эпоху Рейгана – самым экзотическим, при этом, является тот факт, что большая часть действия разворачивается в чистом поле. Это, как уже отметили сотни и тысячи зрителей до нас, неизменно милое, местами очень смешное (есть, например, по-хорошему убойная первая сцена в церкви), но всё-таки очень консервативное по настроению кино – и когда режиссёр сталкивает чисто бытовой практицизм с потешными религиозными практиками, и когда назревает конфликт семейных и капиталистических ценностей. Впрочем, в этом году это уж точно один из самых симпатичных аутсайдеров в «оскаровской» гонке. ЧтоПосмотреть http://lostfilm.info/images/photo/105/21144331_1044891.jpg

Немного новостей: «Техниколор» – известная технология цветного кино, а вместе с тем – бренд, прославившийся в эпоху классического Голливуда, объявил о слиянии с Streamland Mediа. Так завершается 100-летнее путешествие «Техниколора» – этот приём цветопередачи характеризовался сочными, насыщенными цветами, создавая магический ореол изображения 30-50-ых. Мы вспомнили несколько важных фильмов, снятых в технологии «Техниколор: «Волшебник страны Оз» – классическая сказка от Виктора Флеминга, рассказывающая о путешествии Дороти из скучного Канзаса в фантастический мир. Провалившись в 1939 году, фильм обрёл популярность на телевидении. Блестящий видеоряд, колористика и незабываемый, подчас психоделический ландшафт – фильм вошёл в историю как визионерское и эскапистское кино, которое уводит от повседневных реалий и погружает в иное измерение. Да и цветовая технология здесь оправдана художественно: из монохромного (в прямом смысле) Канзаса с пыльной и душной провинцией, героиня попадает в мир, похожий на радужную палитру. «Унесённые ветром» – грандиозный американский киноэпос, повествующий о судьбах южан на фоне Гражданской войны. Масштабная фреска рисовалась пастозными мазками: в первую очередь глаз цепляется за цветовую гамму, в которой и существует вся материальная ткань фильма: от интерьеров до платьев. Этот яркий, фееричный, залитый оранжевым цветом эпос стоил баснословных денег – и снял его тоже Флеминг – автор техноколоровского хита о путешествии Дороти. «Поющие под дождём» – классический мюзикл и одновременно – киноэнциклопедия, в которой повествуется о крахе немого кино и его резком переходе к звуку. Джин Келли в образе голливудского франта – с ослепительной улыбкой, выплясывающий посреди дождливой улицы – вся эта романтическая красота искрит и сияет разными цветами, достигая апогея в сценах танцев. Точный, хореографически безупречный – фильм в буквальном смысле раскрашивает Голливуд, превращая его в фабрику производства грёз. ЧтоПосмотреть https://humanite-russie.ru/wp-content/uploads/2020/06/autant_en_emporte_le_vent.jpg

Немного новостей: «Техниколор» – известная технология цветного кино, а вместе с тем – бренд, прославившийся в эпоху классического Голливуда, объявил о слиянии с Streamland Mediа. Так завершается 100-летнее путешествие «Техниколора» – этот приём цветопередачи характеризовался сочными, насыщенными цветами, создавая магический ореол изображения 30-50-ых. Мы вспомнили несколько важных фильмов, снятых в технологии «Техниколор: «Волшебник страны Оз» – классическая сказка от Виктора Флеминга, рассказывающая о путешествии Дороти из скучного Канзаса в фантастический мир. Провалившись в 1939 году, фильм обрёл популярность на телевидении. Блестящий видеоряд, колористика и незабываемый, подчас психоделический ландшафт – фильм вошёл в историю как визионерское и эскапистское кино, которое уводит от повседневных реалий и погружает в иное измерение. Да и цветовая технология здесь оправдана художественно: из монохромного (в прямом смысле) Канзаса с пыльной и душной провинцией, героиня попадает в мир, похожий на радужную палитру. «Унесённые ветром» – грандиозный американский киноэпос, повествующий о судьбах южан на фоне Гражданской войны. Масштабная фреска рисовалась пастозными мазками: в первую очередь глаз цепляется за цветовую гамму, в которой и существует вся материальная ткань фильма: от интерьеров до платьев. Этот яркий, фееричный, залитый оранжевым цветом эпос стоил баснословных денег – и снял его тоже Флеминг – автор техноколоровского хита о путешествии Дороти. «Поющие под дождём» – классический мюзикл и одновременно – киноэнциклопедия, в которой повествуется о крахе немого кино и его резком переходе к звуку. Джин Келли в образе голливудского франта – с ослепительной улыбкой, выплясывающий посреди дождливой улицы – вся эта романтическая красота искрит и сияет разными цветами, достигая апогея в сценах танцев. Точный, хореографически безупречный – фильм в буквальном смысле раскрашивает Голливуд, превращая его в фабрику производства грёз. ЧтоПосмотреть https://humanite-russie.ru/wp-content/uploads/2020/06/autant_en_emporte_le_vent.jpg

Час настал заморить червячка Ну что же, «Дюна». Таки добралась до нас (в прокате с завтрашнего дня). Новую экранизацию романа Фрэнка Герберта 1965-го готовили аж с 2008-го года. А потом то одно, то другое, то пандемия. Сразу скажем, что нас трудно назвать «дюноманами»: роман мы не читали и прошлые экранизации не видели. Поэтому если вам нужно больше контекста – читайте коллег. А если вы тоже дюнный девственник, то нам с вами по пути. Что мы имеем? Как и обещал трейлер, 2,5-часовый арт-блокбастер. Где «арта» намного больше, чем «блокбастера». По крайней мере в привычном смысле слова. Экшен начинается чуть ли не через 1,5 часа. Но не пугайтесь, это действительно блокбастер и каждый доллар из 165 миллионов бюджета на экране виден. Просто зрелищность тут понимается и строится на куда более сложном и интересном уровне. Помимо очевидных звезд (играют все отлично, добавить нечего) тут есть еще неочевидные, но не менее эффектные. Во-первых, это цветовая гамма и вообще картинка. Это кино, которое потом годами будут штудировать операторы и режиссеры. Во-вторых, звук. Понятно, что композитор Ханс Циммер плохого не пишет, но тут речь не только о музыке, но и вообще о величественном, пронизывающем насквозь саундтреке картины. Если «Дюне» не дадут «Оскар» за звук – будет грабеж средь бела пустыни! Именно это главная причина бежать на «Дюну» в кино, причем выбирать зал с действительно мощными колонками. А еще лучше – сразу в IMAX. Если вас смущает незнание материала и путаный трейлер, то спешим вас успокоить. Вселенная «Дюны» и правда масштабная и сложная, но центральный сюжет фильма – весьма прост и доступен (пускай и развивается очень неспешно). Юноше все шепчут, что он – тот самый Избранный, а он то верит, то нет, но все ближе движется (сквозь пески и туманы) к своему Предназначению. Собственно, все. Вся «Дюна» 2021 года – развернутая прелюдия к будущим свершениям худенького мессии с точеным лицом Тимоти Шаламе. Назвать все это законченным произведением никак нельзя: в фильм легла ровно половина исходного романа. Портит ли это впечатление? Только в том случае, если продолжение мы так и не увидим (если фильм в итоге не окупится или еще по каким-то причинам). В общем, перед нами уникальный пример медитативного блокбастера. Не такой авторский, как «Бегущий по лезвию 2049» того же Вильнева. Но и не лихие «Звездные войны». Хотя мы-то как раз с удовольствием посмотрели бы на то, что Вильнев мог бы сделать бы со вселенной Джорджа Лукаса. Но пока просто понадеемся, что одной «Дюной» дело не ограничится. Оценка: 9/10 https://images.kinorium.com/movie/poster/435687/h280_49922011.jpg

Как написать ДРАМЕДИ. Ключевые элементы. Гибрид жанров, с одной стороны, вещь очень удобная. К ней можно отнести все, что угодно. Полукомедия, полутриллер, полухоррор в полукедах. Но с другой стороны такой мэшап - задача очень непростая. Чтобы добиться хорошего кино на стыке жанров, необходимо соблюдать баланс. Подобно канатоходцу, идущему на между небоскребов, одно неверное движение в сторону и все. Кинотруп. Драмеди является самым сложным из всех гибридов, который можно сбалансировать. Но именно сочетание комедии и драмы больше всего похоже на нашу жизнь. Сегодня ты весело танцевал на столе на корпоративе. А завтра тебя уволили и тебе нечем платить ипотеку. И потому драмеди цепляет сильнее, чем комедия или драма в чистом виде. Драмеди, как правило, имеют дело с серьезными темами и содержат комедийные элементы, часто возникающие в результате развития персонажа и / или сюжета. Это сочетание драмы и комедии будет варьироваться в каждом фильме и телешоу. Некоторые будут больше сосредоточены на драме с некоторым комедийным рельефом, тогда как другие будут иметь больше комедийных элементов, уравновешенных с драмой. Взять серьезный материал и добавить в него комедию - это искусство. Есть разные способы написать сценарий драмеди, но всегда есть ключевые элементы, о которых следует помнить. 1. Уравновесить время и темп. Удачно поставленная шутка в конце тяжелой сцены может помочь уменьшить драматический вес. В то время как драматический момент может сделать историю, ранее более сфокусированную на комедии, более сложной и неоднозначной и вызовет новые, более глубокие эмоции. 2. Градус повествования. Юмор позволяет снижать градус. Это может принести облегчение публике и заставит их хотеть большего. Юмор в драме позволяет обсуждать табуированные темы. Что добавляет прогрессивности. 3. Палитра героев. В драмеди используются разные персонажи, поэтому важно обеспечить тон и индивидуальность каждого персонажа. Рядом с полностью драматическим героем должен быть персонаж, который даст нам передышку, обеспечит дополнительными эмоциями, добавит легкости восприятия. Разные взгляды на жизнь, разный поведенческий подход. От крайне нелепого Альфреда “Paper Boi” Майлз из “Atlanta” до неожиданно забавного богача Майка Вагнера из “Billions”, который намеренно вводит юмор. Персонажи в драмеди могут крепко связать жанр. 4. Сочетание эмоций. Драмы действительно оживают, когда сквозь них просвечивает слой реальности. Связь с человеческим опытом, сложный сплав эмоций в драмеди, - вот где реальность. Так что не бойтесь одновременно сочетать эмоции. Часто, попадая в драматические ситуации или серьезные переживания, мы стараемся отнестись к этому с юмором. Так легче пережить трудности. Это фундаментальный человеческий опыт, который находит отклик. 5. Обязательно посмотрите “After Life”.

​​Французский вестник (2021) Ещё одна открытка от Уэса Андерсена. Точнее серия открыток, из Парижа. Палитра та же, что и в «Будапеште». Подобное же композиционное обрамление, и даже более. Поскольку историй целых три, то и рамочек больше. Первая история вполне себе ничего, вторая 50/50, прелестью третьей проникнуться способны разве что гурманы или французы. Первая история Я сказал, первая история вполне себе ничего? Глупости. Первая история чуть-чуть не дотягивает до шедевра. Отличная пародия на современное искусство. Особенно хороши две сцены. Первая, «Художник и натурщица, она же Муза, она же… надзирательница». Вторая, «Муза и электрический стул». Слова тут излишни, сцены говорят сами за себя. Бенисио дель Торо сыграл великолепно. Режиссёр поставил отлично. Кроме того, в этой истории имеются подкупающие меткостью высказывания и забавные ситуации. Коммерсанты от современного искусства: «спрос нужно создать и вырастить». Муза: доведя подопечного до славы, забирает деньги и отправляется к своему временно брошенному ребёнку. Гениальное произведение, на которое собираются посмотреть взращенные коммерсантами ценители и почитатели, нарисовано на тюремной стене, типа фреска, а как ещё назвать, если не унести на аукцион и не перепродать в подпольную частную галерею. Коммерсанты в ярости. Иронично. Подгуляли в истории разговор надзирательницы и художника в «постели» да сюжетный поворот с бунтом заключённых. Ну совсем не то и не в тему. Но это, в сравнении с достоинствами истории, капля дёгтя в бочке мёда. Вторая история Режет слух и снисходительно звучит во второй истории известная поп-конструкция, биграмма «нарциссический + ...», в данном случае «нарциссическая юность». А между тем, это о выступлениях студентов и рабочих в конце 60-х в Париже и по всей Европе против правящих ящеров. Нарциссизм – это о гордости юности, порывах, идеалах юности, о самой остро чувствующей несправедливость, несмышлёной, искренней юности. Но где бы мы были, если бы не эти идеалы и порывы? Хорош мальчик, вдохновенный, пылкий, одухотворённый образ. Я не сразу узнал Тимоти Шаламе. Здесь он не то, что в «Дюне», где был костюмированной мордашкой. Что называется, почувствуйте разницу. Рядом с ним образ благоразумной и блёклой Макдорманд не выразителен, хотя она тут главный носитель правильной идеологии. Она всё повторяет, что по роду занятия (героиня журналистка) она объективно в стороне. И хотя она пишет мальчику манифесты, но проводит генеральную мысль либерального мещанства, мол сочувствовать подобным порывам можно, но зачем же так колебать устои, могут ведь быть жертвы и прочая нестабильность. Вот жертвы при расширении границ демократии и передовой цивилизации никого не напрягают, поскольку далеко, на чужой территории, среди аборигенного населения. Третья история Последняя, кулинарно-криминальная, история вообще не трогает. Ну суп, ну тефтели. Ну, похитили. И что? Обрамляющие эпизоды Обрамляющие сцены ничего не обрамляют. «Вестник» и его оборотистый редактор с авторами ничему не служат, не играют никакой роли в историях, не служит даже рамой картине. Разве что в том смысле, как в Эрмитаже, где в массивные золотые рамищи закованы маленькие импрессионистские пейзажи. К чему? Чтоб не спёрли? Что касается разнообразных приёмов, деления кадра пополам (смотри, например, проститутка и похищенный вундеркинд), симметрии, открыточной палитры, коллажей, аппликаций, декораций а ля «Догвилль» фон Триера. Можно только констатировать их, приёмов, наличие. Они играют здесь ту же роль, что и почерк, виньетки, женские головки, буквицы и завитушки на полях рукописи. Да и такой роли не играют. Разве, что роль шрифта на печатной странице. Да, бывают привлекательные шрифты. Оценка: 6/12. https://telegra.ph/file/22db914bba09bb6f9311f.jpg

Кино — это больше, чем сюжет. Это ещё и особая цветовая палитра, игра света и тени, ракурсы съёмки, музыка, монтажные склейки. Всё имеет свой смысл, и, лишь видя картинку целиком, можно понять фильм. Если вам интересно узнать, как создаются культовые картины и какие идеи вкладывают в съёмку и постпродакшн, советую посмотреть курс онлайн-лектория Синхронизация «Как смотреть кино». За 7 занятий вы поймете, какой бывает композиция кадра и каких целей она помогает достичь. Разберетесь, почему в хорошем кино музыка почти никогда не дублирует настроение сцены. И выясните, как сценаристы придумывают ваши любимые диалоги Курс читает Член Союза кинематографистов РФ Данила Кузнецов. По моему промокоду МАКС курс можно купить со скидкой 20%. НО! Промокод суммируется с акцией на сайте, то есть вы можете купить курс за 3060 рублей вместо 5100. Скидка действует до 15 апреля включительно. Применять промокод можно без ограничений для всех курсов Синхронизации: https://clck.ru/enNSY

Голливудская палитра стран мира incinema_humor

​​В час вечерний, в час дневной Люди входят в мир земной. Кто рождён для горькой доли, Кто для радости одной. Кто для радости беспечной, Кто для ночи бесконечной. С точки зрения полу цивилизованного индейца происходящее акт мести. Орудием является Уильям Блейк, «убийца бледнолицых» (С чего именно Блейк? Темна вода в облацех, но Блейка старательно записывают в мистики, я у него мистики не заметил). Я бы сказал, что вся история – это сон-мечта индейца, мстительная грёза, в которой бледнолицый убивает бледнолицых по желанию индейца, которому снится сон-мечта. Я бы так сказал, но есть неувязка. Индеец только после встречи с героем узнаёт, что тот Уильям Блейк и производит его в «убийцы бледнолицых». До ранения-смерти, герой вполне себе жив, открыто интересуется жизнью в лице женской груди, хотя уже в первом кадре говорится, что «не следует путешествовать с мертвецом». Получается неясно, то ли реальность героя как-то перетекла в посмертное путешествие, то ли нет, то ли по пятам героя идёт действительность в лице убийц, то ли нет. В итоге под анализом единая конструкция фильма начинает шататься, части – противоречить друг другу и не согласовываться, цельное впечатление смазывается. Для сравнения вспомним «Сталкера». Он приходит на ум на первых кадрах, поскольку звук в фильме очень похож на звук у Тарковского, когда герои едут на дрезине к зоне. Тогда же у Тарковского совершается переход от чёрно-белого мира повседневности к цветному миру зоны. Здесь напрашивался подобный «простой» приём, тем более, что противопоставление ещё более глубокое жизнь – смерть, а не как в «Сталкере», где «всего лишь» противопоставлены два состояния сознания, здоровое, полнокровное и сознание унылой повседневности. «Простой» приём напрашивался, но отыскан не был, и в этом я вижу разницу между гениальным и просто талантливым. При этом сопоставление, а не противопоставление посмертного сумеречного существования и жизни Дикого Запада, главное содержание которой геноцид, убийства, унижения слабого, совершенно оправданно. Но, впрочем, и это не главное. 90% воздействия дают тема смерти в её мистической ипостаси, чёрно-белая палитра и звук (звук в особенности). Удалось так хорошо, что в концовке кое-где получилось жуденько и пробирает. Эти средства выражения бьют непосредственно по чувствам. То есть по тем же нервам, но не по примитивным инстинктам, а по центрам высшей нервной деятельности, что и отличает искусство от каруселей и Голливуда. Всё прочее, персонажи, сцены, реалии дикого запада, костюмы, абсурд посмертного путешествия, сопоставление смерти и жизни на Диком Западе – всё это вспомогательные средства, как это странно не прозвучит. Они могут быть любыми, они почти произвольны, они часто банальны, как разговор хозяина с убийцами, как сама тема путешествия, как преследование, как награда за голову и так далее. О недостатках, в частности игре Деппа или многочисленных заимствованиях вроде плюшевого мишки убийцы, что выносит в сознание аналогичного мишку мистера Бина, говорить не буду. Из достоинств не могу не упомянуть прекрасный женский образ. Итого: 10/12 P. S. И всё же мистификация смерти – пусть и неизбежна, и никто её не избегает, но это обман. Куда симпатичней, смелее и честнее другой подход. Например, образ смерти в серии книг Пратчетта о Плоском мире. Там смерть любознательный мужик, занятый изысканиями а ля диогеновых поисков человека. Он манкирует своими обязанностями, оставляя за себя стажёра, имеет дочь. Хорош образ смерти Санта Муэрте, не как культ, а как праздник, как ежегодное шоу. Особенно хороши девушки в костюмах и черепно-цветочно-скелетной раскраске. Ну а квинтэссенция анти-мистического подхода вот, пара иронически-фаталистических строчек из «Кентерберийских рассказов» Чосера: Но как бы время мы не проводили, Живя, мы приближаемся к могиле. (курсив мой) https://telegra.ph/file/15a2c96ac8072bbfd9ee7.jpg

«Человек идет за солнцем» (1961, Михаил Калик). Периоды «оттепели» и «шестидесятничества» стали новым рождением советского кино. Появились новые темы и приемы, дебютировало большое количество режиссеров — многие из них впоследствии станут классиками. Возможно, поэтому образ ребенка (не только новорожденного) в фильмах этого времени имел большое значение. Ребенок как бы ставит финальную точку в фильмах «Большая семья» (1954) или «Чужая родня» (1955). Часто вокруг него строился весь сюжет, как, например, в картинах «Мир входящему» (1961) или «Иваново детство» (1962). Так было и в фильме Михаила Калика «Человек идет за солнцем», где главный герой — маленький мальчик по имени Санду. В фильме мы видим мир его глазами (например, периодически повторяются кадры от первого лица, снятые через цветное стеклышко; цветовая палитра здесь особенно яркая и запоминающаяся). Санду отправляется за солнцем, чтобы обогнуть всю Землю, и по пути встречает разных людей: мотогонщика, водителя грузовика, военного музыканта и многих других. Образная символика фильма постоянно отсылает к форме круга, который задан сюжетом — Санду хочет обойти весь мир и вернуться в исходную точку; кроме того, солнце, идеальный круг, представляется ему проводником. Это говорит о гармонии, которая окружает Санду повсюду. Он видит воздушные шары, обручи, яблоки и арбузы, подсолнухи, цирковую арену и огромный красный мяч на спортивном стадионе. Именно эта деталь напоминает о классическом французском фильме Альбера Ламориса «Красный шар» (1956), который во многом повлиял на то поколение советских режиссеров (а главным героем там тоже был мальчик). Даже камера в некоторых сценах движется по круговой траектории. Операторскую работу Вадима Дербенева, с одной стороны, можно сравнить с документальной манерой свободного наблюдения за жизнью, с другой — с постановочной фантасмагорией со сложными и причудливыми кадрами, где используется, например, голландский угол и необычное освещение (в фильме также есть эпизод со сном Санду, который как бы оправдывает эти приемы). Сразу после завершения съемок картина была обвинена в формализме и отрыве от советской действительности (режиссер Михаил Ромм называл ее «стихотворением» — впрочем, в положительном смысле), а чуть позже фактически была запрещена из-за отъезда режиссера в Израиль. Однако до этого, в 1964 году, Калик успел снять черно-белый фильм «До свидания, мальчики», похожий по стилю на «Человек идет за солнцем», но уже совершенно другой по интонации — действие в нем происходит накануне войны.

​​«Незнакомцы», («The Stranger», 2020) Привет, друзья! Давненько мы с вами не обсуждали кино. Не знал с чего начать, поэтому решил начать из мрака и глубины. Не так давно на Netflix вышел австралийский криминальный детектив с британским характером «Незнакомцы». И надо сказать, меня действительно проняло. На экране разворачивается психологическая дуэль двух брутальных бородатых мужчин. Полицейский под прикрытием втирается в доверие к подозреваемому. Дело о похищении висит в архиве уже несколько лет и сдвигов по нему нет. Фильм будто вывернут наизнанку и снят таким образом, что разобраться в завязке мы сумеем не сразу. Не будет упрощать ситуацию и мрачная цветовая палитра, в которую нам натурально придется вглядываться. А психологическая тяжесть отношений двух героев, сможет раздавить даже самых стойких зрителей. Одним словом, просмотр легким не будет, имейте ввиду. «Незнакомцы» держатся на харизме двух британских бруталов, выверенному тягучему темпу и исключительно аскетичной режиссуре, разбавленной хоррор-вставками ночных кошмаров главного героя. Звук — отдельный элемент, за который фильм хочется хвалить (возможно для кого-то это станет интересным опытом, особенно если смотреть в оригинале и наушниках). Фильм заставляет пережить пугающий опыт, уходящий в паранойю. Сама история базируется на реальном расследовании, которое фигурирует в австралийских сводках, как самое продолжительное в истории. Если проводить параллели, то фильм гуляет где-то между «Настоящим детективом» и «Чёрной птицей» (недавним хитом AppleTV). Для фанатов мрачных криминальных триллеров, самое оно. триллер драма криминал https://telegra.ph/file/55fcf69e2fb50e63531fb.jpg

«Космической Одиссее» Стэнли Кубрика 55 лет – и этот величественный вальс кинематографа продолжает нас удивлять Просмотр «Космической Одиссеи» для всех любителей кино, пожалуй, это всё и сразу: это и своеобразное изобретение велосипеда, и поиск истоков человеческого рода, и дверь по ту сторону восприятия. То, что писатель Артур Кларк называл на съемках фильма голливудской неразберихой, каким-то чудесным образом на экране воплощалось в абсолютный порядок с симфоническим рядом Штрауса и космическим вальсом. Вся эта панорама эволюции создавалась непостижимо трудно, посредством человеческих рук и возможностей – рук, которые когда-то держали ту самую дубинку, нависшую над тушей животного. Фронтпроекция, 10-метровая центрифуга, стянутые тканью павильоны - здесь очевиден человеческий гений, однако при всей патетике эволюционного развития, содержание фильмов Кубрика всегда стремится утвердить обратное: какими бы даровитыми мы не становились, человек, как и обезьяна, всё так же жалобно любопытствует у монолита, строит цивилизацию в акте неизбежного насилия. Эта диалектика не имеет конца, так как существует в своей космологической зацикленности. Но это ладно. Фильм действительно затачивает восприятие под сверхновый, сверхчувственный опыт, здесь бурят иную систему для перцепции, чувствования музыки, изображения, их синхронического акта. Кубрик усиливает «модерновость», чтобы «Одиссея» выглядела так, будто дотоле кинематографа и вовсе не было: вальсирование кораблей – словно движущийся поезд, таинственность монолита - похоже на страх перед кинопроекцией, а многочисленный набор фильтров и цветовая грамматика - галерея киноэкспрессионизма. Похоже, вряд ли настанет момент, когда мы перестанем удивляться и восхищаться «Одиссеей» и каждый просмотр будет как в первый раз. Разбор https://www.dff.film/wp-content/uploads/2019/08/3_Kubrick_2001.jpg