Кошмарное достижение Дэвида Линча: 45 лет фильму «Голова-ластик» — одному из...

​​Третий день/The Third Day Мужчина едет по захолустным дорогам Англии и оказывается на небольшом острове неподалеку от берега, куда можно попасть по единственной дороге, постоянно затопляемой приливом. «А здесь в город только одна дорога. — Пожалуйста, Морская, 21, квартира 9. Третий подъезд. Третий этаж» (продолжаем конкурс без призов – «Отгадай откуда цитата») Главный герой сериала, Сэм, которого играет Джуд Лоу, заехал в это место на полчаса, но предсказуемо задержался. Ощущения от этого места (как у героя, так и у зрителя) не самые приятные – все выглядит крипово; люди вроде обычные, но пугающие; еще и культами с религией веет из-за каждого угла. Дальше – больше. Сэм оказывается странным образом связан с этим местом, как связана и трагедия, когда-то случившаяся в семье Сэма. На этом по сюжету прервусь, тут хрустит под ногами тонкий слой между спойлерами и синопсисом. Сериал сходу напоминает свежее «Солнцестояние» или сразу оба «Плетеных человека» (хороший и с Николасом Кейджем) и берет сразу несколько приемов из них всех (как и из огромного списка других мистических драм, где действие происходит в замкнутом пространстве). У сериала есть большие плюсы в виде красивой съемки, Джуда Лоу, тысячи и одной религиозной отсылки и метафоры, но в целом это образует еще одно шоу про мистический остров со странными жителями, но оно не кажется тем, которое выиграет в соревнованиями с другими такими же (если только у римейка «Плетенного человека», но это не сказать, что большое достижение). «Третий день» - неплохой сериал для осенней хандры у экрана с бокалом коньяка, где коньяк будет играть не менее важную роль (а когда играл?). Но через год кроме смутного лица Джуда Лоу в роли Сэма навряд ли что-то останется в памяти. 7.0/10. И напоследок еще одна конкурсная цитата: — Мне один купейный до Москвы. — Билетов нет. — Да мне все равно какой, СВ, плацкартный. — Никаких нет. — А где у вас начальник вокзала? — Начальник не поможет Ответы шлите мне. И помните, что за правильный ответ никаких призов. https://telegra.ph/file/178268040422921544b97.jpg

Любовная история, разворачивающаяся на фоне борьбы вампиров и оборотней, не теряет своей актуальности. Выяснилось новая книга Стефани Майер «Полуночное солнце» уже успела разойтись немалым тиражом. Как отмечают западные СМИ, лишь за прошедшую неделю (с момента старта продаж) произведение купили более миллиона читателей. Вёлся подсчёт как электронных, так и печатных версий. «Нам очень радостно, что мы вновь вернули людей во вселенную Сумеречной саги, отпраздновав новое достижение со Стефании, книготорговцами и фанатами», - отмечается в издательстве. Заметим, что в новой книге повествование ведётся от лица Эдварда. «Знакомство с чудесной Беллой – это самое удивительное событие, которое он пережил за всю свою вампирскую жизнь. Чем больше деталей мы узнаем о его прошлом, тем нам понятнее, почему именно эта история стала определяющей в его судьбе. Разве может он позволить себе любовь к Белле, понимая, как это опасно?», - интригует описание к книге.

Сегодня «Донни Дарко» исполнилось 20 лет – одному из важнейших фильмов нулевых, моментально заработавшему культовый статус. Сейчас уже смешно вспоминать, что рекламная кампания раскручивала ленту как молодёжный хоррор (естественно, он с треском провалился по всему миру), что на место Джилленхола (которого потом несколько лет называли «тем парнем из «Донни Дарко») вообще-то планировался Джейсон Шварцман, или что на протяжении долгого времени определённая прослойка эстетов презрительно именовала Ричарда Келли одним из множественных эпигонов Линча. Нет, конечно, Келли похож на Линча – и ещё на целую кучу авторов, без которых невозможно представить 80-е. Потому что «Дарко» целиком из этих 80-х и состоит: это и реквием по ушедшей эпохе, и по-сэлинджеровски элегический роман воспитания, и постмодернистская фантастика, и классическая для того времени подростковая мелодрама. Но высшее достижение Келли – в поразительно точно схваченном ощущении ускользающей молодости, когда странно тревожащее слово «взросление» окрашивается в мрачные эсхатологические оттенки. Что же, годы летят – а мы все продолжаем следовать за кроликом Фрэнком.

​​У человека в 20в было два довольно занимательных занятия. Первое – самозабвенно лить кровь в неограниченных количествах и по абсолютно разным поводам. Второе – грезить космосом. Да так, что в какой-то момент непроглядные, непознаваемые дали над головой стали своеобразной массовой перверсией. Этаким желанием проткнуть целку черного неба огромным металлическим аппаратом фаллической формы и не перезвонить. (тут еще будут аналогии с девственностью, так что пристегивайтесь) Собственно, под конец неоднозначного столетия, человек действительно, выражаясь дудевским лексиконом – трахнул космос. Причем, самыми разными способами, но руководствуясь одним императивом – чисто животной конкуренцией за самку. Советы отправили в космос человека первыми, американцы высадились на Луну; обе страны напихали по орбите сотни железных исследовательских мангалов-спутников. А после, резко остановились и переключились на решение приземленных, мирских проблем. Такое резкое отстранение от космоса отразилось и на кинематографе. Если раньше американская киноиндустрия стабильно выплевывала пару научно-фантастических фильмов в год, где американский сверхчеловек, руководствуясь великими идеями и патриотическим зудением в районе копчика, гордо садился в железную машину и гнал навстречу звездам, то сейчас такого найти практически невозможно. Из последнего можно вспомнить только «Человека на Луне» от Шазелла, который, в общем-то, всю свою карьеру занимается обаятельной тоской по ушедшим золотым временам. Концепция космоса претерпела изменения. Раньше космос был верхушкой технического прогресса, перед достижением которой меркли все душевные чаяния человеческого естества, все страдания и муки – ведь однажды такой же неуклюжий белковый, как ты или я, устремится в нечто настолько непознаваемое и неизвестное, что страх перемешается с благоговейным восхищением. Теперь космос – замечательное пространство для того, чтобы в сферическом вакууме космических пространств размышлять о мирских, приземленных проблемах. Космонавт тоскует, космонавт плачет, космонавт переживает за общество, космонавт переживает за страну – то, что он находится в космосе, ему как-то фиолетово. «К звездам», «Интерстеллар», «Элизиум» (в какой-то степени), «Марсианин» (в какой-то степени), «Высшее общество», «Луна 2112» – и это только те примеры, которые первые прилетели в голову. В российском кино все гораздо сложнее. Космическая тематика – дорогое удовольствие, которое авторский режиссер, способный интересно высказаться позволить себе не может. Да и все более-менее большие бюджеты узурпировало государство, которое, наоборот, настроено на то, чтобы до посинения и стигматов на ладошках эксплуатировать космос как пространство, где мы однажды ебать какие короли были. Сейчас, конечно, все не так однозначно, но возьмите на всякий случай «Гагарин», «Салют-7», «Время Первых» (симптоматично, что оттуда выперли авторского Юру Быкова) и еще охапку похожих друг на друга в вырвиглазном патриотическом рвении проектов. Одним из первых, кто попытался хоть как-то совместить космическое с человеческим в современном российском кинематографе был Сергей Бондарчук. Его «Вторжение», безусловно, очень кхм-кхм странный и неоднозначный фильм, однако он все-таки пытается рассуждать о национализме и открытости миру. Получилось, повторюсь, не очень, но вот за попытку – респект. И вот в 2020 году, помимо сиквела «Вторжения» (да, больно, терпите), из под молотка Бондарчука-продюсера (а Сергей-продюсер на три головы сильнее Сергея-режиссера) вышел «Спутник», где в режиссерском кресле сидел Егор Абраменко. Это полнометражный дебют Егора, который до этого снял несколько короткометражек, «Капсулу» Тимати (всем рекомендую, кстати. когда еще представится возможность пройти «экскурсию внутри головы Тимати». упускать такое – преступление) и «Пассажира», который по своей концепции является предвестником «Спутника». https://telegra.ph/file/4d0fb711fd97488082a73.jpg

Ровно 30 лет назад вышло «Молчание ягнят» – вероятно, самый титулованный триллер о серийном убийце. – Многие слышали, что роль писалась специально под Джоди Фостер, но режиссёра (Джонатана Демме) её кандидатура категорически не устраивала. Он предлагал сыграть Клариссу Мишель Пфайффер (и на это было бы очень, очень любопытно посмотреть), Эмме Томпсон и даже Мег Райан, и лишь когда все трое отказались, роль отошла Фостер. – Хопкинс также не был фаворитом среди претендентов на роль Лектера. Ганнибала могли сыграть такие актёры, как Шон Коннери, Роберт Де Ниро, Джек Николсон, Роберт Дювалл и даже Луис Госсет-мл. – Ближе всех к роли был Джин Хэкмен, которого студия ещё и уговаривала взвалить на себя режиссёрские функции. Как следует поразмыслив, Джин пришёл к выводу, что он проект попросту не потянет. Забавно, что в итоге «Молчание ягнят» стало высшим карьерным достижением в карьерах Хопкинса, Демме и Фостер. – Хопкинс при подготовке к роли посещал реальных серийных убийц и пересмотрел гигантский архив с записями маньяков, оставивших неизгладимый след в американский истории. Так, например, привычку не моргать в кадре он перенял от Чарли Мэнсона. – Все ведущие актёры (за исключением Фостер) прослушали немало магнитофонных записей, которые делал тот или иной психопат, пытая своих жертв, о чём впоследствии сильно жалели. К слову, для Хопкинса эта роль не только принесла «Оскар» и мировое признание, но и разрушило его отношения с телеведущей Мартой Стюарт, которая никак не могла отделить экранный образ от реального человека. – Напоследок стоит упомянуть, что в проект мало кто верил после провала первого фильма из серии – преступно недооценённого «Охотника на людей» Майкла Манна, поэтому права на экранизацию «Молчания ягнят» Дино де Лоурентис отдал бесплатно. Что же, думаю, вы помните, чем всё закончилось. ОткрытыйЗанавес

Ну что же, сегодня самое время для того, чтобы вспомнить, в чём же состоит уникальность х/ф «День сурка». Во-первых – очень иронична та ситуация, в которой этот фильм – отрицающий жизнь как набор устоявшихся повседневных ритуалов – сам превратился в подобие такого ритуала (о нём как минимум вспоминают 2 февраля каждого года), но при этом умудряется не надоедать, собирая вокруг себя зрителей из абсолютно всех интеллектуальных, социальных и возрастных групп. Во-вторых – «День сурка» универсализирует персональный опыт Фила Коннорса через мультижанровость. Это и классическая комедия положений, и притча, и самая настоящая драма. Причём между ними выстроен настолько зыбкий контраст, что многим не удаётся это разглядеть с первого раза. По сути, это же ведь ещё и история о том, как рутинизация губит в нас человечность, причём перед отдельными последствиями оказывается бессильна и сама вечность (см. линию с умирающим бездомным). В-третьих – это тот редкий случай, когда в фильм идеально легли абсолютно все компоненты: точный, воздушный и потрясающе смешной сценарий, собранная режиссура Рэмиса и актёрский бенефис Мюррея, для которого «День сурка», пожалуй, стал высшим карьерным достижением. Наконец, благодаря ему в кино зародился новый жанр – с бесконечными вариациями (начиная «Эффектом бабочки» и заканчивая «Зависнуть в Палм-Спрингс») на ставший бессмертным сюжет.

Ну что же, сегодня самое время для того, чтобы вспомнить, в чём же состоит уникальность х/ф «День сурка». Во-первых – очень иронична та ситуация, в которой этот фильм – отрицающий жизнь как набор устоявшихся повседневных ритуалов – сам превратился в подобие такого ритуала (о нём как минимум вспоминают 2 февраля каждого года), но при этом умудряется не надоедать, собирая вокруг себя зрителей из абсолютно всех интеллектуальных, социальных и возрастных групп. Во-вторых – «День сурка» универсализирует персональный опыт Фила Коннорса через мультижанровость. Это и классическая комедия положений, и притча, и самая настоящая драма. Причём между ними выстроен настолько зыбкий контраст, что многим не удаётся это разглядеть с первого раза. По сути, это же ведь ещё и история о том, как рутинизация губит в нас человечность, причём перед отдельными последствиями оказывается бессильна и сама вечность (см. линию с умирающим бездомным). В-третьих – это тот редкий случай, когда в фильм идеально легли абсолютно все компоненты: точный, воздушный и потрясающе смешной сценарий, собранная режиссура Рэмиса и актёрский бенефис Мюррея, для которого «День сурка», пожалуй, стал высшим карьерным достижением. Наконец, благодаря ему в кино зародился новый жанр – с бесконечными вариациями (начиная «Эффектом бабочки» и заканчивая «Зависнуть в Палм-Спрингс») на ставший бессмертным сюжет.

В европейском кино женщины нередко находились на передовой, открывая новые способы выразительности на экране. Аньес Варда — одна из участниц «французской новой волны», прославилась как постановщица-авангардистка, работающая на стыке документального и художественного кино. «Клео от 5 до 7» — ее главное творческое достижение, экзистенциальная драма о жизни певицы, которая ждёт результатов анализов, связанных с раковым заболеванием. Перспективная певица гуляет по шумным улицам Парижа: она заглядывает в кафе, в художественную мастерскую, а также знакомится с военнослужащим в местном парке. И главное здесь то, как Варда создаёт портрет «лихого» Парижа 60-х, выхватывая его ритм и настроение практически в режиме реального времени. Ее фильм — это интроспекция в мир женщины, ее тревог, желаний, но вместе с тем — совершеннейший оттиск эпохи, в котором задокументирован дух времени с Алжирской войной и культурным движением Пятой Республики. Варда снимает в стилистике «новой волны» (здесь и ручная камера, и попытки увязать кино с нарративными техниками модернистской литературы), однако отказывается от чрезмерного формализма и тех монтажных штудий, которые можно заметить у Годара. «Клео от 5 до 7» — одна из самых уверенных и точных попыток посмотреть на «женское» оптикой самой женщины, где тщательно ретранслированы субъективные чувства героини. То, как женщина осознаёт себя, свою красоту, а также перспективу жизни под угрозой свалившегося недуга. Киноликбез

Бертолуччи сегодня могло бы исполниться 80 лет. Это уникальный автор, подлинный титан, знакомство с которым многим мешают завести сомнения в собственной насмотренности и эрудированности – составим гайд, что и в каком порядке лучше начинать смотреть (от самого простого к настоящему хардкору). «Мечтатели». Пожалуй, что самый попсовый Бертолуччи, растащенный по всевозможным пабликам на живописные скрины и гифки. И это правда одна из самых лёгких (если не сказать – легковесных), воздушных, энергичных и намеренно провокационных картин режиссёра – пусть обо всём этом он уже снимал 40 лет назад. Помимо всего прочего, именно «Мечтатели» открыли миру талант Евы Грин – которой, увы, после этого практически не доверяли серьёзных ролей (см. также последний фильм Бертолуччи – «Ты и я»). «Ускользающая красота». Элегичный роман воспитания, открывший уже, в свою очередь, талант молодой Лив Тайлер – и если это и оммаж «Лолите», то мораль здесь постоянно находится в лёгком расфокусе; ведь вместе с невинностью главная героиня теряет важнейшее из чувств, сопровождающих молодость – предвкушение от встречи со взрослым миром, которое чаще всего оборачивается лёгким разочарованием. Смотреть желательно сразу после «Мечтателей». «Осаждённые». Скупая на эмоция, во многом принципиально аскетичная мелодрама, последний выдающийся фильм маэстро, в котором Дэвид Тьюлис и Тэнди Ньютон сыграли свои лучшие роли. При этом Бертолуччи предпринял здесь некую попытку совершить эволюцию стиля – первую и последнюю в своей фильмографии. «Перед революцией». Фильм, с которого начался подлинный Бертолуччи, путь ещё и не достигшей подлинного блеска и лишённый внешнего выражения кинематографического масштаба – но чисто драматургически кино выстроено безупречно, к тому же для режиссёра это было одно из самых личных его высказываний. «Конформист». Один из самых визуально выразительных фильмов в истории кинематографа – подлинный шедевр, мощное антифашистское высказывание, упакованное в дерзкую психоаналитическую притчу, из-за которой режиссёр когда-то даже угодил в суд. Must see – и да, с непривычки у многих будут подкашиваться ноги. «Последнее танго в Париже». Высшее творческое достижение итальянца. Страшная, пульсирующая гипнотическим хтоническом ритмом, потрясающе разыгранная современная трагедия неприкаянной души – ведущие актёры, Брандо и Шнайдер, не могли оправиться от своих ролей несколько десятилетий, а многие с непривычки после выхода «Танго» в прокат навесили на него ярлык порнографии. «Под покровом небес». Одна из самых по-хорошему изматывающих в смысле ритма лент режиссёра – как водится, потрясающе снятая, озвученная и разыгранная драма о несовпадении культур, невозможности диалога между иностранцем и коренным, Западом и Востоком, снятая уже тогда с фирменным для Бертолуччи размахом. К этому моменту, конечно, уже лучше быть хорошо знакомым с творчеством данного автора (см. также «Последний император» и «Двадцатый век»). Киноликбез https://sun9-28.userapi.com/impf/c848636/v848636319/c7735/paIzJJS9-bE.jpg?size=1279x831&quality=96&sign=b34c26003e4e5dd541b7af9d879c968f&type=album

На этой неделе в наш прокат выходит культовое верхувенское «Вспомнить всё». Хороший повод, чтобы, кхм, вспомнить несколько не менее эффектных работ мастера из голландского периода. «Турецкие наслаждения». Первый большой шедевр Верхувена, его самая провокационная, поэтичная, драматичная и лиричная картина. На первых минутах может показаться, будто молодой голландец отчаянно бравирует формой, но постепенно эта хулиганская мелодрама превращается в высокую трагедию о границах свободы в творчестве, любви, да и в принципе в отношениях между полами. Отдельно стоит отметить блестящую игру ещё зелёного тогда Рутгера Хауэра. «Заводные». Один из самых приземлённых, но и в то же время безжалостных фильмов Верхувена – до этого он мог ещё не совсем зрело рассуждать о капитализме («Дело есть дело») или с попеременным успехом пробовать себя в историческом жанре («Кити-вертехвостка», «Солдаты королевы»), но здесь это уже умудрённый опытом, состоявшийся мастер. Это не самая его захватывающая лента – но одна из самых умных и точных в в плане работы с типажами и драматургией; слепок с буйной молодости, медленно сжираемой провинциальным бытом. «Четвёртый мужчина». Кино, из которого во многом вышел «Основной инстинкт» – возможно, высшее творческое достижение Верхувена. Ни до, ни после у него ещё не было настолько витиеватых повествовательных хитросплетений. Настолько густой, моментально парализующей зрительские рецепторы атмосферы. Настолько коварных – в смысле определённых человеческих норм и ритуалов – авторских выводов и наблюдений. И именно тогда же многим стало понятно, что мало кто способен настолько ярко показать роковую женскую сексуальность. ЧтоПосмотреть https://www.film.ru/sites/default/files/movies/frames/Turks-fruit-04.jpg

На этой неделе в наш прокат выходит культовое верхувенское «Вспомнить всё». Хороший повод, чтобы, кхм, вспомнить несколько не менее эффектных работ мастера из голландского периода. «Турецкие наслаждения». Первый большой шедевр Верхувена, его самая провокационная, поэтичная, драматичная и лиричная картина. На первых минутах может показаться, будто молодой голландец отчаянно бравирует формой, но постепенно эта хулиганская мелодрама превращается в высокую трагедию о границах свободы в творчестве, любви, да и в принципе в отношениях между полами. Отдельно стоит отметить блестящую игру ещё зелёного тогда Рутгера Хауэра. «Заводные». Один из самых приземлённых, но и в то же время безжалостных фильмов Верхувена – до этого он мог ещё не совсем зрело рассуждать о капитализме («Дело есть дело») или с попеременным успехом пробовать себя в историческом жанре («Кити-вертехвостка», «Солдаты королевы»), но здесь это уже умудрённый опытом, состоявшийся мастер. Это не самая его захватывающая лента – но одна из самых умных и точных в в плане работы с типажами и драматургией; слепок с буйной молодости, медленно сжираемой провинциальным бытом. «Четвёртый мужчина». Кино, из которого во многом вышел «Основной инстинкт» – возможно, высшее творческое достижение Верхувена. Ни до, ни после у него ещё не было настолько витиеватых повествовательных хитросплетений. Настолько густой, моментально парализующей зрительские рецепторы атмосферы. Настолько коварных – в смысле определённых человеческих норм и ритуалов – авторских выводов и наблюдений. И именно тогда же многим стало понятно, что мало кто способен настолько ярко показать роковую женскую сексуальность. ЧтоПосмотреть https://www.film.ru/sites/default/files/movies/frames/Turks-fruit-04.jpg

С 19 мая - показы корейской анимации в Москве! Рекомендуем не пропустить премьеру фильма «Эликсир красоты» (2020) Е Цзи находит загадочный эликсир, который позволяет ей похудеть и изменить внешний вид. Но вскоре девушка понимает: чем более красивой она хочет стать, тем в большей опасности её жизнь. Режиссер Чо Гён-хун исследует острую и нездоровую потребность современного общества, - всегда выглядеть молодо, стройно и красиво, особенно внутри хищного мира шоу-бизнеса. Впечатляет то, как режиссеру удалось передать всю серьезность проблемы не через драму, а через сверхъестественный ужастик / триллер. Сочетание агонии триллера с драмой и глубокими социо-философскими комментариями действительно удивительно, и это то достижение, которое очень редко можно увидеть в анимационных фильмах. Бесплатно Оригинальный язык / русские субтитры Регистрация: http://amp.gs/bjNW http://amp.gs/bjNW

Прошло 115 лет со дня рождения Билли Уайлдера – одного из лучших американских режиссёров в истории кинематографа. Вспомним несколько его знаковых фильмов, не упоминая о двух самых популярных («В джазе только девушки» и «Сансет Бульвар»). «Двойная страховка». Первый большой шедевр Уайлдера, хрестоматийная классика нуара, парадоксальным образом один из её самых мрачных и ироничных представителей. Редкий пример фильма, который, с какого бы места ты его не включил, намертво приковывает к экрану. При этом Уайлдер начал экспериментировать уже тогда, совместив визуальные принципы ланговского «М» со светом для документальной хроники тех лет. Много лет спустя он рассказал, что не сразу понял, как закончить «Страховку» – была даже отснята сцена, в которой МакМюррэя ведут в газовую камеру, но впоследствии режиссёр передумал и вырезал её из финального монтажа. «Потерянный уик-энд». И по сей день один из самых бескомпромиссных фильмов о разрушительных последствиях алкоголизма. Сцена с летучей мышью – в золотую сокровищницу кинематографа. Забавно, что продюсеры согласились дать денег на фильм, только если на главную роль возьмут красивого актёра, а сам Уайлдер настолько не верил в «Уик-энд», что, сняв его, ушёл в армию – и вернулся оттуда уже «оскаровским» лауреатом. «Туз в рукаве». В год выхода ленту не очень хорошо приняли, но время всё расставило на свои места – эта социальная сатира и по сей день может кого-нибудь шокировать своим неприкрытым цинизмом. Отдельная песня – Кирк Дуглас; роль в «Тузе» легко можно включить в тройку лучших у актёра. «Квартира». Фильм, который Уайлдер называл своим высшим творческим достижением. «Квартира» была смонтирована за неделю и вдохновлена эпизодом из «Короткой встречи» Дэвида Лина, во время которой мужчина решает уединиться с замужней женщиной в квартире своего друга – и Уайлдер подумал, что было бы хорошо снять кино про этого друга. Так, зародившаяся из чужого проекта и сделанная впопыхах картина до сих пор смотрится свежее, нахальнее и, чего уж там, смешнее большинства современных комедий; а Уайлдер тогда заработал очередной «Оскар». ЧтоПосмотреть https://retromovie.ru/sites/default/files/image/double-indemnity-1944/photo/1khxVUSGSsJ04YqjuDEJZmenRgB.jpg

​​ОБРАЗ ТРАКТОРА В “ИЧЧИ” Во время просмотра нового фильма Костаса Марсан “Иччи” — сложного, медиативного, запутанного хоррора, исследующего мрачную эстетику якутского фольклора — мне не давала покоя странная, несколько перверсивная фиксация режиссера на образе трактора. За полуторачасовой фильм, в котором якутский режиссер, используя скудные финансовые ресурсы и солидных размеров режиссерский талант, чтобы как следует покопаться в недрах якутского мифотворчества, шесть или семь раз берет и попросту фиксирует кадр на синем тракторе. Параллельно с тем, как в многослойной истории сталкиваются мир “традиции” и мир “современный”, пока в одном тесноватом нарративе переплетаются высший, средний и низшие миры из якутского эпоса “олонхо”, Костас Марсан находит время, чтобы просто на протяжении пары десятков секунд полюбоваться достижением белорусского сельскохозяйственного автопрома. Синего цвета. Коли, так уж получилось, что “Иччи” практически хором провозгласили высокохудожественным творением (с чем я согласен, но только отчасти), выбравшемся из своеобразного якутского кинематографического гетто, к которому западный зритель начал относиться со странным высоколобым пренебрежительным восхищением, а-ля: “смотрите, эти узкожопые умеют камеру держать и истории снимать, давайте им похлопаем” — было бы непростительным упущением взять и просто смириться с тем, что режиссер просто прется от тракторов, а не пытается нам что-то этим сказать. “Иччи” — это фильм, обреченный страдать от ориенталисткого отношения, и трактовок, вылетевших из утробы настоявшегося западного высокомерия по отношению к культурным братьям нашим меньшим. Собственно, если посмотреть на то, как сейчас реагируют на практически любой успех якутского кинематографа, можно воочию пронаблюдать то, о чем я говорю — западный зритель заметно устал от привычных декораций и сюжетов и затребовал чего-то нового, коим выступил внезапно (хотя он живет и локально процветает) якутский кинематограф. Восточные традиции, суеверия и культура — тем более малоизвестная якутская — крайне привлекательны и интересны своей незатертостью и уникальностью. Синий трактор. Синий белорусский трактор. Трактор, выпущенный с конвейера как бы западной фабрики, заточенной на массовое производство унифицированных и утилитарных машин для ...ывания земель для засеивания/застраивания т.е для еще одного процесса унификации и уравнения — являет собой образ ЗАПАДНОГО врага. Герои “Иччи” живут, страдают, борются с нечистыми силами, находясь на территории, центром которой является белорусский синий трактор, как символ скоропостижного умерщвления всего живого и самобытного. Костас Марсан из раза в раз фиксирует внимание зрителя на синем тракторе как бы говоря тому, что настоящий враг — это не нечто потустороннее, не злой дух из низшего мира, не что-то непознаваемое, а вполне понятное и приземленное. Главный враг — это синий трактор и следующая за ним страшная сила, несущая смерть всему живому. Сила мануфактуры. Сила усреднения. Ужас капиталистической рекуперации, выбравшей безобидный образ устаревшей белорусской синей машины. Не ведись на эту иллюзию, всяк сюда входящий. Дьявол в мелочах. А вы что думали? Все это просто так? Нет, Костас Марсан большой художник и он в шутки не играет. https://telegra.ph/file/55787d6e184bb4b126315.jpg

Вчера на 92 году ушёл из жизни Ричард Доннер. В новом веке его имя как-то затерялось среди таких мэтров, как Спилберг, Лукас и Земекис – он не совершал тектонических сдвигов в индустрии, не обновлял кассовых рекордов, а под конец карьеры его фильмы начали проваливаться со всё более оглушительным треском. И тем не менее – его запомнят. Именно он когда-то развил жанр кинокомикса, показав на примере «Супермена», что фильм про человека в обтягивающим разноцветном трико может собрать у экрана миллионы (причём Джин Хэкмен до сих пор является одним из самых харизматичных злодеев данного жанра). Поставил первого и лучшего «Омена» – знаковый хоррор для 70-х, вдохновивший Голливуд снять ещё три продолжения и один (катастрофически неудачный) ремейк. Иногда он выбирался на территорию «Индианы Джонса» («Балбесы»), иногда экспериментировал с жанром, поочередно снимая Гибсона то в боевике, то в вестерне («Мэверик»), а то и в честном психологическом триллере («Теория заговора»). Однако его высшим достижением остаётся «Смертельное оружие» – пожалуй, лучший боевик на планете (уж первые две серии точно). Именно там он достиг совершенства в жонглировании интонациями, виртуозно переключаясь между комедией и трагедий, чистым экшеном и пародией на жанр, подарив нам один из самых блистательных актёрских дуэтов коммерческого американского кинематографа. В апреле Доннер объявил, что собирается снять пятую часть – но теперь нам лишь остаётся гадать, насколько выразительным получилось бы это возвращение. Светлая память. https://lenta.ua/storage/05/30/02/02/0_60e3ef535b4dc.jpg

​​Безумный Макс: дорога ярости (2015) Особая мерка Хоть фильм не отличился кассой, как подобный ему седьмой форсаж, однако удостоился от критиков и специалистов звания фильма десятилетия, чем и дал повод о себе говорить. Ежу понятно, что оценивать подобную вещь с позиций художественных достоинств и здравого смысла не имеет смысла, простите. Я надеюсь, даже уверен, что и сами авторы не страдали желанием разразиться реалистичностью, вызвать к жизни по эту сторону экрана яркие эмоции, не желали поразить драматизмом, игрой актёров и обаянием персонажей, даже в мыслях не имели сразить нас гениальными режиссёрскими и операторскими решениями, выверенностью сюжета, пронять остротой темы. Ведь не хотели, не желали? Уф, вроде, нет, не хотели, не желали. Потому как, несмотря на признание и награды, здесь мы имеем дело с голым зрелищем, разудалым представлением, родом цирка, вакханалией трюкачества и технической изобретательности – словом, с очередным производственным достижением Голливуда, воздействие которого на потребителя сводится к простому: «Ух, ты, ну ваще, ты видал, нет, ты видал, круто замутили», а цель проста – касса. Это развлечение того же рода, что карусели, американские горки, дорожное происшествие, прямой эфир какого-нибудь яркого теракта или ночной дембомбардировки. Такие фильмы заходят через этакую дыру в сознании, которую кап-кап, долб-долб пробил Голливуд, или расширил – через своеобразный родничок, что осталась у нас с пещерных времён. Как нарочно попалась цитата. Секретные материалы, 7/19. Малдер о некоем фантастическом фильме: «Этот фильм так чудовищно плох и так по-детски наивен, что он гипнотизирует моё критическое восприятие и освобождает правое полушарие для социо-поэтических скачков». Замените «фильм» на «жанр», «социо-поэтические скачки́» на «заставляет сидеть, отвесив челюсть» и вот вам вся суть. Критиковать тут нечего, критика бессмысленна. Вычурность против незамысловатости А потому интересно другое, почему одни с тем же самым справляются кассово, а другие только мини-оскарно. Почему, например, «Форсаж 7», лидер продаж 2015 года, зашёл лучше зрителю, а «Ярость», наоборот, критике и кинакадемикам. Предположим, что дело не только в маркетинге и кулуарных делишках, но и в том, как сделана вещь. Сравним. «Ярость» сделана в стиле замысловатого претенциозного кича, «Форсаж» более современен и прямолинеен, более доступен для восприятия, меньше напрягает. «Форсаж» на 2015 год было уже седьмой подряд и продолбали себе в массовом сознании свой собственный родничок, «Макс» был только четвёртый и через тридцать лет после третьего. Однорукая Терон с Харди, который всё же умудряется местами играть, не тянут против толпы звёздных качков, которые играть не умеют и не пытаются, в силу чего выглядят естественно и круто. Оригинальный макияж, монстро-тачки, пустыня, материнское молоко (с чего бы?) и огненный гитарист проигрывают крутым реальным тачкам, тёлкам, спецназу, подрывам мегаполисов и небоскрёбов (последнее зашло ещё с «Бойцовского клуба»). Конкретнее, сравним мотивы героев. В «Ярости» они выражаются абстрактным словом «искупление» («Ты ради чего это делаешь? – Ради искупления»???), в «Форсаже» ясным и близким словом «семья» («У меня нет друзей, у меня есть семья»). С искуплением, особенно, в данном конкретном случае, придётся голову поломать, а семья, вот она – та женщина, этот ребенок, ещё вон тот, ещё вон та. Судя по мини-оскарам и уверениям создателей «Ярости», что вся техника была на ходу, а в большей части сцен снимались каскадёры, именно техническая, трюковая сторона и впечатлила критиков и профессионалов. Сохранилось ещё уважение к хэнд мейду, к ремесленному мастерству, к человеческим умениям и усилиям, к изобретательности. Выходит мини-оскары заслуженны, но также выходит, что достоверность и убедительность живых каскадёрских трюков уже не может спорить с достоверностью и убедительностью спецэффектов. Оценка: 7/12 https://telegra.ph/file/79516133966dca072443d.jpg

Можно считать как достижение? Пасхалки и Факты

​​Начало. Цифры Возвращаемся в землю кинообетованную. КиПо – 8.7, IMBd – 8.6. Отзывов на запросной странице Ях – 16680. Бюджет 160 млн + 100 млн. реклама. Отбой – 830 млн. Четвёртое место в своём году, 80 место среди всех времён и народов. Высокие оценки критики, с призами, правда, не срослось. Интересный факт. Согласно всезнайкопедии у К. Нолана, по его же собственным словам, ушли годы на то, чтобы «насытить структуру гламурного и поверхностного фильма-ограбления глубинными эмоциональными мотивировками». Напомню, «глубинные эмоциональные мотивировки» – это чувство вины перед умершей по вине героя женой. Не в каждом ли втором голливудском фильме чувство вины является «глубинной эмоциональной мотивировкой»? Первые выводы. Прямо скажем, тяжёлая артиллерия фабрики зрелищ. Крепкое, оригинальное (только в целом) производственно-профессиональное достижение Голливуда. И очень ловкое. Почему ловкое – в пятницу. https://telegra.ph/file/189a5cb1937f65c373b95.jpg

Уже в этот четверг выходит «Отряд самоубийц» – перезапуск, который понравился критикам (и уж наверняка понравится зрителям) сильно больше предыдущего фильма. Вспомним несколько ремейков, которые получились гораздо круче оригиналов. «Муха». Пожалуй, самый показательный пример из всех – если оригинальный фильм (неглупая и по возможности изящно снятая, но всё же изрядно устаревшая фантастика) слегка напрягает, то фильм Кроненберга уже пугает всерьёз. Это не говоря о том, что через него режиссёр транслирует магистральный тезис своего творчества, что это кино высокой визуальной культуры (подчеркнём – особенно в области грима) и что Кроненберг не столько переосмысляет, сколько развивает и дополняет идеи ленты 58 года – уже немалое достижение. «Нечто». Да, это тоже ремейк! Оригинал снимали Хоукс (тот самый) с Кристианом Найби, и у них, в сущности, получился излишне декоративный, а местами и вызывающий комический эффект ужастик – то ли дело подчёркнуто суровый, умный, атмосферный и напряжённый хоррор Джона Карпентера, и по сей день крепко сжимающий руки (клешни?) на зрительском горле. Кому мало – могут ознакомиться с продолжением 2011 года с Мэри Элизабет Уинстед в главной роли; местами у них действительно получилось очень недурно. «Мыс страха». Для разнообразия вспомним две картины, мало в чём друг другу уступающие. Версия 1962 года, с Митчемом и Грегори Пеком, тоньше сыграна и написана, и в ней гораздо острее чувствуется психологическое противостояние характеров; версия 1991 года, с Де Ниро и Нолти и за режиссурой Скорсезе – это уже более китчевое, остроумное и сексуальное кино, где поединок двух сильных мужчин постепенно уходит в телесную плоскость. Редчайший случай, когда от двух фильмов с одним сюжетом получаешь настолько разные (но в любом случае положительные) впечатления. ЧтоПосмотреть https://www.film.ru/sites/default/files/images/1010-03.jpg

​Квентин Тарантино поклялся никогда не давать матери денег и сдержал слово! Американский режиссер Квентин Тарантино в детстве поклялся никогда не делиться с матерью своими деньгами и сдержал слово. Режиссер отметил, что в юности обиделся на слова матери о его писательской карьере. В начальной школе Тарантино начал сочинять сценарии во время занятий, но из-за этого у него возникли проблемы с учителями. Преподаватели воспринимали увлечения мальчика как «вызывающий акт бунта». Первый серьезный сценарий будущий режиссер «Криминального чтива» написал в 12 лет, но мать была недовольна работой сына. Ее не устраивали его проблемы в школе. «Она кричала на меня… А затем в середине своей тирады сказала: «О, эта твоя писательская карьера, которую ты делаешь. Это дерьмо закончено!»» — вспомнил режиссер. Тогда мальчик придумал план мести. «Когда я стану успешным писателем, вы никогда не получите ни цента от моего успеха. Для тебя не будет дома, отпуска и Cadillac. Ты ничего не получишь», — решил он. Спустя десятилетия Тарантино сдержал обещание. Он помог матери только однажды, когда у нее возникли серьезные проблемы с налоговой! Сомнительное достижение. incinema_news https://telegra.ph/file/36306e03d6377b01cec64.jpg

Более 120 лет прошло с момента выхода «Дракулы» – известного романа Брэма Стокера, положившего начало вампиромании в массовой культуре. Безусловно, вампирский образ создавался поступательно и коллективными усилиями: в текстах Байрона, Пушкина, Гёте и вышеназванного Стокера, однако мы, конечно же, не откажемся от попыток восстановить историческую справедливость – полноценная жизнь вампиров началась с появлением кино. Фридрих Вильгельм Мурнау – пионер немецкого экспрессионизма, режиссёр-перфекционист, был первым художником, снявшем с Дракулы романтический флёр, элегантность и аристократизм (впоследствии поп-культура вернёт всё на круги своя и вампиризм станет метафорой сексуальности, эротизма или классовой борьбы). Его граф Орлок из «Носферату» 1922 года – кошмарное создание, властелин ночи, скорее крыса, ведомая зверскими инстинктами и жаждой крови, нежели утончённый владелец замка. Заостренные уши, жуткие клыки и похожие на когти руки – вампиры заселили Европу благодаря кинематографу, и, в частности, гениальному перевоплощению Макса Шрека. Шрек воплотил саму смерть, медленно передвигающуюся в тени – его перформанс был так убедителен , что вокруг «Носферату» выросли целые байки. Например, что сам Шрек ни много ни мало был вампиром. И, конечно, вслед за фильмом Мурнау начал формироваться определённый вамирский канон – именно после «Носферату» главным врагом кровопийцев стали не осиновый кол и молитвы, а солнечные лучи. Мы будем рассказывать об истории и судьбе легендарного фильма Мурнау под специальным тегом Носферату Разбор Носферату https://i.gifer.com/NUNr.gif

На этой неделе вышло продолжение (а частично и переосмысление) «Кэндимена», но сегодня мы вам расскажем об оригинале. Вообще, фильм Бернарда Роуза не даром обрёл культовый статус – мало того, что это одна из самых удачных экранизаций Клайва Баркера, так в фильме ещё и доведены до совершенства все те компоненты, которыми так славились наиболее знаменитые хорроры 90-х. Мистицизм, как в лучших работах Крэйвена – сюжет закручен вокруг городской легенды, что способствовало нагнетанию липкой сновидческой атмосферы. Выдержанный физиологической гротеск – не настолько пробирающий, как в том же «Восставшем из ада», но мало кто забудет сцену с вылетающим изо рта Кэндимена пчелиным роем. Идеально подобранных актёров – причём для Вирджинии Мэдсен и Тони Тодда это стало едва ли не высшим карьерным достижением. Не все знают, однако вскоре у «Кэндимена» вышло два продолжения – но в них уже не осталось и тени от былого накала, образной мощи и изобретательности первого фильма. Если вы собираетесь идти на новинку и до сих пор не познакомились с лентой Роуза – срочно исправьте это недоразумение. ЧтоПосмотреть https://images.kinorium.com/movie/shot/94814/w1500_48695368.jpg

​Публикация, посвященная Павлу Клушанцеву, собрала множество положительных реакций, поэтому по многочисленным просьбам сегодня мы вспомним настоящего новатора, талантливого и достаточно скандального первого русского режиссера Василия Гончарова, слава которого несправедливо стерлась из памяти зрителей, но сумевшего открыть новую эпоху в истории русского кинематографа и поставить свыше 30 художественных фильмов за свою короткую карьеру. Для начала стоит кратко рассказать путь Василия Михайловича (упуская множество моментов), который приведет его к постановке первого в России полнометражного фильма «Оборона Севастополя». Большую часть жизни Гончаров прослужил чиновником на железной дороге, вместе с тем увлекался театром и в свободное время писал очерки и пьесы, которые не допускали к постановкам из-за цензуры. Но после переезда в Москву у него все-таки выходит протолкнуть свою пьесу «Понизовая вольница» в театральную постановку, а с помощью Александра Дранкова в результате появляется еще и кинотеатральная версия, вышедшая на экраны 15 октября 1908 года и получившая огромный успех у зрителей, но обладающая множеством недочетов и изъянов, в которых Гончаров обвинил Дранкова и, рассорившись с ним он начинает сотрудничество с Паулем Тиманом, в результате которого выйдет не совсем удачный режиссерский дебют «Смерть Иоанна Грозного» (1909), впоследствии их совместная деятельность закончится. Однако через некоторое время Василий Михайлович в подходящий момент предложит свои услуги в качестве режиссера московскому кинопредпринимателю Александру Ханжонкову, которому надоело заниматься простым показом зарубежных фильмов, а хотелось погрузиться в собственное производство кинокартин. У Гончарова был тяжелый характер, поэтому отношения между ним и Ханжонковым были постоянно напряжены, вследствие чего и произошел разрыв между двумя кинодеятелями, а все из-за того, что Ханжонков предложил актеру Петру Чардынину экранизировать «Власть тьмы», расценив данную ситуацию как оскорбление, Василий Михайлович ушел в другую, конкурирующую с Ханжонковым, фирму братьев Патэ. Но и там он проработал недолго, как и в следующей заграничной компании — «Гомон». Спустя некоторое время Гончарова захватила идея постановки масштабного исторического полотна «Оборона Севастополя», посвященного событиям Крымской войны (1853—1856), из-за чего он снова возвращается к Александру Ханжонкову со своим предложением, но тот отказывается от такой авантюры, но после царской аудиенции и полного содействия властей Ханжонков осознал огромную ответственность, возложенную на них, и начал стремительную подготовку к съемкам. Уже с конца мая 1911 года съемочная группа прибыла в Севастополь, где и стартовали съемки. Все батальные сцены были воссозданы с помощью воинских частей, поступивших в распоряжение режиссера, из-за чего работа выглядит действительно масштабно и убедительно. Особенно этот эффект усиливался при съемках памятников и ветеранов этой войны (прикладываю сюда отрывок отреставрированной 4K-версии), специально приглашенных по случаю съемок фильма уже глубокими стариками, дожившими до 1911 года. В этом же году в Ливадийском дворце для царской семьи Романовых состоялся премьерный показ полнометражного фильма «Оборона Севастополя», в ходе которого картина получила право официальной демонстрации в России. Работа пользовалась большим успехом и стала наивысшим художественным достижением Гончарова, хотя в фильме сразу было замечено множество погрешностей и изъянов из-за чего Николай II по разным причинам будет вспоминать это полотно. Последние дни своей жизни Гончаров находился на административной работе у Ханжонкова, уступив место молодым кинодеятелям. В дальнейших планах Василия Михайловича была постановка повести Николая Карамзина «Бедная Лиза», но внезапная смерть 23 августа 1915 года прервала его очередное начинание. Данную заметку хотелось бы посвятить двум датам: годовщине смерти Василия Гончарова и дню российского кино, который традиционно празднуется 27 августа. Очень буду рад проявленному интересу к данной рубрике и рассчитываю продолжать ее в дальнейшем. https://telegra.ph/file/bc0b693afd2ebf77d4ac5.jpg

Посоветуем вам несколько фильмов, которые когда-то прославили Тони Люна (отец в «Шан-Чи и легенда десяти колец») на весь мир. «Крутое сваренные». Культовый боевик Джона Ву, сгусток неконтролируемой кинетической энергии, безостановочное, сумасшедшее действие, в котором трупы исчисляются сотнями (энтузиасты насчитали 306). На первом плане в роли инспектора Текилы блистает Чоу Юнь-Фат, но и Тони Люн (в роли копа под прикрытием) выступает не хуже. В целом это один из самых удачных сплавов гротескной маскулинности и типичной азиатской сентиментальности, какие только знал жанр. «Любовное настроение». Пожалуй, наивысшее творческое достижение Вонга Кар-Вая – трагедия, как и почти всегда у него, посвящённая превратностям любви; на сей раз режиссёр перевёл на язык кино её важнейшее свойство – призрачность, бренность, недолговечность. И утопил мысль в эмоции, целую жизнь – в моменте. Блестящие партии Мэгги Чун и Тони Люна – их бы запомнили уже благодаря одному этому фильму. «Герой». Поэтический эпос Чжана Имоу, снятый где-то на стыке повествовательных стилей «Императора и убийцы» и «Крадущегося тигра, затаившегося дракона»: в плане масштаба снятое не иначе как при поддержке небесной канцелярии, тонко написанное и блестяще сыгранное кино. От количества спецэффектов – как на уровне драматургии, так и картинки – ближе к финалу может закружиться голова; и да, это однозначно одна из лучших ролей Тони Люна. «Двойная рокировка». Фильм, даже у нас в стране не нуждающийся в представлениях – позже Скорсезе снимет ремейк («Отступники») и наконец заберёт режиссёрского «Оскара». Мы не будем сейчас сравнивать две эти картины – но стоит сказать, что в деталях это даже ещё более жёсткое, остроумное и лаконичное (на грани аскезы) кино. Стоит добавить, что у этого фильма есть два продолжения – и в третьей части вновь появляется Тони Люн. ЧтоПосмотреть https://images.kinorium.com/movie/shot/107518/w1500_158152.jpg

Сегодня в возрасте 88 лет умер Жан-Поль Бельмондо – один из немногих актёров, с которым многие связывали само понятие «мировой кинематограф». Это был человек удивительной судьбы и карьеры. Про него тогда многие писали, что у него не совсем киногеничная, чрезмерно мужественная, грубая внешность «под негодяя» (в молодости Жан-Поль профессионально занимался боксом и это оставило на его носу крайне выразительный отпечаток) – но он брал своё техникой, энергией, харизмой, пластичностью. Ему удалось стать одним из главных актёров французской новой волны – он снялся в лучшем фильме данного движения (годаровском «На последнем дыхании»), позже сотрудничал с Мельвилем (см. его выдающийся выход в х/ф «Стукач»), Малем, Лелушем, Трюффо. Однако широкая публика открыла его, когда актёр ушёл в коммерческий жанр – в остросюжетные триллеры, боевики и мелодрамы. Его высшим достижением на этом поприще стал «Профессионал», французский хит, до сих пор вспоминающийся нашим зрителем с особой любовью. Нам всем будет его не хватать. Светлая память. https://images.kinorium.com/movie/shot/54422/w1500_7825.jpg

Свободное движение камеры, парящей в кинопространстве — это революционное достижение стоит приписать Фридриху Мурнау — одному из главных режиссёров эры немого кино, которого называли «современным кентавром, сросшимся с камерой». В 1924 году Мурнау снял «Последнего человека», в котором полно воплотился подход к кино и камере как подвижной записи моментов и настроений. В фильме о суровой доле бывшего швейцара, Мурнау отказался от интертитров (для идеального кинопроизведения не требуются титры — считал режиссёр), а также превратил ленту в настоящее визионерское мастерство. В «Последнем человеке» камера поднимается, летая и проникая повсюду — в самом начале, в фойе шумного отеля, снятого из опускающегося лифта, в котором движение камеры придает фильму, а вместе с тем и немому кино, совершенно новое измерение и текстуру. Эта симфония образов придумана Мурнау с идеалистической целью — дать кино возможность реализовать свой потенциал, став агентом пространства и времени, свободно перемещаясь в пространстве. Операторский кран, подвижная лестница, скользящая по воздуху, а также кустарный метод — прикрепление камеры к груди оператора Карла Фройнда, привели к открытию «освобождённой камеры», без которой невозможно представить сегодня почти ни один фильм. Пример визуальной пластики, после которой все американские режиссёры принялись подражать умению Мурнау, можно посмотреть на видео: https://youtu.be/9gVUEA2T2AY ОткрытыйЗанавес https://youtu.be/9gVUEA2T2AY

А в кинотеатрах тем временем уже вторую неделю идёт «Дело», новый фильм Алексея Германа-мл, отчасти так и не сумевшего выбраться из тени великого отца. Расскажем вам об его наиболее впечатляющих картинах. «Последний поезд». Дебют в полном метре, одновременно и стилизация под ранние фильмы знаменитого предка, и попытка нащупать собственный почерк – что проявляется и в эстетической (монохромная картинка, тщательная работа со звуковым ландшафтом), и в этической (это история о двух немецких оккупантах, угодивших под жернова истории) составляющей. Сильное, пробирающее до печёнок, пусть где-то и излишне формалистское кино. «Garpastum». Второй, снятый уже в гораздо более изысканной манере, фильм Германа – чуть менее смелый и чуть более мелодраматичный, и ещё сильнее похожий на работы отца. Но поразительно уже то, как режиссёр чувствует фактуру, саму ткань ушедшего времени; действие разворачивается в канун Первой мировой, и мы два часа наблюдаем за тем, как падает эпоха. От экрана при этом не оторваться. «А я и не заметил, когда она упала» констатирует в финале один из героев. «Бумажный солдат». Высшее достижение Германа-мл, после которого он сам, подобно главному герою, резко выгорел и сильно уронил планку качества. Это как бы продолжение советского оттепельного кинематографа – но в более холодной, отстранённой манере семейного кинематографа: история о крахе идеалов шестидесятников с их космической программой, выдержанная в тональности «Проверки на дорогах» (да и нет ничего зазорного в том, что родственники говорят на одном киноязыке). Один из сильнейших российских фильмов 21 века. ЧтоПосмотреть https://images.kinorium.com/movie/shot/455322/w1500_507877.jpg

​​Видеть | See Стивен Найт, США, 2019-... (2 сезона) Жанр: фантастика, драма, боевик Главные роли: Джейсон Момоа, Сильвия Хукс, Хера Хильмар, Арчи Мадекве, Неста Купер Далекое будущее. Человечество полностью утратило зрение и уже несколько веков учится обходиться без способности видеть. Однажды в одном поселении рождаются зрячие близнецы, что запускает цепочку событий, которая повлияет на будущее всего человечества. На данный момент уже без одной серии вышел второй сезон, а я посмотрел пока что полтора, но уже могу поделиться своими впечатлениями. К слову, проект продлили еще и на третий, поэтому может когда-нибудь вернусь к нему. Первое и, наверное, единственное, что мне продало сериал, — концепция далекого будущего, где люди лишены зрения. Главная фишка сериала по полной раскрывается уже в первой серии во время масштабного сражения. Увиденное производит впечатление, сразу возникает куча вопросов о быте наших незрячих потомков, но постепенно ты вникаешь в местную специфику жизни и принимаешь ее. Точно также принимаешь и большое количество условностей, на которые нельзя было не пойти, чтобы сделать классный проект. Наверняка, общество, лишенное зрения, спустя много лет выглядело не так, как в сериале. К сожалению, первые несколько серий кажутся затянутыми: движухи происходит мало, не совсем понятно, что будет дальше, а главное — нет какой-то интриги, которая должна тебя удерживать у экрана. Однако я советую всем этот момент перетерпеть. Интересности начинаются, когда зрячие близнецы взрослеют и должны уже сами задавать вопросы и находить на них ответы. К этому моменту сериал тебя захватывает и уже бросать его совсем не хочется. Помимо главной истории о зрячих близнецах, в сериале есть несколько параллельных веток, которые от серии к серии интересуют то больше, то меньше, но скорее в положительную сторону я склоню эти весы. Авторы на примере местного общества много рассуждают о социальной составляющей, религии, предубеждениях, правительственных распрях и всему остальному, что присуще подобным проектам. Если первый сезон — становление близнецов и достижение ими определенной цели, то во втором начинается какая-то «Престолов на минималках». Гораздо больше времени уделяется политическому положению дел в этом мире, семейным проблемам, а акцент смещается с самих детей на других героев, что их окружают. До «Игры престолов», конечно, далеко, но весьма неплохо. К слову, даже картинка и музыка во втором сезона стала напоминать экранизацию романов Джорджа Мартина. Я, кстати, все время ждал столкновения средневекового настоящего, в котором живут герои, и высокотехнологичного прошлого, в котором жили зрячие предки. В первом сезоне есть пару моментов подобных, но без чего-то особенного, а вот во втором нам показали, как герои заходят в нетронутую квартиру с шикарным (в нашем понимании) ремонтом и соответствующей обстановке — это прям классно было. Самый главный респект получает сериал за стильные визуал и экшн. Великолепная операторская работа, работа дизайнеров и художников-постановщиков заслуживает отдельной похвалы. Еще более стильно выглядят только сражения: эти бои на мечах вслепую, которые заканчиваются невероятно красивыми фаталити, дарят нам одну из лучших хореографий боев, что вы можете посмотреть прямо сейчас. Именно визуал и стильный экшн перекрывают все недостатки, которые у сериала есть. Во втором сезоне, к слову, картинка стала еще краше, а бои еще насыщеннее. «Видеть» — вполне себе дежурный проект, пропустив который, вы не сильно пострадаете в плане поп-культуры. Однако если вы цените стиль в визуальном плане и в хореографии сражений, то пропускать сериал не стоит. Это очень дорогое и добротное шоу, которое способно затянуть и развлечь, особенно если от него ничего не ждать. Смело рекомендую к просмотру. Оценка: хорошо! IMDb: 7,6 https://telegra.ph/file/1c2a51f7204efcbc57a49.jpg

Сегодня Терри Гиллиаму исполнился 81 год. Пройдёмся по основным точкам его фильмографии: «Бразилия». Окончательно отделившись от монтипайтоновцев и набив руку на «Джабервоках», Гиллиам родил свой главный антиутопический шедевр: почти все его фильмы были о борьбе системы и личности, внешнего подавления и внутренней свободы, материализма и романтизма, но ни в одном из фильмов режиссёра голос рассказчика не звучал столь вдохновлённо и столь горько, как здесь. «Приключения барона Мюнхгаузена». Пожалуй, главный развлекательный фильм в карьере Гиллиама. Изобретательный, остроумный, масштабный и потрясающе динамичный аттракцион – вот уж где формат барочной кинематографической фантазии идеально совпал с материалом завиральных мюнхгаузеновских россказней. Отдельно стоит выделить эпизод с молодой Умой Турман, от одного взгляда на которую тогда наверняка отвалилась не одна мальчишеская челюсть. «Король-рыбак». Из гиллиамовских творений это, наверное, обладает самым мощным терапевтическим эффектом – кино о людях, которых горе каждого по-своему сводит с ума; один ныряет в плен романтических фантазий, другой, формально цепляясь за здравый смысл, медленно тлеет изнутри. Блестящая постановка, мощный сценарий, и одни из лучших ролей в фильмографиях Уильямса и Бриджеса. «12 обезьян». Ещё одна культовая антиутопия, по сути ремейк «Взлётной полосы» Криса Маркера (короткого метра, представленного в виде авангардного фотографического коллажа), но в каждом кадре, разумеется, безошибочно опознаётся Гиллиам – с его гротескным рукотворным визуальным рядом, любовью к неочевидным кастинговым решениям (тем сильнее впечатляет актёрское трио Уиллиса, Питта и Стоу), потрясающими саундтреками и злой иронией, столь удачно оттеняющей утробную интонацию апокалиптического фатализма. «Страх и ненависть в Лас-Вегасе». Противоречивая, неожиданно отвязная, смешная и страшная экранизация одноимённого романа Томпсона – где-то режиссёр упростил фабулу, где-то сместил акценты, но это в любом случае впечатляющее достижение. Идеальный кастинг (помимо Деппа и дель Торо нельзя не отметить множественные камео – начиная Тоби Магуайером и заканчивая Эллен Баркин), густая галлюцинаторная атмосфера, идеальное владение ритмом – ни разу после «Страха» Гиллиам уже не поднимался на столь впечатляющую высоту. ЧтоПосмотреть https://bigpicture.ru/wp-content/uploads/2018/08/FearandLoathinginLasVegas02.jpeg

Пока публика неравномерно оценивает нового Эдгара Райта, вспомним режиссёров, которые смогли от авторов комедий переквалифицироваться в режиссёров серьёзного кино. Из постановщиков старой школы зрители вспоминают Джерри Цукера, который прославился как комедиограф и знатный пародист (отдельного внимания стоит «Аэроплан!»), а в 1990 году снял неожиданно драматичного «Призрака» с Патриком Суэйзи. Все хорошо помнят братьев Фаррелли – авторов многочисленных комедий с Джимом Керри (особенно «Тупой и ещё тупее»), которые пару лет назад переквалифицировались в драматичных режиссёров – «Зелёная книга» – вероятно, их главное достижение за всю режиссёрскую карьеру. Не менее интересный путь проделал Кевин Смит – отойдя от своей комедийной вселенной с Джеем и Молчаливым Бобом, Смит не поскупился на хоррор и снял «Красный штат» – кровавую, напряженную историю о религиозном фундаментализме. А самый ближайший пример – Дэвид Гордон Грин, который прославился комедийной трилогией («Ананасовый экспресс», «Храбрые перцем» и «Нянь»), а затем резко повернулся к серьезному, драматичному кино – «Джо» с Николасом Кейджем и два кровавых «Хэллоуина» не дадут соврать. Переход к серьезному кино, конечно, двояко сказывался на режиссёрах – в отдельных случаях он того стоил (для Фаррелли и Цукера, например), в остальных – весьма разноречиво, особенно для Эдгара Райта, которому всё сложнее находить себя вне комедийной эстетики и шутливости происходящего. ОткрытыйЗанавес https://lh3.googleusercontent.com/proxy/T9vn99-4a5P8ucjIzMaZTPEEIQ9GW1e1_l-FmDsmnHGYViwE9P-h3PRZhPtSbWCHI0e-Qe3hFZsoBCHPgtCvkbi2nEWtxtc7EYFL0_YErZPZUR9VVvmAq94

​​Детонатор (2004) Фантастика, независимое, не бюджетное, непрофессиональное, любительское кино. Фильм рассказывает о двух приятелях, которые случайно изобрели машину времени в гараже. Как изобрели? – Как-то научно, аргон, сверхпроводники при комнатной температуре, разница в течении времени в 1300 раз и прочее. Что из этого вышло? Множество собственных двойников, с которыми ни в коем случае нельзя было сталкиваться, а также некая этическая проблема, ясность которой сравнима с ясностью принципов функционирования машины времени, представляющей собой что-то вроде теплицы. Впрочем, в итоге приятели каким-то чудным образом пришли к положению, когда они должны спасти девушку, которую убьют в будущем на вечеринке. В результате многочисленных перемещений туда и сюда герои каким-то образом создают цепь событий, которая исключает убийство, а главный герой должен по неким этическим соображениям покинуть страну. Ясно, что ничего не ясно, и ясно быть не может уже хотя бы по тому, что путешествия во времени чистой воды околонаучная фантастическая спекуляция, не имеющая даже теоретических очертаний и лишь несколько догадок в виде возможности успешной игры на бирже, размножения двойников да парадокса дедушки, а потому подробности путешествий во времени могут быть только сюжетные игровые, подробности же технического, научного, этического характера могут быть только фантастические и спекулятивные – то есть смутные и неправдоподобные (если разговор не об эффектах теории относительности, которые нам технически недоступны). Попытки углубиться в тему с упоминанием сверхпроводников, аргона и прочего, только напускают тумана и усугубляют неразбериху. Говорить об этом серьёзно нельзя. Если кто-то делает вид, что понимает, – а вид делают и призы раздают, – то это явление психологическое и социальное, это в пику задолбавшему всех Голливуду, это поза и способ группового обособления. И всё же не будем строго судить подобные фильмы. Приглядимся внимательнее и зададимся вопросом: так ли уж велика разница между этим любительским фильмом снятым за 7000 долларов с привлечением друзей на безвозмездной основе и независимым, так называемым арт-хаусным кино и, даже, профессиональными Голливудскими произведениями. Взять хоть «Начало» (пост от 23 июля). Да, взять и сравнить. Для примера. В «Начале» за счёт личной истории, которая совсем отсутствует в «Детонаторе», чуть больше сюжетной ясности и структурированности. Техническая же, причинно-следственная, научная, с позволения сказать, смысловая стороны на том же уровне запутанности и туманности. В «Начале» больше спецэффектов, беспорядочной стрельбы, погонь, приятных во внешних отношениях звёзд. Если бы можно было привести фильмы к одному знаменателю, то есть учесть разницу в бюджетах, доступе к профессиональным кадрам, спецэффектам и матбазе киностудий, к богатому шаблонному наследию Голливуда, то такой ли уж большой получилась бы разница? Думаю, что нет. Больше скажу, в «Детонаторе» интереснее обыграны некоторые ситуации, иными кадрами не погнушался бы арт-хаус, а манера съёмки и качество плёнки, извините, пребывают в полном согласии с триеровской «Догмой 95». И потому можно, пока с оговорками, говорить о том, что границы между арт-хаусом, коммерческим и любительским кино на смысловом, творческом, художественном уровнях делаются всё более расплывчаты. Здесь не лишне будет вспомнить слова Копполы о девочке (см. пост от 25 июня), что возьмёт однажды камеру отца и снимет фильм, и кино, наконец, станет искусством, и перестанет быть финансовым предприятием и производственным достижением. Не тот ли случай? Порадовало желание героя посетить наш Звёздный городок и сравнение решения проблемы письма в невесомости. Американцы потратили миллионы на изобретение ручки для письма в невесомости, наши использовали обычный карандаш. И в самом деле – всё гениальное просто! Оценка: 7/12. https://telegra.ph/file/96ccbfa8e6036ba174dd0.jpg

Завтра в прокат выходит один из самых расхваленных фильмов года – «Спенсер. Проведём краткий ликбез по самым заметным работам Пабло Ларраина. «Нет». Пожалуй, и по сей день самая зрелая, остроумная и элегантная из работ чилийца – о том, как оппозиция наняла пиарщиков, чтобы те помогли им свергнуть Пиночета. Это, во-первых, блестящая сатира о том, как маленькая корпорация зла (рекламщики) на службе у левого крыла борются с системой, чьи интересы они когда-то были вынуждены обслуживать; во-вторых, тонкая и трагичная история краха базовых принципов понятия гражданства – внимательнее следите за линией персонажа Гаэля Гарсии Берналя; в-третьих, образцово снятый срез эпохи – учитывая внешнее оформление картины, кому-то он может запомниться в качестве на удивление захватывающего новостного репортажа. «Джеки». В контексте «Спенсера», конечно, нельзя не упомянуть и об этом фильме. Снова высшие эшелоны власти, снова сильная женщина в эпицентре государственного скандала, снова большая голливудская звезда в главной роли (Портман получила за эту роль ещё одну номинацию на «Оскар»). Моментами на режиссёра давит дресс-код, заданный жанром традиционного американского байопика, когда личность раскрывается не через судьбу, а событие, и в целом, конечно, это не ахти какое достижение – но в преддверии свежей ленты рекомендуем ознакомиться. «Эма: Танец страсти». А вот здесь Ларраин уже отпустил поводья – это чистая фантасмагория в обёртке классического сюжета о выходе из глубокого личностного кризиса; смесь хореографически и визуально сногсшибательного видеоклипа, неожиданно мощно разыгранной мелодрамы и авторского сценического манифеста (поверьте, раз увидев, вы уже не сможете забыть танец-оргию на удивление пластичных уличных балерин). Смотреть в самом высоком качестве, доступном в интернете. ЧтоПосмотреть https://images.kinorium.com/movie/shot/605665/w1500_1282148.jpg

Кино как перверсивный акт подглядывания Извращённая чепуха, отвратительный портрет психотической личности и просто-напросто возмутительный фильм – так в 1960-м году отзывались о «Подглядывающем Томе» Майкла Пауэлла. Наверное, только эта картина, да «Заводной апельсин» Кубрика умудрились настолько взбудоражить британскую общественность. Сегодня, равно как и лучшие триллеры Хичкока («Психо», «Окно во двор», «Головокружение»), ленту Пауэлла считают самим воплощением специфики кинопросмотра – фильмом о природе видения, жажде наблюдения и подчас садистском от процесса удовольствии. Его центральный персонаж - работник на киностудии, который снимает женщин камерой со спрятанным внутри штатива ножом – испуганные лица жертв сохраняются на крупном плане, а маньяк, в свою очередь, получает наслаждение, просматривая записи с последними минутами их жизней. Понятно почему триллер Пауэлла вызвал такую истерику в 1960-м году: этот блестящий и круто стилизованный фильм фактически уровнял секс, детские девиации и кинопроизводство, окончательно познакомив психоанализ и визуальное искусство. Камера – фаллос, съёмка – объективирующий акт насилия, а сам кинематограф – страшная машина подавленных желаний. Подспудный ужас и трансгрессия, которую воплощает человек за киноаппаратом – отправная точка исследований того, что находится по ту сторону кино. Человеческая культура скрывала свои садистские намерения под сенью морализма. Достижение Пауэлла – он снял эту последнюю маску, показав наше вуайеристское удовольствие, POV как инструмент познания мира. Думается, жизнь этого фильма только начинается – неспроста реабилитацию заруганного шедевра первым начал именно Мартин Скорсезе – гланый фанат Пауэлла, чья карьера буквально закончилась на неудаче этой ленты. ЧтоПосмотреть https://ncoxny.files.wordpress.com/2015/07/peeping-tom-e1425892995806.jpg

Прежде чем подвести черту под 2021-м годом, мы не можем не упомянуть о другом важном празднике (для кого-то более весомым, чем Новый год) – Международный день кино, который уже более века отмечают 28 декабря. В этот день в 1895 году братья Люмьер провели первый публичный и коммерческий показ кинематографа, ошарашив своим достижением многих зрителей. До легендарного показа в парижском «Гранд-кафе», Люмьеры на протяжении целого лета репетировали свою презентацию, показывая короткометражки промышленникам и деятелям фотоконгресса. В этом смысле, кинематограф родился до судьбоносной даты 28 декабря – просто в этот день ему наконец придали официальную и публичную форму. Ну и важно сказать об одном историческом разночтении, которое встречается во многих источниках. Именитое «Прибытие поезда на вокзал Ла-Сьота», вопреки многочисленным упоминаниям, не составило генезис кинематографа – это был далеко не первый фильм братьев Люмьер, да и показали его вовсе не 28 декабря, а чуть поздне - 6 января 1896 года (простой факт: в заявленном списке из 10 короткометражек, о «Прибытии поезда» там нет ни слова). ОткрытыйЗанавес http://content22-foto.inbox.lv/albums184545306/alteriga/Po_sledam_kinoteatrov_2/4-.jpg

ЧЕЛОВЕК-ПАУК: НЕТ ПУТИ ДОМОЙ собрал больше 2 млрд рублей в России. Проект повторил достижение ВЕНОМА 2. https://www.kinometro.ru/news/show/name/spiderman_2021_newrecord_4565

В возрасте 79 лет из жизни ушёл Дуглас Трамбалл — великий пионер спецэффектов, определивший образ кинофантастики ХХ века. Трамбалл, в первую очередь, прославился своей работой над «Космической одиссей» Стэнли Кубрика, сумев впечатлить режиссёра своим мастерством и богатством фантазии. Психоделическая сцена со Звездными вратами Юпитера, снятая с помощью технологии slit-scan — достижение, благодаря которому Трамбалл мгновенно вошёл в киноисторию как неистовый новатор и экспериментатор. Трамбалл в 70-е годы стал наиболее востребованным мастером по спецэффектам, создававшим инопланетные миры и космические пространства: «Штамм Андромеда», «Бегущий по лезвию», «Близкие контакты третьей степени» — результат его неутомимых поисков и изобретательских навыков. Он также помогал Терренсу Малику в визуализации «Древа жизни» и до последнего оставался изобретателем, расширявшим рамки обычного зрительского киноопыта. Для многих мастеров по спецэффектам Трамбалл и его работа над фантастикой остаётся недосягаемой вершиной и основным ориентиром. Новости https://i.guim.co.uk/img/media/17253d5d47afdcf98b9d2955e052079cd1118ae0/0_741_1809_1084/master/1809.jpg?width=465&quality=45&auto=format&fit=max&dpr=2&s=25990de74bdfb8a9c3d194c2dc39235a

Движок истории. У каждого сериала должен быть двигатель истории (движок, топливо, story engine), который позволит ему развиваться. Двигатель – это внутренний, неразрешимый конфликт, который запускает историю. Он позволит вашему сериалу развиваться от эпизода к эпизоду. И, возможно, от сезона к сезону. Движок истории фокусируется на ГЕРОЯХ и ПОЧЕМУ они вместе. Двигатель истории - это внутренний конфликт, потому что он исходит из того, кем являются наши герои. И он неразрешимый, там нет финала. Межличностный конфликт невозможно разрешить через один или два эпизода, потому что его источник кроется внутри героя, в его убеждениях, мировоззрении, которые являются неотъемлемой частью самих героев. Один герой всегда противопоставляется другому. Это и есть постоянно-действующий конфликт. Два самых распространённых движка истории, которые вы встречали, это: «герой против героя» (суть которого в межличностной динамике, у героев единая или конфликтующая цель). В сериале «Наследники» как раз-таки присутствует этот тип двигателя истории. Он внутренний, т.к. источник кроется в том, кем являются наши герои. До тех пор, пока они не изменятся, конфликт не может быть разрешен. Другой тип — это противопоставление героя и мира. То есть тут герой плывет против течения, не встраивается в модель мира, в котором он живет. И это можно наблюдать в сериале «Удивительная Миссис Мейзел». Она будто опережает время, в котором она живет. Из-за того, какая она есть, какие у нее цели и из-за тех правил мира, в котором она находится, история будет продолжаться. До тех пор, пока это не изменится, решение конфликта невозможно. И этот момент связан со ставками, суть которых в том, чем рискуют герои. И тут есть два типа ставок. Первый тип — это внешние ставки, т.е. что герои хотят достичь, какая их реальная цель, которую они преследуют. Может быть, это контроль над семейной империей или желание получить ожерелье. Это их внешняя цель. Но также у них есть эмоциональная связь с целью (это внутренние ставки) – т.е. что это значит для них, что будет значить для них достижение этой цели, что это им даст в эмоциональном плане. И это их реальная мотивация. Что у них на кону? Что они выиграют или потеряют? И в эмоциональном плане, и в том числе в реальности, которую можно потрогать.

«Скрежет» по нервам и сердцу До нашего проката долетел финский арт-хоррор «Скрежет», и мы радостно открыли окна (то есть побежали в кинотеатр). Тепло встреченный на фестивале «Сандэнс» фильм ловко балансирует между новомодными «возвышенными ужасами» (elevated horror) в духе «Солнцестояния», старыми-недобрыми «телесными ужасами» (body horror) Дэвида Кроненберга и фантасмогоричными историями о семейных ужасах в стиле «Убийства священного оленя». Отдельно взятая ячейка финского общества в прямом и переносном смысле слова разваливается на куски, хотя мать семейства отчаянно пытается демонстрировать миру идеальную картинку. Ее видеоблог так и называется – «Идеальная жизнь». Хотя сама она норовит покинуть гнездо и начать новую жизнь с симпатичными плотником. Ее дочь тем временем начинает буквально высиживать яйцо зловещей птицы, из которого вот-вот вылупится что-то кошмарное. «Скрежет» блестяще справляется со всеми задачами. Привлекает идеальной картинкой (что ни кадр – то пир для глаз). Пугает разными способами: то вязкой атмосферой, то резкими моментами, то саспенсом, то кровавыми подробностями. И, наконец, находит оригинальные метафоры, чтобы поговорить о вполне тривиальных темах: разоренных гнездах, опасностях «ретуширования» своей жизни и силе материнского инстинкта. «Скрежет» неожиданно логично развивает тему недавней «Незнакомой дочери» Мэгги Джилленхол, где тоже кропотливо и с напряжением обсуждалась темная сторона материнства. Опытные фанаты ужасов вряд ли удивятся некоторым сюжетным решениями (особенно те, кто в свое время видел эпизод «Дженнифер» из сериала «Мастера ужасов»). Но, даже несмотря на некоторые сценарные клише, «Скрежету» до конца удается оставаться весьма самобытным творением, которое точно заслуживает просмотра на большом экране. Оценка: 8/10 https://cdn.vox-cdn.com/thumbor/u1G-2Opz6JigPMlCZI9TlfyvBno=/1400x788/filters:format(jpeg)/cdn.vox-cdn.com/uploads/chorus_asset/file/23196512/HATCHING___Still_2.jpg

​​А вот Дэвид Кроненберг особо привередливую каннскую публику, похоже, не только не впечатлил, но даже не напугал. В «Преступлениях будущего» режиссёр вернулся к излюбленному жанру боди-хоррора и поведал историю о будущем, в котором «хирургия — новый секс». Критики уверяют, что самые подробные «мясные» сцены смотрятся без особых эмоций, а идеи растворяются в сумраке искусственных декораций. Geoffrey Macnab, «Independent (UK)»: «После того, как утихнет первоначальный фурор, произведенный в Каннах, «Преступления будущего», скорее всего, будут рассматриваться как интригующая, но относительно незначительная поздняя работа в творчестве режиссера. Он снова исследует знакомые темы.  Фильм очень стилизован, снят почти полностью в тускло освещенных интерьерах. В нем присутствует атмосфера готического китча в стиле садо-мазо. Здесь также много обнаженной натуры, но Кроненберг изображает тела так, словно это синтетические оболочки для пульсирующих органов, находящихся под ними. Вот что его по-настоящему интересует. Это фильм, богатый идеями, но в нём очень мало напряжения или страсти. Временами он больше похож на инсталляцию в галерее искусств, чем на полноценный драматический фильм». Stephanie Zacharek, «TIME Magazine»: «Глубоко в недрах «Преступлений будущего» Дэвида Кроненберга можно услышать бульканье глубоких идей, пытающихся найти выход: что-то об эволюции и постоянстве искусства, о пределах и чудесах человеческого тела, о том, как правительство всегда будет пытаться найти способы контролировать нашу автономию. Эту картину нельзя назвать выдающимся достижением — она одновременно элегантна и довольно глупа, но ее нельзя обвинить в отсутствии замысла.  Кроненберг вернулся на знакомую территорию боди-хоррора, приветствуя его как старого, хотя и склизкого друга». Hannah Strong, «Little White Lies»: «В фильме есть несколько сцен хирургических операций, которые должны дать Кроненбергу возможность вернуться к основам, но результат оказался довольно слабым, с неуклюжими эффектами и CGI, которые не смотрелись бы неуместно в фильме «Экзистенция», снятом двумя десятилетиями ранее. Для режиссера, сделавшего себе имя на создании захватывающих странных и отталкивающих образов, «Преступления будущего» кажутся на удивление спокойными — даже самые шокирующие сцены имеют такой очевидный искусственный блеск, что трудно почувствовать реальность в происходящего». https://telegra.ph/file/e6cdb2aa5ab73df2a3249.jpg

Почему «Песочный человек» не совсем удался — что не так с долгожданной экранизацией Нила Геймана от Netflix Просидевший век в заточении повелитель сновидений (Том Стёрридж) возвращается на свободу и обнаруживает, что его царство снов пришло в запустение, другие боги замышляют что-то недоброе, а люди мучаются нарушениями сна. Выходивший с 1989 по 1996 годы культовый комикс автора «Звездной пыли» и «Коралины в стране кошмаров» давно напрашивался на экранизацию, но за это время настолько прочно врос в гик-культуру, что сейчас экранная адаптация кажется устаревшей. Надо понимать, что Гейман писал «Песочного человека» еще до «Гарри Поттера» и сотен книг, фильмов и сериалов (от «Сверхъестественного» до «Ночного дозора»), в которых герои потустороннего мира решают насущные вопросы в современном городе. И на протяжении десяти эпизодов «Песочного человека» так и не становится понятно, чем сериал способен по-настоящему удивить зрителя, не являющегося фанатом творчества Геймана. Как экранизация он довольно хорош, но не дает ничего кардинально нового. Да, это красиво, да, тут неплохой подбор актеров (особенно хороши Дэвид Тьюлис, Дженна Коулман, Гвендолин Кристи с крылышками и Стивен Фрай в роли Стивена Фрая), да, тут есть несколько действительно ярких эпизодов (в середине сезона), но все это уже повторение пройденного. Даже неудачные «Американские боги» давали нечто новое (по крайней мере, они могли бесить, что уже достижение), чего уж говорить про «Благие знамения» с поджигающим экран дуэтом Дэвида Теннанта и Майкла Шина. Тут же нет ни яркой актерской химии, ни визионерской фантазии, ни какого-либо безумия, жизненно необходимого для экранных адаптаций Нила Геймана. А есть крепко сбитое и умеренно увлекательное дорогостоящее фэнтези, которое можно описать фразой «ну, так сойдет». Новинки https://img.netzwelt.de/dw1200_dh675_sw2672_sh1503_sx315_sy3_sr16x9_nu0/picture/original/2022/07/the-sandman-netflix-345524.jpg

​Диалог это война. (Ликбез для начинающих киноделов) Если вы это читаете, значит вам интересно как устроено кино. Поэтому нет смысла в долгих вступлениях, хотя дать определение такому кино-инструменту как “диалог” всё же стоит. Диалог - это обмен репликами, которые направлены на достижение целей героев. Диалоги в кино не похожи на разговоры в жизни. Не существует такого мотивированного, конфликтующего и цельного диалога в жизни (если мы говорим о качественных репликах в кино). Сегодня мы рассмотрим в чём цель, соль и задача хорошо построенного диалога, и стоит ли с ним заигрываться. Первое, что следует запомнить - на диалогах не должен выстраиваться весь сюжет, их не должно быть много. Да, есть те, кто скажет, что существуют камерные драмы, где на диалогах выстраивается весь основной конфликт, но ни в одном из подобных примеров нет бездействующих реплик. Здесь мы переходим ко второму важному аспекту создания диалогов. В идеале, каждая реплика обязана нести в себе действие персонажа, или же событие. Когда один персонаж говорит другому свою позицию, тот в ответ отвечает своей позицией, пускай даже если он согласится с ним, но будет подразумевать своё. Это и есть ответное действие, оно меняет цель героя. То есть, каждая реплика одного персонажа должна непосредственно влиять на другого, и нести в себе действие, а не только информацию. Не помню кто из великих мастеров ремесла, в качестве объяснения построения диалога, приводил в пример игру в пинг-понг. Диалог является соревнованием между двух героев - один подает мяч для пинг-понга, другой отбивает. Ритм диалога следует выдерживать на его конфликтности, иначе интерес к нему будет потерян. Хорошая практика - писать диалог опираясь на уже построенный конфликт, главное не переусердствовать с пинг-понгом, иначе он выйдет затянутым. В одной реплике должна раскрываться одна сторона позиции персонажа, не стоит перебарщивать с наполненностью диалогов, обратите внимание на его значение и функцию. Хороший диалог, как и хороший сценарий посвящён конфликту. Именно он будет концентрировать в себе энергию сцены, эмоции и драйв истории. Вы не оживите диалог, если будете добавлять туда больше знакомых всем фраз или ярких оборотов, остановитесь только на тех репликах, которые двигают события вперёд. А вот когда вы сделаете реплики работающими на развитие истории, то можете приступать к речевым характеристикам самих персонажей. Вы уже знаете, что все персонажи в истории должны быть разными, они отличаются между собой характерами. Если бы это было не так, то конфликтов как в реальной жизни, так и в кино - не существовало. Выделить персонажа нам позволяет его речевая характеристика. Будь то рабочий с южным акцентом, фитнес-тренер или инфоцыган - все они говорят по разному. Когда вы выстроили работающий диалог задумайтесь о том, “а как именно он это скажет?”. Ведь “пойдём прогуляемся” и “пойдём пошароёбимся” это разные реплики, и, скорее всего, когда вы их читаете, то в голове у вас создаётся образ кардинально разных персонажей, в этом и суть. Научитесь выстраивать работающий диалог, а после этого - сделайте его органичным. Не перегибайте палку с оригинальностью и сложностью выстроенных вами формулировок, создавайте естественные диалоги. Не бойтесь простоты и банальности, ведь только простыми словами вы сможете донести сложную мысль до каждого. Не говорите зрителю то, что он может увидеть на экране, не передавайте ему лишнюю информацию, наоборот, рассыпайте её крошками и желательно подтекстом. “Это платье тебе очень идет” - смахивает на искренний комплимент. “Это платье тебе очень идет, а ещё какие есть?” - герой не хочет говорить правду, что это платье не идёт героине. Не бросайтесь репликами в лоб, иначе зрителю нечего будет додумывать, а значит - скучно смотреть. Будьте чистыми в отношении к диалогам и они будут работать на вашу историю как нужно. Ну а более детальное изучение свойств хорошего диалога на примерах классики кинематографа ждите во второй части ликбеза. incinema_author https://images.unsplash.com/photo-1617575521317-d2974f3b56d2?ixlib=rb-4.0.3&ixid=MnwxMjA3fDB8MHxwaG90by1wYWdlfHx8fGVufDB8fHx8&auto=format&fit=crop&w=2574&q=80

Болели ли вы когда-либо за кого-то на «Глобусе» или «Оскаре», как за родного? Прошедший «Золотой глобус» не в последнюю очередь запомнился трогательной речью Ке Хюи Куана, получившего статуэтку за лучшую мужскую роль второго плана. Актёр поблагодарил Стивена Спилберга и режиссёров «Все везде и сразу», а также признался, что многие годы боялся, мол, детская роль в «Индиане Джонсе» окажется главным достижением его жизни. Победу Куана на премии ждали, в неё верили, на неё надеялись — и народный любимец ее одержал, подарив нам самый эмоциональный момент церемонии. Были ли такие актёры или фильмы, торжество которых на каких-либо кинопремиях вызвало в вас ликование, как у фанатов футбола во время победы любимой команды? И какие награды в соответсвии с бэкграундом триумфатора кажутся вам красивыми? Давайте обсудим в комментариях крутые впечатления от распределения наград кинопремий, которые иногда всё-таки способны по-настоящему порадовать. https://www.m24.ru/b/d/nBkSUhL2gFchnMezPqzZvc62gYT28pj22yHFh_fH_nKUPXuaDyXTjHou4MVO6BCVoZKf9GqVe5Q_CPawk214LyWK9G1N5ho=4_W1sqOlQgeKw-a2Qq-7Xw.jpg

Марвеловский «Блэйд» разлагается на глазах. И не в первый раз. Кинокомикс опять расстался с главным постановщиком — его покинул Ян Деманж («Страна Лавкрафта»). То, что у студии Marvel вновь не клеится с постановкой, стало понятно совсем недавно, когда исполнитель титульной роли Махершала Али ушёл сниматься в «Мир Юрского периода 4». Напомним, актёра официально взяли на роль в 2019 году, и пока единственное достижение в плане исполнения партии — шёпот в сцене после титров «Вечных». Источники уверяют, мол, Махершала по-прежнему на борту. Те же источники говорят, что режиссёр и студия разбежались по обоюдному согласию. До Деманжа был ещё некто Бассам Тарик. Поиск нового главного постановщика, разумеется, тоже займёт время, откладывая производство на неопределённый срок. Сейчас над сценарием «Блэйда» колдует Эрик Пирсон — ветеран марвеловских сюжетов; он работал над «Агентом Картер», «Тором: Рагнарёком», «Чёрной вдовой» и «Громовержцами». Marvel, потерпев серию неудач в прокате, собирается вернуться в былую форму за счёт уменьшения количества контента — не больше двух-трёх полнометражных картин в год. В этом году премьеруется только один фильм — «Дэдпул и Росомаха». В 2025-м выходят «Капитан Америка: Дивный новый мир», «Громовержцы» и «Фантастическая четвёрка». «Блэйд» рассказывает историю титульного героя, который борется с вампирами, при этом являясь полувампиром. Также его называют Дневным бродягой, потому что он не боится солнца. Ещё протагонист мучается от жажды крови, но как-то справляется. Уэсли Снайпс сыграл персонажа в трёх фильмах. Оригинал в 1998-м срежиссировал Стивен Норрингтон, сиквелами занимались Гильермо дель Торо и Дэвид Гойер. Надеемся, что вам было интересно. Если статья наберёт много лайков, мы обязательно продолжим вас радовать новостями. Больше новостей кино можно узнать на нашем канале - https://t.me/kinostro4ka

«Человек, который слишком много знал» (1934, Альфред Хичкок). За свою жизнь Альфред Хичкок успел снять более 50 фильмов. Он начал работать в кино еще в начале 1920-х годов, сначала оформителем титров, затем автором сценариев и ассистентом режиссера. Уже в 1927 году он снял свой первый по-настоящему хичкоковский фильм — триллер «Жилец» о таинственных преступлениях в Лондоне. Смена эпох и стилей в кинематографе давалась ему легко (он быстро адаптировался и к голливудскому производству, и к цветным фильмам), поэтому у него не возникло проблем и после появления звука: уже в 1930 году он выпустил успешный детектив «Убийство!». Однако самым заметным фильмом этого раннего периода стал «Человек, который слишком много знал» 1934 года; не зря позднее Хичкок даже снял его ремейк с Джеймсом Стюартом. Сюжет рассказывает о муже и жене, которые невольно узнают о шпионском заговоре на отдыхе в Альпах. После этого преступники похищают их дочь, и супругам приходится самостоятельно распутывать заговор. Подобный сюжет станет одним из любимых у Хичкока в 1930-е годы и не только: шпионские триллеры он снимал почти вплоть до самой смерти («Разорванный занавес», «Топаз»). Отчасти фильм суммирует опыт более ранних хичкоковских лет, в том числе связанный с работой в немом кино и, что немаловажно, на немецких киностудиях. Интересно, что «Человек, который слишком много знал» как раз стал англоязычным дебютом для актера Петера Лорре, уехавшего из Германии и прославившегося своими злодейскими ролями (у себя на родине он сыграл в фильме Фрица Ланга «М», а в США позднее попал в компанию легенд хоррора, снимаясь с Кристофером Ли и Винсентом Прайсом). Гротескный образ Лорре со шрамом на лице и высветленной прядью волос здесь только усиливается за счет некоторых приемов: так, в одной из сцен схватки с главным героем он словно смотрит прямо на зрителей. Выразительность и экспрессивность некоторых кадров, а также использование света и тени здесь напоминают о немецких фильмах 1920-х годов. А эпизод гипноза, с одной стороны, может отсылать к традициям доктора Мабузе и доктора Калигари, двух самых известных киногипнотизеров той поры, с другой — как бы служит прологом к дальнейшему интересу Хичкока к изображению снов или работы подсознания, как в фильмах «Завороженный» или «Головокружение». Однако главным хичкоковским достижением в «Человеке, который слишком много знал» сценой стала 7-минутная сцена концерта в Альберт-холле, во время которого преступники должны совершить убийство, но их план срывается. Эта первая кульминация фильма (за ней последует напряженный эпизод на крыше, вдохновленный, кстати, реальными событиями) показала, как Хичкок использует музыку и монтаж, чтобы создать эффект саспенса на экране — зритель знает, что вот-вот произойдет что-то ужасное. Это можно считать репетицией его будущих великих сцен, таких как сцена на лестнице в «Психо» или сцена в поле в «На север через северо-запад».